Revista

14/11/2011

Violeta Bava, docente del CIC, productora del film ganador del Festival Internacional de Mar del Plata

Por Tania Lavanderos

Se acabó el festival, algunos volvimos a la facultad, otros a laburar, a sus ciudades, a sus puestos de combate… pero nos quedamos con las mejores ganas de terminar el año, con el cuerpo lleno de películas por dentro, de esos tesoros que no se vuelven a encontrar . Se agradece al festival por tanta calidad cinematográfica…

“Abrir puertas y ventanas” ganó el premio a la mejor dirección, de Milagros Mumenthaler, y el premio a la mejor película. Gracias a la intuición, supongo, tuve la oportunidad de ver la película un día antes de la entrega de los premios y realmente fue de las mejores que vi.

La película nos refleja la convivencia de tres hermanas, que luego de la muerte de la abuela, Alicia, cada una trabaja la ausencia desde las distintas miradas que las diferencian a una de lo otra. Comprendemos naturalmente que las relaciones entre hermanas nunca son fáciles, que la convivencia tampoco. Y que la pérdida siempre provoca una reacción que desde lo cotidiano se vive de una forma en donde es el otro el que debe comprender que pasa y por qué. Pero cuando el otro, la otra, también ha perdido algo que no se recupera, las miradas, las palabras, las relaciones mutan, cambian, se transforman o no. Pero las hermanas siempre son hermanas, de buenas, de malas, en compañía, entre silencios, en soledades…

Los colores, el arte, el cuidado estético deja la marca femenina en un film realizado por mujeres, entre mujeres, y que   la marca, hermosa, sutilmente trabajada se nota, se destaca y se agradece.

Cada plano, cada momento se llena de detalles para crear una historia que deja de importar cuando es el vínculo el que se construye, y el que representa una forma de ver, de mirar y de entender. El espacio vacío conmueve . Cada mirada busca algo, y las sonrisas, escasas, permanecen, como así el silencio. Los tiempos despacios, el cambio sutil, y la partida.

12/11/2011

IX JORNADAS DE TEATRO Y ACTUACIÓN EN EL CIC

Las jornadas de teatro y actuación, son un evento indispensable para el CIC, ya que proponen el espacio propicio para repensar la forma y las posibilidades de hacer teatro en Argentina, ofreciendo a los alumnos de la Carrera de Actor y Director de Artes Escénicas, el marco ideal para relacionarse de modo tangible con importantísimos profesionales de la interpretación dramática para Cine, Teatro y Televisión. Asimismo, tienen la posibilidad de mostrar sus propios trabajos, como resultado de una etapa de investigación acontecida y en constante desarrollo.

En esta edición 2011 nos acompañaron: Raúl Serrano, Luis Brandoni, Soledad Silveyra, Jorge Suarez, Mónica Scaparone, Paloma Contreras, Paula Kohan y los egresados de nuestra escuela: Andrés Molina, Eliana González,  Marina Andrada y Lizzania Sanchez.

10/11/2011

26º Internacional Festival de Cine de Mar del Plata – ¡Vivan las antípodas!

Por Tania Lavanderos

El sábado comenzó el 26º festival de Mar del plata. Grandes, chicos, marplatenses, porteños, extranjeros, estudiantes de cine, directores, actores, productores, mucha gente anda dando vueltas por las calles de la ciudad. Las filas son largas para entrar a cualquier película, el cine se expande, se difunde, se ve por todos y para todos. Películas de todos los géneros, de todos los gustos. Las competencias, internacional, argentina y latinoamericana, ya comenzaron a disputar los primeros lugares. Cine de calidad. “¡Vivan las antípodas!” fue la película documental que abrió magistralmente el festival este año. Película digna de ser mencionada en todos lados y de ser vista por quien tenga acceso a ella. Su director Ruso Victor Kossakovsky, esta en Mar del Plata y ha sido recibido con las mejores criticas sobre su película. Las antípodas son los lugares o personas diametralmente opuestas en el mundo en que vivimos. Entre ríos y Shangai, la Patagonia Chilena y Rusia, Hawai y Botswana, España y Nueva Zelanda. La película se dedica a mostrarnos el mundo en que vivimos de mil formas y de formas distintas a las que conocemos. El planeta jamás deja de girar y nosotros con la tierra, nos movemos, nos diferenciamos unos con otros. De una lado amanece mientras del otro se esconde el Sol. Las imágenes son realmente conmovedoras, atrapantes, puramente bellas. Entre opuestos vivimos y nos encontramos, en días y noches, naturaleza y ciudad, mucha gente, lugares desolados. Lo que conocemos pero sobretodo lo que desconocemos, los misterios del mundo que esconde micro mundos, ecosistemas, culturas lejanas o no. La fuerza de la naturaleza transmite poder en esta película, con planos increíbles, invertidos, que se mueven, que reflejan.

20/10/2011

En Octubre – Tres deseos, de Marcelo Trotta & Vivian Imar, en INCAA TV

Pablo y Victoria viven en Buenos Aires y viajan por un fin de semana a Colonia para festejar el cumpleaños 40 de ella. Están casados hace ocho años. Es el primer fin de semana que pasan solos, desde que nació la hija, y a lo largo del mismo, tomarán conciencia de que se aproxima el final de la relación. La primera tarde Pablo y Victoria salen a caminar por la playa y luego de una fuerte discusión, él se aleja solo por la costa. En un momento se detiene junto a un grupo de personas frente a un bote de pescadores. Pablo se siente atraído por una mujer algo menor que él, se aproxima a ella y reconoce a Ana, a la que abandonó doce años atrás.

Domingo 23 octubre, 2011
20:00 a 21:40.

Lunes 24 octubre, 2011
5:00 a 7:00.
10:40 a 12:20.
16:00 a 17:40.

Sábado 29 octubre, 2011
3:10 a 5:00.
16/09/2011

Román Cárdenas, egresado del CIC, homenajeado en Toronto junto a otros directores Argentinos

El Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) brindó ayer un homenaje a la nueva generación de cineastas argentinos con la celebración de un coloquio sobre la cinematografía del país suramericano a la que asistieron directores como Román Cárdenas, Santiago Mitre y Carlos Sorín.

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14/05/2011

ENCUENTROS CON EL CINE DE CULTO – Honky Tonk Man de Clint Eastwood

UN CLASICO MALDITO

Por Gustavo J. Castagna

Honky Tonk Man no se estrenó en Argentina y en Estados Unidos fue un fracaso. Es la novena película dirigida por Clint Eastwood, filmada hace casi treinta años y todavía lejos del momento en que el cineasta y actor levantara su único Oscar por Los imperdonables (1992). La triste historia del músico Red Stovall (el mismo Clint, claro) se concibió entre Firefox (1981), un exceso de patoterismo patriótico reaganiano e Impacto fulminante (1983), la única película en la que Eastwood se colocó detrás de las cámaras para autofilmar su personaje célebre, el incorruptible y violento policía Harry Callahan, Dirty Harry o Harry, El sucio para los fanáticos.

Pues bien, cabría preguntarse por qué una película tan personal, clásica en su tratamiento narrativo, muy bien actuada y con una sutil reconstrucción de los años de la Depresión Económica fue pasada por alto. Más de una vez se afirmó Eastwood cineasta –y estoy en total acuerdo- es el último representante de una tradición conceptual clásica, el heredero afortunado, el cineasta crepuscular de un sistema narrativo que representó al Hollywood de tres décadas. Y Honky Tonk Man, en este punto, parece un testamento cinematográfico de aquella manera de hacer y construir películas. Más aun, el borracho y tuberculoso Stovall sabe que tiene poco tiempo de vida pero su obsesión por grabar unos temas en el mítico festival o, por lo menos, concurrir a la ciudad-triunfo de Nashville, la catedral de la música country, vale más que un montón de toses que presagian los vómitos de sangre. Pero Eastwood director no da lugar a una película lacrimógena pero sí emotiva, no le deja espacio al golpe bajo pero sí al llanto sincero a través de la relación entre ese destartalado tío y su sobrino, que encarna Kyle Eastwood, el hijo de Clint que hoy tiene más de cuarenta años y que se dedica a la música. Como aquel maduro y hoy viejo Eastwood, que ya tiene 81 y sigue filmando con la energía de un joven que encontró en el cine su lugar para transmitir un pensamiento, una filosofía, una visión del mundo personal.

Esa mirada de Eastwood sobre un mundo determinado ausculta los años de la declinación económica de Estados Unidos, mostrando un país que solo sobrevive el día a día y que aun no había recibido las directivas del presidente Roosevelt que abogaría por la resurrección y reconstrucción económica. Por eso, Stovall decide emprender un viaje, que será el último de su vida, explorando las carreteras de tierra a la búsqueda de un sueño que el personaje ya creía perdido. O que, es ese país y en ese momento, el que ya veía que los sueños habían pasado a mejor vida.  Honky Tonk Man, en ese sentido, es la (a)puesta al abismo de un director construyendo un personaje de ficción, pero también, diseccionando a un contexto que ya no creía en los milagros económicos que provenían de Wall Street. De allí que la película no expresa tristeza, sino melancolía, no refleja el triunfo de un macroeconomía de un país, sino la pequeña victoria ética de un individuo por no traicionar sus ideales.

Clint Eastwood ya superó las 30 películas como director y desde hace tiempo viene dejando su testamento como cineasta. Una filmografía con picos altísimos, buenos films, títulos menores y algunos olvidables. En medio de esa obra tardíamente admirada por muchos, se erige Honky Tonk Man como el gran fracaso de la vida del director, actor, compositor y músico. Si no me creen esto último, escuchen la voz de Clint Eastwood con el hermoso tema central de la película. Y va la letra como bonus track de esta nota:

And I’ve never felt me feel quite so bad,

And I know we both feel that we have been had,

Well I guess they were just not that strong.

So I lost my woman and you lost your man,

And who knows who’s right or who’s wrong,

But I’ve got my guitar and I’ve got a plan,

Throw your arms ’round this honky tonk man!

Throw your arms ’round this honky tonk man,

And we’ll get through this night the best way we can!

It’s the best ol’ pain killer since hurtin’ began,

Throw your arms ’round this honky tonk man!

I miss that woman, you miss him too,

There’s not a hell of a lot we can do,

But cling to each other ’till the hurtin’ is through,

But the hurt can only last just so long.

You’ll be my woman, I’ll be your man,

Even if just for a while,

I’ve still got my guitar and I’ve got a plan,

Throw your arms ’round this honky tonk man!

Throw your arms ’round this honky tonk man,

And we’ll get through this night the best way we can!

It’s the best ol’ pain killer since hurtin’ began,

Throw your arms ’round this honky tonk man!

Throw your arms ’round this honky tonk man!

HONKY Tonk man


				
11/04/2011

La obra “El cumpleaños de la Patria” por el III PREMIO CENTRO CULTURAL DE LA MEMORIA HAROLDO CONTI

La Secretaría de Derechos Humanos de la Nación -por intermedio del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti- convocó a participar en el III “Premio Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti” que este año se otorgará en la categoría Teatro.

Ante ésta convocatoria, y teniendo en cuenta los trabajos realizados en la materia de “Escenografía y Vestuario”, bajo la dirección de Norberto Laino, alumnos de tercer año y egresados, han decidido hacerse cargo del proyecto conocido como “Cumpleaños de la Patria” y postularse a dicho concurso. Actualmente se encuentran en la pre-selección final junto a 12  obras .

Lizzania Sanchez, Egresada de la carrera de Actuación y Directora de la obra, nos cuenta detalles del proceso.

“Cumpleaños de la Patria” Producción: Patricio Carrasco / Dirección: Lizzania Sánchez/ Asistencia: Luciana Bonello

Actúan: Guillermo Sotelo, Gabriel Praticó, Franco,  Patricio García Citrón,  Ignacio Frick, Florencia, Marina Andrada, Antonela Polidori,  Catalina Fernandez Moujan, Rocío Rodriguez Planes, Magalí Lanziano, Ailén Ponce, Debora Tonello, Luciana Bonello, Florencia Laval y Franco Planel.

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9/04/2011

Recomendaciones Bafici

BLUE VALENTINE / Derek Cianfrance/ EE.UU – O CEU SOBRE OS OMBROS /Sérgio Borges / BRASIL – L.A. ZOMBIE / Bruce Labruce / EE.UU – CAVE OF FORGOTTEN DREAMS / Werner Herzog / FRANCIA – SHE MONKEYS  / Lisa Aschan / SUECIA – FILM SOCIALISM E / Jean Luc Godard / SUIZA

por Felipe Sánchez García.

Alumno 3 año / Realización.

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9/04/2011

SEMINARIO SOBRE CINE DE CULTO – THE ROCKY HORROR PICTURE

TRANS-CINE

Por Gustavo J. Castagna

“I ´m Just a Sweet Transvestite / From Transsexual / Transylvania”

Así se presenta el Dr. Frank –N- Furter ante los imprevistos invitados, la parejita recién llegada al castillo, donde anda experimentando para crear a Rocky, el Frankenstein trans que lo amará de por vida. Ese es solo el estribillo de una de las tantas canciones que transformaron a THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, como bien dicen varias notas, en la madre de las películas de culto a través de las reverencias incondicionales, el espectador fanático y participativo, el delirio interactivo que ya superó holgadamente las tres décadas. Primero obra de teatro y luego cult movie, la creación de Richard O’ Brien (Riff Raff en la película) tiene a Tim Curry como el científico, en una performance que hizo y que aun hace historia. El culto al film no terminó en los 80 y el flagelo del SIDA no impidió que los fans se desperdigaran por el mundo, desparramando su amor eterno a una película que convoca y parodia a títulos de terror de los 30 de la productora Universal y de la RKO y a clásicos de la ciencia ficción de los 40 y 50. Más aun, la primera canción, con los labios de Magenta (uno de las secretarias del Dr. Furter) en primer plano invocan a Fay Wray (la heroína de aquel King Kong de los inicios del sonoro) y a otros actores y películas que habían recorrido la ciencia y ficción y el terror de dos décadas. El culto cinéfilo, claro está, en el caso de THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, se convierte en el culto trans y en el grito a full que pide la liberación de los cuerpos a través de un hedonismo sin vueltas. Contextualmente estamos en los años del glam rock, la ambigüedad sexual, el rimmel, las lentejuelas y la purpurina. Son los años de Space Oddity, Ziggy Stardust y David Bowie, los tiempos en que los New York Dolls proponen su himno Personalitty Crisis. Son esos momentos de la historia de la música y de la aparición de las estrellas rock andróginas que bien reflejaría la excelente Velvet Goldmine (1999) de Todd Haynes. En esa Inglaterra pos Beatle y aun con los Sex Pistols haciendo buches y preparando sus primeros escupitajos, comienzan las iniciales representaciones de THE ROCKY HORROR en teatro. Las noticias ya dicen que el espectador participa activamente de la obra, pero será el cine y el film de Jim Sharman (una criatura teatral) la que acreciente el mito. El público canta y sabe de memoria las canciones, en esos años setenta y hasta hoy, baila en los cines y transforma en ídolos por siempre a Tim Curry y al resto de los intérpretes, inclusive a la joven Susan Sarandon. Todos los actores usan sus voces y la opera rock triunfa en el mundo. Antes habían sido Tommy de Ken Russell sobre el trabajo de The Who y Jesuscristo Superstar. Más tarde vendría Hair! y las referencias a Vietnam. Pero THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW es otra cosa: el cine de ciencia ficción y terror del período clásico transmutados a la energía transexual de la época, al sexo sin red, grupal o individual, al baile interminable porque la fiesta se creía eterna. No será así porque el mundo propondría cambios, censuras, muertes, guerras, desolaciones. Pero THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW es, no cabe duda, el film de culto de la historia: aun en estos días se sigue exhibiendo en algunos cines de los Estados Unidos e Inglaterra. El espectador no es el mismo, pero el que no cambia es el baile que todos saben bailar: el Time Warp, un pasito a la izquierda y otro a la derecha. Es que el mundo, tal vez, en esos años 70 era un lugar más feliz y menos incómodo que el de hoy. Es que THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW es el mejor antídoto, de aquellos y de estos tiempos, para contrarrestar a todos los males de este mundo.

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW PEQUEÑO

8/04/2011

RECOMENDACIONES BAFICI

PRESENTACIÓN DE LA XXIXº EDICIÓN DEL CONCURSO DE CORTOMETRAJES GEORGES MÉLIÈS

En el marco del treceavo BAFICI, la embajada francesa presentó la nueva edición de su reconocido concurso de cortometrajes. En estos casi 30 años del Méliés , más de 1400 jóvenes realizadores han participado con excelentes y reconocidos resultados. Entre ellos muchos directores hoy en día consolidados, que vieron en este  concurso uno de los primeros escenarios para presentar su trabajo y propuestas.  Con la presencia de un funcionario de la embajada de Francia en Argentina, un representante de la Cinemateca Argentina,  un delegado de la revista Haciendo Cine y el director del concurso; se anunciaron tanto el tema central de esta edición como quien sería su padrino. Esta vez la palabra clave para la realización de cortometrajes de cualquier género (6 min. Max. De duración): “Anteojos”  y su madrina, Graciela Borges.  Como antesala a la presentación se proyectaron los cortometrajes ganadores de las dos últimas ediciones donde “Electrodomésticos” y “Piscina” fueron los temas respectivamente y el primer premio fue para Tomás Frontroth, egresado del Centro de Investigación Cinematográfica, por su corto “Introducción a la electrología”.

Para conocer las fechas,  bases del concurso ó para  cualquier consulta visite www.embafrancia-argentina.org/agenda.

por Felipe Sánchez García

Alumno 3 año / Realización.

3/04/2011

Seminario sobre Cine de Culto – La noche del cazador

CUIDADO, LLEGO EL MAL

Por Gustavo J. Castagna

Muy de vez en cuando se da un caso como el de La noche del cazador dentro de una historia del cine que ya superó los 116 años. Ocurre que se trata de la única película que dirigió el reconocido actor Charles Laughton, referente del teatro y el cine británico durante cuatro décadas, adaptando un libro original que había tenido éxito de ventas. Sin embargo, esta gran película resultó un estrepitoso fracaso, pasando a integrar el extenso listado de films malditos que, en el caso de The Night of the Hunter, en los inmediatos años 60, comenzaría a tener reconocimiento. Temprana justicia podría decirse.

En 1955 Laughton era una celebridad actoral, igual que Robert Mitchum y las dos actrices que aparecen junto al gran intérprete: una de ellas, Shelley Winters, originada desde la escuela de Lee Strasberg, y la otra, Lilian Gish, una leyenda imbatible desde el cine mudo debido a aquellas películas que hiciera su mentor y creador, David Wark Griffith, nada más y nada menos. Pero poca gente fue a ver La noche del cazador, acaso por la historia que narra, o tal vez, por el temor a dilucidar la inteligente fusión de cuento de hadas con pesadilla originada por y desde la niñez. Quién sabe. Pocos disfrutaron en su momento los muchos elementos que conforman la puesta en escena, la fotografía en blanco y negro de tono metálico de Stanley Cortez (Los Magníficos Ambersons de Orson Welles) o la maquiavélica y seductora interpretación de Mitchum colocándose en la piel del predicador-padre sustituto-galán seductor y asesino sin contemplaciones de viudas con bastante dinero. También, la forma estupenda en que Laughton narra un relato que podría ser el de Caperucita Roja conviviendo con Hansel y Gretel, o una versión no declarada de Oliver Twist de Dickens dándose la mano con un Frankenstein sin pasar por el laboratorio o con un Hombre Lobo sin necesidad de transformación por una maldita noche de luna llena. Por qué no aducir, en este sentido, que La noche del cazador también refleja los temores infantiles corporizados a través de la aparición de alguien que rompe con un orden establecido. Es que el predicador que encarna Mitchum resulta un personaje de múltiples encarnaciones: el Hombre de la Bolsa, El Cuco, El Siniestro, el mismísimo Mal. Y son dos chicos –especialmente el varón- quienes desconfiarán de esa presencia, rehuyendo a la transparente seducción que transmite el clérigo. Su mamá, viuda reciente muere (morirá) por esos encantos.

La estructura dramática de La noche del cazador es clásica, el aspecto visual resulta apabullante y de una riqueza conceptual poco recurrente en esos años.  Sin embargo, en el prólogo del film, aparece un personaje que recién retornará a las imágenes en la última media hora: se trata de la abuela buena, protectora de los chicos, caracterizada por la mítica Lilian Gish. Ella será quien custodie, cuide y guíe a la pareja de pequeños hermanos frente al  Mal, que siempre puede retornar, y más aun con un cielo estrellado y una luna perfecta. Ella, como la Abuela de Caperucita será quien enfrente cara a cara al Lobo con uniforme de predicador.

Ella será, en todo caso, quien proteja al espectador para que el Bien triunfe sobre el Mal. Por lo menos, en La noche del cazador.

LA nOCHE DEL CAZADOR para web pequeño

22/03/2011

SEMINARIO SOBRE CINE DE CULTO – Easy Rider

Days Tripper

Por Gustavo J. Castagna

Busco mi destino (Easy Rider) marcó el comienzo de las road movies cinematográficas, y también, fue el inicio de la carrera como director de Dennis Hopper, a esa altura, un reconocido actor germinado desde las tablas del Actor´s Studio. Hopper también encarna uno de los dos papeles principales, junto a Peter Fonda, en tanto un aun joven Jack Nicholson aparece  como el tercer vértice de un triángulo interpretativo que quedó guardado por siempre en la memoria del espectador.

Estamos en 1970 y ya habían pasado la fiesta bautismal de Monterey Pop y los tres días y las quinientos mil personas que concurrieron a Woodstock. El hippismo todavía no era un objeto de consumo y Hendrix, Janis y Jim Morrisson aun estaban vivos, con sus genialidades y excesos. Solo el cadáver flotando de Brian Jones anunciaba el inminente crepúsculo del desastre de Altamont de 1971, cuando el error de los Stones por haber contratado a los Hell´s Angels como personal de seguridad convertiría a esa otra fiesta en un rictus mortuorio y poco acorde con el rock de entonces. Hopper y Fonda sabían de esto pero también no podían omitir que el contexto oprimía, que Nixon estaba en la Casablanca, que Estados Unidos todavía creía que saldría victorioso de Vietnam y que el hecho de propugnar la libertad a toda costa podía traer sus problemas. Por eso ambos produjeron, los dos actuaron y el inquieto Dennis dirigió este clásico del cine, esta película de culto que sería el gran prólogo de tantas road movies (films de caminos, de rutas, de viajes iniciáticos) por la Norteamérica profunda, aquella que rechazaba al distinto, al diferente, al que consumía marihuana y trataba de conseguir LSD como sea, con tal de hacer otro viaje, el primer “trip” existencia(lista), a la búsqueda de una (nueva) felicidad por ahora perdida. Estados Unidos parecía que dejaba de ser un país de viejas ideas y por eso Busco mi destino es eso: la búsqueda de un mundo diferente, de un recorrido por el alma y el cuerpo de una generación que no confiaba en líderes vetustos, en promesas vanas de republicanos y democrátas. Provistos por las motos referenciales, con la autoridad que daba tener semejante objeto fetichista para ser exhibido y deseado, los dos protagonista viajan y llegan a esos pueblos donde serán observados con desconfianza, rechazo, con gestos repulsivos y condenatorios. En una de sus travesías se cruzarán con el borrachín que encarna Nicholson y pasarán grandes momentos. En otro de sus viajes conocerán a dos chicas y esperarán el Mardi Grass, el carnaval hippie, y visitarán el cementerio donde tendrán un viaje interminable de placer de placer a propósito de aquellas sustancias prohibidísimas. Pero la muerte los estará esperando ya que para ese paisaje son solo maricas y pelilargos, roñosos y rockeros, jóvenes y presuntuosos. Ya habían sonado los acordes de Jefferson Airplane, Steppenwolf, The Band, Bob Dylan y Richie Havens, entre otros, como cortina sonora que también quedaría anclada en la memoria del espectador.  Pero una moto en llamas, cadáveres en la ruta y la voz de Roger McGuinn, el líder de The Byrds, nos dice que el primero de los sueños por un mundo mejor ingresaba en su etapa más oscura, más crepuscular, más confusa. También, difusa.

EASY RIDER para web

18/03/2011

SEMINARIO SOBRE “CINE DE CULTO” EN EL CIC

El miércoles 23 de Marzo a las 14:30 hs,  comienza el nuevo Seminario a cargo del profesor Gustavo Castagna en el CIC. Será gratuito y se entregarán certificados al finalizar la cursada. Es necesario que confirmes tu asistencia a través de: produccion@cic.edu.ar.

Por Gustavo J. Castagna

La crítica de cine tiene la culpa. Los críticos de cine somos los responsables. Para bien o mal de la historia del cine los críticos existen (existimos): hacemos listas anuales de películas, las buenas, las malas, las mejores, las peores; coleccionamos dvds de nuestros directores preferidos, escribimos, hablamos, discutimos, confrontamos ideas sobre el cine, mezclándolo con la vida, y en ocasiones, dejando que la vida pase por al lado. Y somos culpables de muchos inventos, entre ellos, de algunos rótulos que clasifican a la historia del cine como si se tratara de casilleros o compartimentos estancos. “Películas populares”, “películas para un grupo selecto de espectadores”, “films al margen del sistema”, “films dentro del sistema”. Palabras, palabras. Y nos encanta invocar el término “cult movie” (film de culto, película de culto). Y también nos atrae decir que determinada película  constituye la “obra maldita” de ese cineasta. ¿Cuándo se inventaron esas categorías? ¿Quiénes deciden los parámetros para considerar a una película “de culto” o “maldita”? ¿El éxito o el fracaso económico? ¿El espectador rehén y fanatizado por tal film? ¿El paso de los años, la rémora, la melancolía por aquel film que nadie vio pero que uno lo vio docenas de veces? Y, lo más importante: ¿interesa la puesta en escena para apreciar y edificar una fortaleza inviolable cuando se hable de cult movies y de películas “malditas”?

Las respuestas son varias, lejos de las certezas y las afirmaciones contundentes. Presentemos ciertos parámetros, por lo menos. Hay películas de culto y films malditos espantosos, horribles, impresentables desde el lenguaje del cine. Y acá aparece otro término, instalado desde los 80 hasta estos días, y que califica como “bizarro” a determinados excesos, especialmente, compatibles con el género de terror de los 60 en adelante. Invoquemos la figura de Ed Wood, entonces, considerado el peor director de la historia del cine. Pues bien, Ed Wood hizo películas clase “Z”, divertidas o soporíferas, biZarras, con la “Z” en mayúsculas. Pero el simpático Ed Wood, al que Tim Burton refirió en su auténtica obra maestra (Ed Wood, 1994), era muy malo como director, un tipo sin la mínima idea para pegar dos planos con cierta lógica, una personalidad avasallante y de una constancia feroz para lograr sus objetivos. Pero claro, todo dependerá de la subjetividad, la mirada individual, las preferencias cinematográficas.

Puede decirse que un film de culto no solo es aquel que sirvió como plataforma de lanzamiento de un director (la “opera prima”) ni tampoco esa película que poca gente vio en su momento y que, con el devenir del tiempo, fue transformándose en una obra esencial. En efecto, un film de culto no es solo eso pero también es eso. Aquellas películas que marcaron una época, una tendencia, un giro dentro de la historia del cine, un antes y un después, se trate de un producto industrial, o mainstream, o independiente, o marginal, o under, o lo que fuera. Esas películas que recorrieron su historia de boca en boca, con una antorcha imaginaria que se pasa de generación en generación, como una herencia difícil de explicar con términos teóricos. Aquellas películas que no envejecen, pese a que pueden tratar temas compatibles a su época, pero que debido a sus alcances estéticos, a su ubicación como film-faro, aun permanecen vigentes. Una multitud de títulos puede agruparse en esta categoría y quienes concurran a las funciones de los miércoles podrán estar de acuerdo o no con la elección de ese puñado de films representativos. Faltarán muchos títulos transparentes como The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman o Busco mi destino (Easy Rider) de Dennis Hooper, a esta altura, representan un canon inviolable, la imbatibilidad de las cult-movies. Y en el ciclo estarán ambas.

Claro que un “film maldito”, en principio, tiene relación con la escasa repercusión económica obtenida por tal película al momento de su difusión. Pero la historia del cine (y también los críticos) en más de una ocasión rinde justicia para esa obra que pasó desapercibida, omitida por el espectador, acaso escondida en un depósito para ser descubierta mucho más adelante. Y vaya si hay películas malditas en la historia del cine, curiosidades, rarezas, cuerpos extraños que merecen dejar la oscuridad de una buena vez. Un ejemplo a exhibirse dentro del ciclo es La noche del cazador (1950), único trabajo detrás de las cámaras del flemático y ambiguo actor inglés Charles Laughton, narrando un cuento de hadas con una extraordinaria fotografía en blanco y negro. Y va otro como anticipo: Le chambre verte, nunca estrenada en Argentina, un necrofílico relato basado en Henry James que contó con la dirección y el protagónico principal de Francois Truffaut. Esa maldita habitación verde que no trajo ninguna alegría económica al director de Los cuatrocientos golpes.

Habrá otras películas y, como se dijo, faltarán un montón. Pero la propuesta es seductora: madlitas películas y films cult. Bienvenidos.

3/03/2011

“Las Piedras” del Egresado Román Cárdenas

La Opera prima de Román de Cárdenas, egresado del CIC, fue seleccionda para el Bafici. A continuación entrevista al Director

Cuándo surge “Las piedras” como proyecto de Largometraje?

Las Piedras surge de una primera escritura en Noviembre de 2009. Desde ese momento hasta la instancia de rodaje fue una scaletta. En principio, impulsiva; después fue tomando más cuerpo. Incluso en el rodaje mismo surgieron varias escenas de las cuales al menos dos son, no sólo importantes en la película, sino parte del corazón de la misma. 2009 fue un año de transición para mí, y tal vez esa transición originó ese texto abierto. Abierto como yo en ese momento de mi vida. En algún punto, abierto a cambios.

En lugar de escribir un guión y luego buscar personajes y locaciones, escribí a partir de actrices, actores y locaciones seguras. Esta metodología, es menos una regla de oro del cine independiente que del teatro. Yo venía de participar de la Compañía Teatral Ideas Líquidas, también originada entre egresados del CIC, y ahora creo que allí surgió la tendencia a escribir sobre lo que se tiene a mano. Sin por eso limitarse en nada. Convengamos que mi idea de cine se corresponde con esas flexibles condiciones de producción. De cualquier otra manera sería mucho más difícil.

En cuanto a la dramaturgia, sentí que tenía un camino seguro al tomar como punto de partida uno de los cuentos más geniales que leí en mi vida: “Conservación” de Raymond Carver. Me pregunté ¿qué pasa si la heladera que se rompe en el cuento es la heladera a gas de la casa de fin de semana de mi novia en el Tigre? ¿Qué pasa si el personaje femenino del cuento es ella? ¿Qué pasa si el personaje masculino soy yo?

A partir de allí comencé a escribir, como lo hago siempre, sin saber muy bien adónde iba a terminar. Y terminé en mi ciudad natal, para variar, paseando en moto y pescando en el río.

En el medio apareció un fumigador (mi suegra tiene una empresa de fumigación) y un amigo que vive en el campo (mis abuelos tienen una chacra en el campo). Pero todo fue inconsciente, desde este lugar: El mundo era abstracto. No existían lugares más allá de mi experiencia. Más allá de lo cercano. Incluso geográficamente hablando, al momento que mi cabeza pensaba un lugar, ese lugar comenzaba a existir. Antes no. Incluso tampoco existían los alrededores si yo no los imaginaba. No sé si Welles se refería a esto cuando dijo que lo más le importa o le interesa del cine es la abstracción. Pero a mí particularmente, este tipo de abstracción, la que me lleva a pensar que el mundo no existe si no lo (des)escribo es lo que más me interesa de la escritura para cine.

Al cuento de Carver, le sumé las sensaciones algo cercanas que experimenté cuando leí “El río sin orillas” (hasta ahora, el libro que más me ha gustado de todos los que he leído), sobretodo el capítulo titulado “Verano”. Por esto, la historia transcurre en verano. Pero para recuperar esas sensaciones tenía que viajar a mi ciudad natal… así que clausuré el cuento lo más respetuosamente posible y “me fui” para Arrecifes. Vuelvo a repetir que todo esto fue mucho más inconsciente de lo que parece.

Cuando terminé de escribir, eran entre dos y cuatro hojas, no lo recuerdo bien. Lo que sí recuerdo es que tenían el sabor a algo posible y, fundamentalmente, en movimiento. Abierto a cambios.

Tal fue el caso, que la película siguió en movimiento incluso durante el montaje, en donde tomó también otra dirección. Algo que, desde este tipo de proyectos, es mucho más positivo que negativo.

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16/02/2011

Nuevos Largometrajes de Egresados

Ya se encuentran en la etapa de Post prodrucción las Operas Primas de ficción, de los egresados del CIC, Román Cárdenas (Las Piedras) y Juan Manuel Brignole (Mis sucios tres tonos).

30/12/2010

EGRESADA DEL CIC GANADORA DEL CONCURSO “HISTORIAS BREVES”

Felicitamos a  María Monserrat Echevarría, egresada del Centro de Investigación Cinematográfica (CIC) reciente ganadora del Concurso Historias Breves con su proyecto “Cuestión de Té”.

“Historias Breves” es una oportunidad para jóvenes realizadores de poder acceder a producir con el mejor nivel profesional del cine industrial.  Se trata de un gran semillero para el cine argentino, porque permite ver los trabajos iniciales de aquellos directores que en pocos años van a brillar en las canchas del mundo”, dice el cineasta Bebe Kamin, coordinador de producción del proyecto.

historias breves

29/12/2010

Tesis del CIC ganadora del Fondo Metropolitano

Ya se conocen los cortometrajes beneficiados por el subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias para su ampliación a formato cine de 35 mm o digital HD. Entre estos ganadores se encuentra  “Lego” de Pablo Guerezta, egresado del CIC, que será estrenado en la próxima edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI), que se concretará entre el 6 al 17 de abril de 2011.


26/10/2010

Encuentros con el Cine de Género – Mix

PAISAJES Y PASAJES MIXTOS EN EL GENERO

Por Gustavo J. Castagna

En el libro “Walter Hill”, el autor español Marcial Cantero, crítico y teórico de cine, al comentar CALLES DE FUEGO, expresa su parecer diciendo que se trata de una película de pandillas juveniles donde nadie muere. El libro, celebratorio sobre la obra del director hasta ese momento, lleva en la portada al actor Michael Paré, quien interpreta al héroe Tom Cody en Streets of Fire, filmada a comienzos de los 80. En efecto, Cantero tiene razón y la publicación del texto se relaciona con los años de esplendor de Hill como exponente del cine genérico de entonces, donde el clasicismo de antaño se roza con la modernidad de aquella década esencial.

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18/10/2010

Encuentros con el Cine de Género en el CIC – Comedia

¿DONDE QUEDA EL BAÑO?

por Gustavo J. Castagna

Y es así: siempre dependerá de cada uno. En efecto, estar en una fiesta al que se fue invitado será un momento placentero. O no, de acuerdo a si se quiere pasar desapercibido entre el gentío, con personas que conocemos o desconocidos que solo veremos una sola vez en la vida. Pero peor será si la invitación llega por error: es lo que le ocurre al actor-extra de películas de aventuras desérticas, interpretado por el gran Peter Sellers, de origen hindú y personaje de nombre impronunciable. Que hasta tiene problemas para comunicarse con el resto del mundo. Que viste de una manera particular, ajena a los smokings de los señores y a la ropa de gala de las señoras. Que por equívoco cae en una fiesta del Hollywood de los 60, con productores y directores, chicas que pretenden llegar a algo dentro del cine, un cowboy caricaturesco, una aspirante a cantante, senadores veteranos, músicos de jazz y un servicio de mozos que supera el disparate. Más aun, el mozo principal de la reunión se emborracha desde el comienzo y será uno de los motivos temáticos de la farsa absoluta que plantea LA FIESTA INOLVIDABLE, título esencial del prolífico Blake Edwards, el creador de La Pantera Rosa, en dibujos y en cine. También del Inspector Clouseau, encarnado por el mismo Sellers.

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12/10/2010

Encuentros con el Cine de Género en el CIC – Melodrama

Una Película de amor….auténtica

Por Gustavo J. Castagna

LOS AMANTES parece una película de otra época, de esos años donde el (melo)drama aún no tenía relación con la adrenalina adolescente y la testosterona impaciente. Parece de otra época, pero, eso sí, adaptada a estos tiempos. Es una gran historia de amor la que se establece entre el conflictuado Leonard (Joaquin Phoenix) y su vecina, la también alterada Michelle (Gwyneth Paltrow). Pero no solo están ellos dos: hay padres de por medio y parejas para cada uno, casamientos por venir y promesas de un futuro mejor. Pero, como ocurre en el melo, el amor aparece a la vuelta de la esquina, en este caso, a través de la vecina de al lado. Y ese será el motivo de la locura de amor entre Leonard y Michelle: la posibilidad de fugarse de todo (de padres, parejas, trabajos) y de mandatos e imposiciones preestablecidas.

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1/10/2010

Encuentros con el Cine de Género en el CIC – Ciencia Ficción

PARA ENFRENTAR A UN CYBORG, NADA MEJOR QUE UNA MUJER
Por Gustavo J. Castagna
Sarah Connor es un personaje extraordinario del cine de los 80. Es una mujer frágil que irá aprendiendo desde su soledad en presente qué será del futuro, rabiosamente apocalíptico, lleno de nubarrones y guerras cercanas. Sarah correrá junto a un soldado,  escapando de una máquina que tiene la misión de matarla con la intención de que ese futuro no se produzca, y más que nada, para que ella no adquiera el rol de heroína en medio de la lucha.
Sarah Connor es Linda Hamilton en el gran papel de su vida cinematográfica, interpretando a una chica de los 80 que no entiende por qué ella es la predestinada. Y allí estará el soldado bueno (Michael Biehn, rostro recurrente de esos años) para contarle una historia sobre ese futuro, el rol que le corresponde, el destino que no puede esquivar.
Frente a Sarah y al soldado está la máquina, encarnada por Schwarzenegger, en el primero de sus trabajos consagratorios de los 80 y 90 (otros serían Mentiras verdaderas, Terminator 2, El vengador del futuro, Depredador), en aquellos años donde ya impera el exceso de anabólicos para la construcción de determinados personajes.
En efecto, estamos en los 80, aun en la primera mitad de la década, donde Jane Fonda estimula sus ejercicios gimnásticos desde el VHS para el deleite y placer de las amas de casa de todo el mundo. El cine se hace eco de estos cambios y, por entonces, surgen los héroes representativos: Stallone como Rambo y Rocky, Bruce Willis en camiseta y encerrado en la torre de Duro de matar, Chuck Norris volviendo a Vietnam para seguir rescatando prisioneros de una guerra perdida, Van Damme tirando patadas y nunca retrocediendo en su avance, Schwarzenneger en Comando, Triple identidad, y la lista sería interminable. El cine de acción tiene sus años de gloria.
Pero no todo fue músculo masculino. También estaba Ripley retornando para pelear cara a cara contra el ácido y la voracidad de Alien. Y Sarah Connor, primero mujer común, luego madre a futuro, y más tarde, soldado profesional para impedir la destrucción definitiva a cargo de los cyborgs.
TERMINATOR es la película que dio  conocer a James Cameron, hasta el momento un cineasta de films de bajo presupuesto. Luego vendrían otros títulos (El abismo, Mentiras verdaderas, Terminator 2), hasta los millones de dólares y los Oscar obtenidos por Titanic. En tiempos más recientes, Avatar. Otro mundo, otro tipo de cine, diferente a la estupenda narración, a los logrados climas, al entretenimiento con calidad, sin necesidad aun de merchandising y anteojitos 3D, que aun siguen manifestando los cien minutos de TERMINATOR.
Están invitados a ver  una de las grandes películas norteamericanas de los años 80. No tengo dudas.

PARA ENFRENTAR A UN CYBORG, NADA MEJOR QUE UNA MUJER

Por Gustavo J. Castagna

Sarah Connor es un personaje extraordinario del cine de los 80. Es una mujer frágil que irá aprendiendo desde su soledad en presente qué será del futuro, rabiosamente apocalíptico, lleno de nubarrones y guerras cercanas. Sarah correrá junto a un soldado,  escapando de una máquina que tiene la misión de matarla con la intención de que ese futuro no se produzca, y más que nada, para que ella no adquiera el rol de heroína en medio de la lucha.

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27/09/2010

Encuentros con el Cine de Género en el CIC – Western

IMPRIMAN LA LEYENDA: LLEGO CLINT EASTWOOD

POR GUSTAVO J. CASTAGNA

Y sí. Habrá que preparar la impresión, pero la leyenda Eastwood aún es real y tiene para rato: en el último festival de Venecia presentó HEREAFTER con Matt Damon de protagonista, hasta ahora, la próxima cita con su cine  se producirá por acá a principios de febrero de 2011. Pero a Eastwood le costó ser reconocido como un gran director, ya que desde su opera prima PLAY MISTY FOR ME, que tiene más de cuarenta años. Eastwood cumplió 80 en febrero y se lo ve en plena actividad: casi treinta películas como director, más de setenta interpretaciones para cine y televisión, en films suyos y de otros (entre ellos, los esenciales Sergio Leone y Don Siegel, más que cineastas, amigos ya fallecidos de Clint) y una presencia única e irrepetible para la historia del cine. Entre grandes títulos (Bird; Cazador blanco, corazón negro; Medianoche en el jardín del bien y del mal; Honkytonk Man; Gran Torino; Bronco Billy; Cartas de Iwo Jima; Jinetes del espacio) y otros menores que sirvieron para cubrir las pérdidas económicas de sus películas más arriesgadas, la obra de Eastwood se establece como una de las más sólidas y personales del cine norteamericano.

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20/09/2010

Encuentros con el cine de género en el CIC – Cine de Terror

EL DIABLO METIO LA COLA, OTRA VEZ

Por Gustavo J. Castagna

El exorcista es un clásico pero esta denominación no refiere a algo vetusto, pasado de moda o que solo pertenece a una época distinta a la de ahora. Es un clásico del cine en el sentido más principista del término y, también, es un clásico vigente, a tres años de cumplir las cuatro décadas de su gestación. Y por qué no, es un film a futuro, que seguirá siendo una obra maestra sin fecha de vencimiento.

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13/09/2010

Encuentros con el Cine de Género en el CIC

A mediados de los años 70 el policial como género había derivado en una mezcla de violencia, dentro o fuera de la ley, herencias televisivas y el retorno de los gangsters míticos de cuarenta años atrás. Se hacían buenas películas, como Harry, el sucio de Don Siegel o Al Capone de Steve Carver, en tanto, parecía que no había lugar para la resurrección del lado más oscuro del género, es decir, el trabajo de un detective privado melancólico y pesimista dentro de la gran ciudad. Pero en el cine todo retorna y dos títulos provocaron la vuelta del “negro” dentro del policial, la ciudad corrupta y podrida, la oficina de investigaciones de un detective (solitario o no en su labor), el sistema narrativo de “cajas chinas”, el caso imposible de resolver. Uno fue Barrio Chino de Roman Polanski con Jack Nicholson desconcertado frente a la crueldad del pasado de una familia disfuncional. El otro, Adiós muñeca de Dick Richards, es la vuelta retro de una manera de hacer cine que parecía perdida en el tiempo dentro del policial: utilización de la voz en off, whisky, golpes, la presencia (y ausencia) de una vamp como elemento esencial de la historia, el gigante enamorado, la policía corrupta, el marco geográfico ideal para narrar un mundo podrido, repleto de personajes solitarios.
Robert Mitchum encarna el rostro y la figura ideal para esta excelente adaptación del libro de Raymond Chandler, en tanto, una recién madurita Charlotte Rampling es el motivo central por el que su corpulento novio enloquecerá de amor. Al fin y al cabo, Adiós muñeca confirma que el detective privado, antes que nada, es uno de los grandes perdedores de la historia del cine.

Gustavo J. Castagna

6/09/2010

HABLEMOS DE GENEROS … CINEMATOGRAFICOS

A partir del 15 de Septiembre. Todos los Miércoles 14. 45 Hs, en la Sala de Teatro del CIC. Curso gratuito “Encuentros con el Cine de Género”

Por Gustavo J. Castagna

¿Qué une a Bram Stoker y Al Capone con la comedia Broadway y el detective Phillip Marlowe? Es decir, ¿qué afinidades existirían entre el autor de la novela Drácula y el mítico gángster de los años 20 con un espectáculo teatral de los 30 y el personaje literario del gran escritor Raymond Chandler?

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27/05/2010

Alumnos y Egresados – Victoria Raposo Galardonada en Cannes

Victoria Raposo, Eva Bianco y Adela Sánchez, las tres actrices principales del film argentino Los labios, fueron galardonadas con el premio de interpretación en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.

Las tres son protagonistas del largometraje que dirigieron Ivan Fund y Santiago Loza y que cuenta la historia de tres trabajadoras sociales que realizan un trabajo de encuestadoras sanitarias en San Cristóbal, al norte de Santa Fe.

El premio fue recogido por dos de las actrices (Raposo y Bianco) junto a los realizadores, todo ellos sorprendidos por un galardón que recibieron entre risas y nervios.

En declaraciones a EFE tras la breve ceremonia de entrega de premios, Santiago Loza se declaró “totalmente emocionado”. “Las tres actrices son la película. No esperábamos estar acá y mucho menos un premio”, explicó.

Un galardón que espera que sirva para que “la película se conozca un poco más”, pero sobre todo para que “el trabajo de ellas y de la gente que trabajó sea mas simple la próxima vez, que se vea más”. La película de Fund y Loza nació de la experiencia de una amiga asistente social del primero de ellos y revela casos de deficiente asistencia, vinculados a factores educacionales en esa región argentina.

El galardón a Los labios es el primero que recibe el cine argentino en una sección oficial de Cannes desde las dos distinciones que consiguió El viaje, de Pino Solanas, en la edición de 1992.

21/05/2010

Felicitamos a NORBERTO LAINO y LEANDRA RODRIGUEZ, Profesores del CIC, nominados a los premios Trinidad Guevara a la labor teatral 2009

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16/03/2010

El profesor del CIC – Entrevista a Nicolás Batlle

Docente de la cátedra “Producción de Largometraje”, Productor Ejecutivo de “Tres deseos” , la película de los Directores del CIC y ”Mundo Alas” entre otras. Es también, uno de los miembros fundadores de la productora Magoya films y desde allí produjo varios documentales y fue co-productor ante el INCAA de varias ficciones. Ahora se encuentra en la etapa de desarrollo de la película “El Patrón, radiografía de un crimen”. Dirigida por Sebastián Schindel, también profesor del CIC.

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16/03/2010

Alumnos y Egresados – Y los ganadores son…

“LA DAMA DEL BOSQUE” AL BAFICI

La tesis filmada en 16 mm “La dama del bosque” de los alumnos egresados, ha sido seleccionada para ser presentada durante el desarrollo del 12º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente. Dirigida por Xavier Coronel, fue producido por el CIC en el 2009 y cuenta con un equipo técnico formado íntegramente por alumnos de la institución.

MARTIN ALIAGA Y SU “HISTORIAS BREVES”

Martín Aliaga, egresado del CIC, ganó el concurso “Historias Breves”. Su idea “Superficies” quedó seleccionada junto a otros cuatro proyectos.

TOMAS FRONTROTH, GANADOR DEL “GEORGE MELIES”

El concurso de cortometrajes “George Méliès” dio a conocer los ganadores de la edición 2009 sobre el tema Electrodomésticos. El primer premio fue para Tomás Frontroth, egresado del Centro de Investigación Cinematográfica, por su corto “Introducción a la electrología“. Mientras que otro egresado, Rodolfo Moro, recibió la mención especial del jurado por el cortometraje: “Cocina para microondas”.

SEBASTIÁN CEREZO GANADOR DEL CONCURSO “CORTOS DIGITAL”

En la resolución del INCAA sobre “Cortos digital” que salió el año pasado, figuraba “Hombre TV”. El proyecto había sido presentado por los egresados Sebastián Cerezo, el director del corto y Lucía Fernadez, la productora ejecutiva. Ambos trabajan ahora en la preproducción del cortometraje.

16/03/2010

El profesor del CIC – Entrevista a Norberto Laino

Me pide que lo acompañe al patio. “Allí se puede fumar mientras charlamos”, alega. Está contento de volver al CIC después de las vacaciones y saluda con mucha alegría a cuanta persona se nos cruza. Nos sentamos a la sombra en uno de los bancos que, quizás, alguna vez formara parte de una “Intervención de espacios”. Saca un cigarrillo y lo enciende.

Norberto Laino es artista plástico y escenógrafo. Diseñó y realizó la escenografía de una gran cantidad de obras, entre ellas: “Heldenplatz” dirección de Emilio García Webhi, “La Pesca” de Ricardo Bartis, “El Bergantín” y “Amor a tiros” de Bernardo Cappa, “Arturo Ui” de Bertolt Brecht, “El pecado que no se puede nombrar”, “Prometeo olvidado”, “Don Chicho”, “La Madonita” y “Hamlet”.

Docente del CIC en las materias “Escenografía y Vestuario” y “Dirección de Arte” en la Carrera de Actor y Director de Artes Escénicas, nos ha contado de sus futuros proyectos tanto en la Escuela como fuera de ella.

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