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19/10/2012

A partir del martes 6 de Noviembre – Muestras de los Alumnos de Cine del CIC

Muestras de los alumnos de cine del CIC (más…)

15/10/2012

ÚLTIMA PRESENTACIÓN DEL SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “EN LA CIUDAD DE SYLVIA” DE JOSÉ LUIS GUERÍN

MUJER PAISAJE

Por Gustavo J. Castagna

Un hombre, una mujer, una ciudad. No, está mal: un hombre, una mujer y un paisaje. No, tampoco está demasiado bien: un hombre, varios rostros y figuras de mujeres y un paisaje. Más o menos es así, aunque podría sugerirse que En la ciudad de Sylvia trata sobre un hombre, un paisaje y la búsqueda de un rostro del pasado, el de una joven mujer llamada Sylvia, claro está.

En-la-ciudad-de-sylvia-de-Jose-Luis-Guerín-en-el-CIC

Así son los films del gran cineasta catalán José Luis Guerín: el paisaje se funde con los personajes para transmitir calidez, valiéndose de un tratamiento formal único que, eso sí, imbrica con elegancia las herencias provenientes de la nouvelle vague francesa junto al origen del cine, luz y sonido, transición entre la etapa silente y las películas habladas. Guerín tiene pocos largos en su haber y en los últimos años se abocó a la producción de cortos, acaso rindiéndole culto a una de sus obsesiones: las relaciones entre el cine y la fotografía, escarbando entre esas dos épocas citadas: el fin del período mudo y el inicio del sonoro. En su breve e intensa filmografía, única en su especie dentro de ciertas estructuras anquilosadas del cine español –bah, por algo es catalán- Guerín sorprendió a propios y extraños con su opera prima Los motivos de Berta (1984) cuando solo tenía 24 años; invocó el fantasma de John Ford y el archiclásico “El hombre quieto” (1950) en la cinéfila Innesfree (1990), yendo al pueblo irlandés donde se filmó aquel clásico con John Wayne y Maureen O´Hara, exploró su máxima obsesión, el cine y la fotografía (o al revés) en la extraordinaria Tren de sombras (1997), y recién volvió a ubicarse detrás de las cámaras para contar la desaparición de un mundo (un barrio) sustituido por la modernidad, tal como se observa en En construcción (2001), donde aclara por si alguna duda quedaba pendiente, las difusas y frágiles diferencias que subyacen entre el documental y la ficción.

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9/10/2012

SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “ TROUBLE EVERY DAY” DE CLAIRE DENIS

LA SANGRE DERRAMADA NO SERA NEGOCIADA

Por Gustavo J. Castagna

Al principio, aclaraciones. TROUBLE EVERY DAY se realizó hace diez años y dos más tarde se estrenó en Buenos Aires con el título de SANGRE CANÍBAL (ay). En los pocos cines donde se exhibió pasó casi desapercibida pero en su edición en DVD se convirtió en una película de culto, admirada por los fanáticos del gore en su vertiente más sofisticada y cool. Pero intuyo que los fans incondicionales deben desconocer la filmografía de Claire Denis, una realizadora abonada al circuito de festivales, que anduvo por una de las ediciones del Bafici como presidenta del jurado de la competencia internacional y que, más allá de subas y bajas, ostenta una obra importante para no dejar pasar por alto. Bienvenido aclarar, también, que las películas de Denis exhibidas por acá tuvieron una difusión desordenada, desde el ya bastante lejano estreno de NENETTE Y BONY (1996), las invocaciones al Godard de “Le petit soldat” en BELLA TAREA (1999) o las esporádicas pasadas en Mar del Plata de VENDREDI SOIR (2002) y EL INTRUSO (2004). Y este año se estrenó 35 RHUMS (2008), una historia que narra la relación entre un padre y una hija entre bares, canciones melancólicas y una puesta en escena de contundente sofisticación visual, característica recurrente en la directora.

Trouble every day de Claire Denis en el CIC

La otra aclaración, justamente, se relaciona al estilo de Denis, con puntos en común en cuanto a refinamiento visual y rubros técnicos, pero desde las historias, a años de luz de conformar un ejemplo acabado del “cine de autor” Y, en ese sentido, TROUBLE EVERY DAY corrobora la frase anterior: las bellas, sangrientas y crueles historias antropofágicas no condicen en ningún punto con la obra anterior y posterior de la cineasta.

Una pareja recién casada y su luna de miel, otra pareja particular en la que él es un científico de cierta reputación y ella una mujer de piel muy blanca y labios carnosos e imponentes. Tan particular son éstos dos últimos que él la deja encerrada en su casa, como si se tratara de un animal salvaje presuroso en salir por su presa. El montaje paralelo de ambas historias es la elección perfecta de Denis para construir climas asfixiantes (pese a la existencia de espacios abiertos –la ciudad gris, fría y lluviosa, también actúa desde aspectos melancólicos-), aumentado por los escasos textos, solo los necesarios, escuetos y mínimos para presentar los conflictos. Pero el montaje paralelo se extiende más, ya que la bella mujer queda encerrada mientras su pareja se dirige a su lugar de trabajo, entre tubos y probetas genéticas de diversos colores y guardapolvos blancos que tipifican a la ciencia.

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10/09/2012

SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – Café Lumiére de Hou Hsiao-hsien

TRENES POR AQUÍ, TRENES POR ALLÁ

Por Gustavo J. Castagna

En 1988 una buena parte de la crítica de cine del mundo –con un peso importante proveniente de Europa – eligió a Hou Hsiao-hsien como uno de los cinco directores más importantes en actividad, denominándolo a él y a sus otros colegas como representantes del “cine del futuro” A los críticos siempre nos gusta hacer listas de películas preferidas, directores predilectos, films esenciales de determinadas décadas y varias cosas más, todas ellas referidas al cine. Cuando Hou es galardonado con semejante corona, su cine se conocía poco y nada por estas tierras. Se tenían noticias, mínimas, de un director nacido en China, en un pueblo de provincia, que a los pocos años de vida huiría a Taiwan junto a su familia, escapándose del rigor político de Mao-Tsé Tung y su revolución cultural. Pero bueno, la vida del futuro cineasta siguió a través de exigentes estudios, una rígida disciplina familiar y un conocimiento por el lenguaje del cine que iría adquiriendo desde fines de los años 70. Hoy la filmografía de Hou, entre cortos y largos, asciende a 20 títulos, premiados en festivales clase A y que colman de placer analítico hasta al crítico de cine más exigente.

SEMINARIO EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA –  Café Lumiére de Hou Hsiao-hsien

En una de las primeras ediciones del BAFICI se exhibieron una decena de películas de Hou, destacándose EL MAESTRO DE MARIONETAS y MILLENIUM MAMBO, dos registros en celuloide de diferentes características, pero donde ambas exploraban los cruces entre un universo tradicional y otro caracterizado por la modernidad y el avance del mundo industrial caracterizado por el progreso.

CAFÉ LUMIÉRE (2003) se concibió a propósito del centenario del nacimiento de Yasujiro Ozu, uno de los nombres esenciales de la historia del cine. Ozu, descubierto en Occidente de manera tardía, allá por los lejanos 60, construyó su obra a través del choque entre el Japón ancestral (representado por los padres y abuelos) y el Japón tecnologizado luego de la Segunda Guerra Mundial (ejemplificado a través de los hijos y nietos). Dentro de ese cruce que no solo invoca el homenaje y la admiración por el maestro japonés, Hou toma algunos elementos representativos del cine de Ozu (trenes, puentes, desarmonía familiar) para convertirlos en una réplica original de aquellas películas de los años 40 y 50.

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3/09/2012

5 de Septiembre – SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “La canción más triste del mundo” de Guy Maddin

EL  CINE COMO JUGUETE NUEVO

Por Gustavo J. Castagna

En el seminario del cuatrimestre pasado, titulado “Cine de festivales”, se exhibió MY WINNIPEG del canadiense Guy Maddin, una extraña combinación de documental, noticiero, ficción, representación teatral y puesta en escena cinematográfica sobre la ciudad natal del director; en realidad, la película es otro ejemplo más donde el cineasta refiere a su lugar de origen, ya que los trabajos que hiciera para televisión y los cortos y largometrajes hasta estos días se ubican en ese paraje helado y de particulares características.

la cancion más triste del mundo de Guy Maddin en el CIC

LA CANCION MAS TRISTE DEL MUNDO (2003) es una ficción, pero el término se destroza a los pocos minutos o, en todo caso, ingresa en una zona difusa, repleta de incertidumbre, lejos de las etiquetas de ocasión. Maddin construye, destruye, reconstruye a su manera al cine de Hollywood mudo y a la etapa de transición que marcarían los primeros aportes del sonoro, a través de una historia singular que, obviamente, transcurre en el paisaje adictivo del cineasta. Allí se celebrará una competencia internacional sobre “La canción más triste del mundo”, razón por la que concurrirán mexicanos, asiáticos, africanos y personajes de diverso origen para obtener el primer premio. El certamen está planificado por un vividor endeudado por el contexto (la historia transcurre durante los inicios de la Depresión Económica), junto a una condesa que tiene la particularidad –atención- de que le faltan sus dos piernas. Ese es el pretexto de Maddin para desovillar una trama familiar donde dos hermanos concursantes (uno por Estados Unidos y el otro representando a Serbia) y el padre de ambos, de sinuoso pasado, defendiendo con ahínco los valores de Canadá, soltarán sus egos, odios, cuentas pendientes, vanidades y recuerdos sobre el pasado que conecta a uno con el otro. Un quinto personaje completa el delirio: la novia del organizador, al mismo tiempo uno de los hijos y competidor del certamen, se presenta como “una ninfómana sin memoria”. Bienvenidos, por lo tanto, al mundo de Guy Maddin.

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24/08/2012

29 de Agosto – SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “VINCERE” DE MARCO BELLOCCHIO

La Historia, la historia y las historias

Por Gustavo J. Castagna

Con el paso de los años se nota que Marco Bellocchio sigue siendo el director provocador y original que había emergido durante los convulsionados años 60 en Italia. En efecto, pasaron más de cuarenta y cinco años de la esencial I pugni in tasca, aquella feroz disección sobre una familia peninsular, puntapié inicial de una filmografía desigual y mal conocida en Argentina. Vendrían otras películas, donde se reunían temas heterogéneos como la locura, el marxismo, la nobleza y el maoísmo de la Revolución Cultural, hasta llegar al escándalo provocado en los primeros años de nuestra democracia con El diablo en el cuerpo y la placentera fellatio en plano detalle de Marushka Detmers a su ocasional novio, momento que causó la indignación de un anónimo espectador (la película se estrenó en 1987 en el cine Lorca) que terminó con el secuestro de la copia por una semana. Está bien, hoy nadie (al menos, eso creo desde mi ingenuidad) se incomodaría por semejante escena.

Pero en Vincere el veterano cineasta ya no necesita provocar con alguna escena de alto voltaje sexual, sino a través de una historia oculta mucho tiempo (la locura de una mujer), el protagonismo histórico de un personaje (Benito Mussolini) y la particular mirada del director sobre la Historia de su país, desde mediados de la década del 10 hasta veinte, treinta años más tarde.

VINCERE web grande corregido

Sin embargo, el talento y las ideas de Bellocchio no se detienen en contar “algo ya sabido de antemano” y predigerido por el espectador (la macabra inteligencia de Mussolini en cambiar su postura ideológica de acuerdo a las circunstancias) ni a mostrar, otra vez, los tics, gestos y ademanes ostentosos del líder italiano. El punto de vista es el de Ilda Dalser (gran trabajo de Giovanna Mezoggiorno) y su creciente locura, con su hijo a cuestas, olvidados ambos por el dictador, despreciados por la sociedad, recluidos ambos en orfanatos, centros de recuperación mental, hospicios varios.

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17/08/2012

SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “El puerto” de Aki Kaurismäki

ENTRE LA PUREZA Y LA PIEDAD

Por Gustavo J. Castagna

Siempre existió cine y nunca se detuvo la producción de películas en Finlandia, pero el reconocimiento internacional y masivo vía festivales comenzaría hace treinta años con los primeros cortos y largometrajes de una dupla de hermanos, Aki y Mika Kaurismäki. El puerto es la confirmación, si aun restaba duda alguna, de que Aki Kaurismäki es uno de los nombres fundamentales del cine desde hace tres décadas. Marcel Marx (André Wilms), típico rostro y porte meditabundo de personaje del cineasta nórdico, sobreviviente en la zona de Le Havre, que vive con su esposa  Arletty (la impresionante Kati Outinen, actriz predilecta de Aki y su hermano Mike) se verá en la imperiosa necesidad ética de proteger a un adolescente, el pequeño Idrissa, inmigrante africano ilegal.

el puerto en el CIC web

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16/08/2012

Vanessa Ragone realizó una conferencia en el CIC

Vanessa Ragone, productora de la película ganadora de un Oscar “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella, realizó una conferencia en el CIC destinada a los alumnos, egresados e interesados que participaron del evento.

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13/08/2012

SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA “BASTARDOS SIN GLORIA” QUENTIN TARANTINO

LA MISMA HISTORIA, PERO REINTERPRETADA

Por Gustavo J. Castagna

Primero, una anécdota de comienzos de siglo. A la salida de la función de prensa de Kill Bill, la primera, un amigo y colega al que se lo veía bastante satisfecho me dijo algo sobre Tarantino: “esta película y lo que hizo hasta ahora es lo más exigente a que puede llegar el cine para adolescentes” Por mi lado, también estaba feliz por el cuarto largometraje del director y esperé con ansiedad, durante casi un año, la resolución de la historia interpretada por una Uma Thurman excesivamente maltratada. Y disfruté con su feroz venganza.

Bastardos sin gloria - Seminario de Cine Nuevas Expresiones en el CIC - CIC Blog4

Pero esa frase del amigo-colega me llevó a re(ver) la filmografía de Tarantino, sumando algunos de sus trabajos como guionista y/o argumentista (Escape salvajeAsesinos por naturalezaDel crepúsculo al amanecer) para arribar a una conclusión certera sobre el mundo y las obsesiones del realizador. Creo que la revisión de su obra, por lo menos hasta hoy, no modifica demasiado aquello que sostenía cuando vi por primera vez Perros de la calleTiempos violentosJackie Brown. Tarantino es un extraordinario recolector de ideas ajenas adaptadas a un público que solo –y resultaría harto suficiente- concurre a ver una película para pasar un buen rato. Pero la definición no impide el elogio: es un tipo que vio mucho cine en VHS, un amante de la clase B, un cultor del spaghetti western y de los films de artes marciales, un inteligente manipulador de una estética “berreta”, un enemigo acérrimo de la “alta cultura” cinematográfica, pese a que su productora, “Band apart” refiere a un clásico de Godard de los años 60.

Por lo tanto, estimo que se está ante un astuto director-vampiro de ideas ajenas ya concebidas en el cine, que debido a su habilidad cinéfila de videoclubista histérico, concreta un discurso al que hace pasar por original y novedoso. Por eso, en algún punto, aquella frase del amigo-colega tiene una dosis de realidad: Tarantino hace un cine al que no se le debe pedir más de lo que representa. No tiene ambiciones desmedidas salvo las de fusionar con su habitual pericia aquello que se entiende como “cine de entretenimiento” con alguna pizquita –sin excesos- de su antítesis, el llamado “cine arte” Pero tampoco está mal que sea así, acaso porque dentro de aquello que pretende, Tarantino es el mejor, el número uno, el que mejor revuelve la historia del cine dentro de Hollywood y de un sistema de producción que cohíbe por sus obstáculos.

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13/08/2012

Seminario “Nuevas miradas, nuevas expresiones” en el CIC a cargo de Gustavo j. Castagna “Bastardos sin gloria” Quentin Tarantino

LA MISMA HISTORIA, PERO REINTERPRETADA

Por Gustavo J. Castagna

Primero, una anécdota de comienzos de siglo. A la salida de la función de prensa de Kill Bill, la primera, un amigo y colega al que se lo veía bastante satisfecho me dijo algo sobre Tarantino: “esta película y lo que hizo hasta ahora es lo más exigente a que puede llegar el cine para adolescentes” Por mi lado, también estaba feliz por el cuarto largometraje del director y esperé con ansiedad, durante casi un año, la resolución de la historia interpretada por una Uma Thurman excesivamente maltratada. Y disfruté con su feroz venganza.

Pero esa frase del amigo-colega me llevó a re(ver) la filmografía de Tarantino, sumando algunos de sus trabajos como guionista y/o argumentista (Escape salvajeAsesinos por naturalezaDel crepúsculo al amanecer) para arribar a una conclusión certera sobre el mundo y las obsesiones del realizador. Creo que la revisión de su obra, por lo menos hasta hoy, no modifica demasiado aquello que sostenía cuando vi por primera vez Perros de la calleTiempos violentosJackie Brown. Tarantino es un extraordinario recolector de ideas ajenas adaptadas a un público que solo –y resultaría harto suficiente- concurre a ver una película para pasar un buen rato. Pero la definición no impide el elogio: es un tipo que vio mucho cine en VHS, un amante de la clase B, un cultor del spaghetti western y de los films de artes marciales, un inteligente manipulador de una estética “berreta”, un enemigo acérrimo de la “alta cultura” cinematográfica, pese a que su productora, “Band apart” refiere a un clásico de Godard de los años 60.

Bastardos sin gloria - Seminario de Cine Nuevas Expresiones en el CIC - CIC Blog4

Por lo tanto, estimo que se está ante un astuto director-vampiro de ideas ajenas ya concebidas en el cine, que debido a su habilidad cinéfila de videoclubista histérico, concreta un discurso al que hace pasar por original y novedoso. Por eso, en algún punto, aquella frase del amigo-colega tiene una dosis de realidad: Tarantino hace un cine al que no se le debe pedir más de lo que representa. No tiene ambiciones desmedidas salvo las de fusionar con su habitual pericia aquello que se entiende como “cine de entretenimiento” con alguna pizquita –sin excesos- de su antítesis, el llamado “cine arte” Pero tampoco está mal que sea así, acaso porque dentro de aquello que pretende, Tarantino es el mejor, el número uno, el que mejor revuelve la historia del cine dentro de Hollywood y de un sistema de producción que cohíbe por sus obstáculos.

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3/08/2012

15 de Agosto – NUEVO SEMINARIO A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA EN EL CIC

12 encuentros todos los miércoles a las 14: 15 hs en el CIC. El seminario será gratuito pero con inscripción previa a través de: reservas@cic.edu.ar

Por Gustavo J. Castagna

El cine es democrático en el sentido más principista de la definición. Miles y miles de películas circulan año a año por el mundo en las carteleras de estrenos, el marco de festivales, dentro de museos y, en los últimos tiempos, desde la voracidad de Internet. Es democrático porque se puede conocer todo lo que uno desea ver, aun con las limitaciones del caso. Claro, es imposible visualizar todo el cine que se hace en el mundo, pero el siglo XXI y los últimos años del anterior trajeron la posibilidad de conocer, descubrir e interiorizarse por mucho más. Pero tampoco es para saltar de alegría: no todo lo que se ve es interesante, peor aun, ya que dentro de esa inabarcable cantidad aquello que crece es el material descartable, el ajeno al cine en el sentido más baziniano de la definición. Volvemos a André Bazin, al que nunca se debería olvidar, pese que a sus axiomas culminaron con su pronta muerte en 1958: el cine es un arte impuro con su propia ontología, características y propiedades que lo identifican de las otras artes. Entonces, ¿qué diría Bazin sobre el seminario-ciclo que se inicia el miércoles 15 de agosto? ¿Estaría de acuerdo con los films elegidos? ¿Cuáles defendería con ahínco y cuáles otros defenestraría a través del riguroso análisis que caracterizaba a sus textos? Imposible saberlo, claro está. Pero en un punto estaría de acuerdo: se trata de una docena de películas de los últimos años que resultan válidas para discutir sus virtudes, porqué no también sus carencias. Daría el visto bueno por tratarse de una selección democrática que abarca a doce países y parte de sus actualidades cinematográficas, aun cuando un par de títulos se imponen por su declarada inversión compartida desde la coproducción. Al mismo tiempo, mostraría su conformidad porque la heterogeneidad estética es un camino ideal para discernir sobre el estado de las cosas del cine contemporáneo.

SEMINARIO NUEVAS MIRADAS NUEVAS EXPRESIONES EN EL CIC DICTADO POR GUSTAVO J CASTAGNA

En ese sentido, nada más adecuado que este abanico de propuestas disímiles entre sí, que traza un puente desde directores consagrados e iluminados por un cartel de neón (Quentin Tarantino, Michael Haneke) hasta veteranos que aun tienen algo que decir (Roman Polanski, Marco Bellocchio), pasando por nombres que todavía -lamentablemente- no llegaron a tantos oídos (Claire Denis, Guy Maddin, José Luis Guerín, Aki Kaurismäki) hasta otros que ya pertenecen al gran cine asiático de las últimas tres décadas (Hong Sang-soo, Hou Hsiao-hsien). Por si fuera poco, dirá presente desde un acabado representante de la original pantalla rumana pos dictadura Ceausescu (Cristi Puiu) hasta un joven y ya prolífico director local que se animó a contar la guerra de Irak desde materiales procedentes de Internet (Mauro Andrizzi).

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30/06/2012

4 de julio – Proyección especial del film “3” + Charla con su Director Pablo Stoll en el CIC

Antes del estreno oficial de la película en la Argentina, el Director Uruguayo, Pablo Stoll, 25 watts,  Whisky, Hiroshima,  visitará el CIC, para compartir la proyección de su última película “3” recientemente presentada en Cannes y conversar con estudiantes, egresados e interesados que participen del evento.

La entrada será gratuita y el límite estará sujeto a la capacidad de la sala. Para anotarse es necesario inscribirse a través de: reservas@cic.edu.ar

PABLO STOLL en el CIC

Sinopsis:

A Rodolfo (Humberto de Vargas) la vida le parece vacía y fría en su casa, donde parece sobrar. Por su parte, su primera esposa Graciela (Sara Bessio) y la hija adolescente de ambos, Ana (Anaclara Ferreyra Palfy), están viviendo momentos definitorios de sus vidas.
Sutilmente, Rodolfo tratará de ocupar el lugar que tenía junto a ellas y dejó hace diez años.

3 es una comedia sobre tres personas y su absurda condena: ser una familia.

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3/06/2012

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – DE DEFORMES Y DE HOMBRES DE ALEKSEY BALABANOV

UN FILM SOBRE VARIOS “FENOMENOS”

Por Gustavo J. Castagna

Primero, algunas aclaraciones. La traducción literal del idioma ruso no sería DE DEFORMES Y DE HOMBRES, sino DE FENOMENOS Y DE HOMBRES, es decir, se trataría de un film que muestra “freaks” o criaturas con malformaciones desde su nacimiento. Por otro lado, al exhibirse en una de las iniciales ediciones que marcaron el retorno del Festival de Mar del Plata, en la segunda mitad de los 90, la película de Aleksei Balabanov se proyectó con el título de DE MONSTRUOS Y DE HOMBRES. Pues bien, se trate de “deformes”, monstruos” o “fenómenos” esta rareza (maravillosa) de hace más de década y media se transformó, en aquel entonces, en una de las películas atractivas y originales del evento marplatense, que por esos tiempos pegaba la vuelta luego de un largo período de silencios propios y ajenos.

Cine de Festival en el CIC De deformes y de hombres

Es curiosa una ficción como DE DEFORMES Y HOMBRES (decidí este título de manera poco democrática) porque es una de las tantas películas –quince hasta hoy- del cineasta ruso y, supuestamente, la única de repercusión internacional vía festivales de “culto” Es atractiva, también, desde aspectos visuales y formales porque su blanco y negro mortecino entremezclado con un sepiado de fuerte intensidad encajan a la perfección para una “historia de época”, ubicada en los albores iniciales del siglo XX en la Rusia todavía al mando de los zares, previa a la revolución bolchevique de 1917. Y es maravillosa porque propone una serie de lecturas, a través de temas y subtemas, que fluctúan entre el cine de horror mezclado con la comedia negra, agregando un plus original y descabellado: DE DEFORMES Y DE HOMBRES es una película sobre el parto inicial del cine al poco tiempo de que el invento de los hermanos Lumiére fuera presentado en el Café de los Capucinos el día de los inocentes de 1895.

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24/05/2012

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – EL HOMBRE QUE PODIA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS DE ATPINCHAPONG W.

HUMANOS, FANTASMAS, BOSQUES, SELVAS

Por Gustavo J. Castagna

Estimado lector, veamos si puede pronunciar dos veces seguidas sin furcio el nombre y apellido de uno de los directores más importantes de la última década. Sí, claro, es comprensible, ya que se trata de una proeza casi imposible de lograr. Otra propuesta: cite veinte nombres de cineastas que dicen presente en los festivales clase A. Sí, claro, allí dirá presente el cineasta de nombre complicado de pronunciar sin meter un furcio.

Él es Apichatpong Weerasethakul, nacido en 1970, en Tailandia, aquel país asiático en permanente conflicto con sus vecinos también belicistas dirigidos por reyes (Laos, Birmania), todos ellos como partes de Indochina. Y entonces, ¿a qué se debe el prestigio de este cineasta? Acá la respuesta es fácil: se trata de un director talentoso, que cuenta historias donde los espacios abiertos (bosques, selvas) son protagonistas, recurriendo al sonido como eje central de la puesta en escena y, por si fuera poco, a través de personajes humanos pero también fantasmales (o “fantasmagóricos”).

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – EL HOMBRE QUE PODIA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS DE ATPINCHAPONG W.

Bueno, por lo tanto, no parece un cine de difícil aprehensión o comprensión al espectador. Acá entra la duda y la incertidumbre machaca al presente texto. El cine de Apichatpong Weerasethakul (qué bueno que la computadoras tengan “cut” y “paste”) provoca reacciones desmedidas, a favor y en contra, sin zonas intermedias, rechazos y admiraciones en dosis similares.

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11/05/2012

16 DE MAYO – SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – CANINO DE GIORGIOS LANTHIMOS

UNA FAMILIA MUY NORMAL….

Por Gustavo J. Castagna

Toma la palabra el maestro Charly García en el final de “Mr. Jones”, ese gran tema incendiario y setentista de Sui Géneris, grabado para el segundo disco oficial del dúo: “Yo no sé porqué el sargento me llevó al destacamento si somos una familia muy normal”

Ahora el que habla es Giorgios Lanthimos, nacido en Grecia, opinando sobre CANINO, su tercera y revulsiva película: “Mi intención era contar sobre cómo podría ser una familia en el futuro, encerrada en su casa y bajo los códigos y mandamientos que impone el padre”

CANINO (Apellido correcto web grande

Existiría, por lo tanto, una ambigua relación entre aquella prosa de Charly y las imágenes que propone el cuarentón Lanthimos, con una salvedad notoria: podría aducirse que donde termina CANINO podría empezar la historia que cuenta “Mr. Jones” y su río de sangre familiar.

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27/04/2012

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – AQUILES Y LA TORTUGA DE TAKESHI KITANO

EL ARTISTA, LA OBRA Y EL MUNDO

por Gustavo J. Castagna

Machisu Kuramochi es un artista plástico incomprendido y un talento confirmado desde la precocidad infantil. O acaso se trata de un hombre enajenado, en plena combustión con el contexto social y familiar. O, porqué no, Machisu es un personaje que contrasta con el mundo del arte, con aquel regido por curadores y dueños de espacios y galerías que sugieren qué hacer, cómo hacer y de qué manera habría que construir obras para que se entiendan y comprendan sin dobles o triples interpretaciones. Machisu Kuramochi es el mismo Takeshi Kitano como actor en la última parte de la película, en esa madurez definitiva que lo muestra acompañado de su fiel esposa, pero divorciados ambos de una hija que tampoco comprende por dónde viene la locura creativa de sus progenitores.

Aquiles y la tortuga web grande

AQUILES Y LA TORTUGA es un de los pocos remansos dentro de la carrera de “Beat” Takeshi Kitano (Tokio, 1947) entre films violentos, yakuzas silenciosos, arrogantes y de comportamientos infantiles. Kitano es un creador total (director, actor, guionista, también músico, dibujante y pintor) que desde mediados de los 80 construyó una obra personal, desigual, intransferible y necesaria para reinstalar al cine japonés en el mercado de los festivales clase A del mundo. Fueron necesarias las orgías de violencia y sangre de su díptico inicial (VIOLENT COP; BOILLING POINT), el cruce entre yakuzas irascibles pero también ingenuos (SONATINA, su primera obra maestra) y el primer remanso entre tanto festival de policías peleados con el poder (ESCENAS FRENTE AL MAR, historia de amor de dos chicos sordomudos fanáticos del surf). Luego vendría la consagración en Cannes con la seminal FLORES DE FUEGO (Hanna-Bi), obra imprescindible de fines del siglo XX y de ahí en más una filmografía con subas y bajas, que incluye su inserción en Hollywood (BROTHER), el retorno al pasado ancestral (ZATOICHI, donde encarna a un samurai ciego), excesos ombliguistas de corto vuelo (TAKESHI´S) y una sentida mirada sobre la temática infantil entremezclada con la ferocidad de los yakuzas (EL VERANO DE KIKUJIRO, su film más romántico y más jugado en cuanto a la compleja fusión de niñez y violencia).

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23/04/2012

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – Yo maté a mi madre de Xavier Dolan

MADRE HAY UNA SOLA

Por Gustavo J. Castagna

Hace un par de semanas, dentro del seminario, se exhibió EL EXTRAÑO CASO DE ANGELICA, hasta hoy, la última película de Manoel de Oliveira filmada… cuando el director portugués había cumplido 102 años. Ahora le toca a YO MATE A MI MADRE del canadiense de Quebéc Xavier Dolan, film de 2009, concebido…. cuando el novel cineasta contaba con sólo 19 años.

Ninguna relación une a las dos películas, salvo que pertenecen al eclecticismo cinematográfico de estos días y al marco de los festivales; también al reconocimiento de la crítica y de una manera de hacer cine que no convive con una buena parte del raquitismo en imágenes que nos invaden los jueves de estrenos de cada año.

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC - YO MATE A MI MADRE por Gustavo J. Castagna

Sin lugar a dudas, el caso de Dolan es tan extremista como el Oliveira en cuanto a la prematura actividad de uno y la permanente obsesión de colocarse detrás de las cámaras del más que centenario director nacido en Lisboa. Luego de YO MATE A MI MADRE Dolan haría LES AMOURS IMAGINAIRES –con solo 20 años-y faltan pocos días para que presente en Cannes, en competencia oficial, su tercer opus, LAWRENCE ANYWAYS, rodada a comienzos hace dos meses. El ejemplo Dolan, sin embargo, tiene un aspecto que no sorprende: su precocidad  cinematográfica corrobora un camino lógico dentro del mundo de los festivales, ya que sus dos obras iniciales participaron de la exigente sección “Une certain regard” de Cannes, que de algún modo anunciaba que tarde o temprano (más temprano que tarde en este caso), el inminente  anclaje entre las 21 películas seleccionadas en Cannes para el festival que arranca el 16 de mayo.

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18/04/2012

Viernes 20 de Abril – Joseph Cedar en el CIC

El Cineasta Israelí, Joseph Cedar visitará el CIC para conversar y compartir toda su experiencia con los alumnos e interesados a participar del evento.

Con su primer filme, Time of Favor (2000), se convirtió en un suceso y ganó 6 Premios Ophir incluido el de Mejor película. Su segunda película Campfire (2004)  fue ganadora de 5 Premios de la Ofir incluyendo mejor película, mejor dirección y mejor guion. Por Beaufort (2007), su tercera película, recibió el Oso de Plata por mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Beaufort se convirtió en uno de los filmes más exitosos y aclamados por la crítica de Israel en toda la década y fue nominado para el Premio de la Academia en la categoría de mejor película en lengua no inglesa, la primera que recibía un filme israelí en 24 años. Además, recibió 4 Premios Ophir.

Joseph Cedar web grande

9/04/2012

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – El extraño caso de Angélica de Manoel de Oliveira

DE ENTRE LOS MUERTOS

Por Gustavo J. Castagna

El crítico se siente seducido en recurrir a frases inviolables que funcionan perfectamente para explicar la última película de Manoel de Oliveira, el eterno realizador portugués nacido en Porto. Frases que servirían para comentar la temática del film y, acaso, desentrañar las múltiples posibilidades de abordar una obra única en su especie. Pues bien, esas frases como “una historia de amor necrofílico” o “una historia de amor fou entre un fotográfo y su objeto (mujer) fotografiado poco después de morir” permitirían cercanías, aproximaciones a otros títulos clave de la historia del cine. Por ejemplo, Vértigo de Hitchcock o Más allá del olvido, el opus maldito de Hugo del Carril. Pero también, en cuanto a los amores desesperados, que ya no pertenecen a este mundo, la balanza se inclinaría a la adaptación libérrima que el gran Luis Buñuel hiciera de Cumbres borrascosas de Emily Bronté en aquella película de los 50, Abismos de pasión, realizada en su largo exilio mexicano.

SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC - El extraño caso de Angélica de Manoel de Oliveira de Manoel de Oliveira

Y así podría seguirse con otras huellas cinematográficas que el amor entre Angélica (Pilar López de Ayala, sin texto alguno) y el fotógrafo Isaac (Ricardo Trepa), dirigidos por el veteranísimo cineasta, construyen en una hora y media de imágenes difíciles de olvidar. Pero EL EXTRAÑO CASO DE ANGELICA, además de sus fuentes referenciales y va más allá de un argumento que propne contar la relación entre alguien que se dedica a sacar fotos y un cuerpo que sacó pasaje de ida hace solo un rato.

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3/04/2012

04 DE ABRIL – SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – MY WINNIPEG DE Guy Maddin

TE AMO, TE ODIO, DAME MAS

Por Gustavo J. Castagna

Experimento, experimentación, cine experimental. Tres conceptos similares que implican tomar un riesgo, romper con ciertas normas, patear el tablero de ciertas convenciones. Eso es lo que hace el canadiense Guy Maddin con su documental/ficción/reconstrucción, de forma personal y ambiciosa, que refleja a la ciudad natal, aquella que lo parió y marcó para siempre.

Seminario de Cine de festival en el CIC - My Winnipeg - Guy maddin - Presentado por Gustavo J. Castagna

MY WINNIPÈG es eso: un canto de amor y odio, una oda pasional y furibunda, romántica y criminal, a una geografía determinadas, a sus tradiciones y características, a sus celebraciones y rituales, a una familia –la del director- tan parecida a las de otros clanes que habitaron o siguen viviendo en Winnipeg. Con una salvedad: ¿cuántas madres existirán como mamá Maddin? ¿O acaso debería decirse mamá Winnipeg?

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18/03/2012

28 de Marzo – SEMINARIO DE CINE DE FESTIVAL EN EL CIC – POLICIA, ADJETIVO DE CORNELIU POROMBOIU

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE

Por Gustavo J. Castagna

El mercado de los festivales de cine tiene sus propias características, sus nuevas cinematografías y sus descubrimientos que, por lo general, condicen con la calidad de los materiales. Poco o nada se sabía del cine rumano en el mundo hasta décadas pasadas y esto merece una explicación ajena al cine: el líder Nicolae Ceausescu montó una dictadura represiva en el país durante un extenso período (1974-1989) hasta el derrocamiento de su gobierno a propósito de una revolución que decidió el fusilamiento de él y de su esposa luego de largas sesiones tribunalicias. Este hecho fue transmitido a gran parte del mundo por la televisión.

Por lo tanto, el mundo desconocía cómo era el cine rumano aunque algunas pocas películas que fueron difundidas permitieron ver una estética rancia, acomodada a las imposiciones del gobernante, con transparentes implicancias políticas que defendían al régimen. Es decir, un clásico cine de propaganda que ya tenía sus antecedentes en el siglo XX, en especial, durante las décadas del 30 y 40. A partir de ese hecho histórico, el cine rumano renace y comienza a interesar a los programadores de festivales. Nuevos nombres, originales planteos ideológicos, formas expresivas que muy pocas veces el cine rumano había adoptado para transmitir a propios y extraños.

Adjetivo Policía Seminario de Cine de Festival en el CIC a cargo de Gustavo Castagna

En los últimos años las películas y los directores rumanos participan de los festivales clase A. Se verá, como siempre ocurre, si solo se trata de una (otra) moda más o la confirmación se está frente a una cinematográfica que ya presentó un puñado de películas representativas concebidas por cineastas con un estilo propio. Títulos como BUCAREST 12.08; AURORA; 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DIAS; COMO CELEBRE EL FIN DEL MUNDO y LA NOCHE DEL SEÑOR LAZARESCU, por invocar solo algunos films, antes que nada, reflejan un estado de las cosas. Ese (nuevo)estado de las cosas aparece de manera cruda, ostentando las secuelas de la dictadura de Ceausescu, pero también, planteándose los enigmas de estos días a través de personajes de vidas grises, sumergidos en el aparato burocrático que nunca cede en lo mínimo, hasta interrogarse por aquel pasado feroz en comparación con un presente turbio que manifiesta las (supuestas) bondades de la un nuevo tiempo triunfante.

En POLICIA, ADJETIVO de Corneliu Porumboiu, aquella dictadura es un recuerdo pero los ciudadanos siguen custodiados aun en sus mínimos movimientos. Hay un caso a resolver entre expedientes, archivos y seguimientos que hasta parece de rutina para Cristi, el joven policía civil que cumple órdenes impartidas por sus superiores. Un ciudadano fue descubierto con hachís, pretexto para que Porumboiu narre su historia en oficinas, pasillos y expedientes –supuestamente- legales que condenarían al infractor y que obligarían al policía a responsabilizar al sospechado.

Sin embargo, POLICIA, ADJETIVO es una película donde todo el mundo parece controlado por el poder de la ley, alimentando una insoportable paranoia que hasta se traslada al ámbito familiar, como ocurre en la gran escena de la discusión entre Cristi y su novia por un tema musical que complace a ella. En este mundo de perseguidos y vigilados, nadie alza el tono de voz, los personajes susurran, gesticulan solo lo necesario, como si se estuviera viviendo (¿sobreviviendo?, ¿resistiendo?) dentro de un thriller paranoico con una puesta en escena que parece extraída de algunas páginas redactadas por Kakfa.

Las virtudes de la película, como todo gran film, no solamente se circunscriben a su importancia temática. Los recursos cinematográficos son amplios y plenamente justificados: minuciosos fuera de campo (el sospechoso no aparece en imagen), rigurosos tiempos muertos donde se procesa el estado paranoico de Cristi, silencios que ocupan el lugar de las palabras y explicaciones redundantes. Como si un moderno Joseph K de “El proceso” kafkiano no encontrara respuestas para sus incertidumbres.

En este punto, la última media resulta agobiante para Cristi y otro policía, escuchando atentamente a su superior, quien habla y justifica el proceder de la justicia a través del diccionario. Allí Porumboiu gana su propia batalla dialéctica, donde las palabras adquieren un nuevo significado o, en todo caso, aquel que solo entiende el poder. Esa media hora final, ya de por sí, justifica el poderío del actual cine rumano y el merecido prestigio cinematográfico de una película extraordinaria.

30/11/2011

Viernes 2 de Diciembre – LA INSTALACIÓN COMO EXPERIENCIA VISUAL Y CREATIVA EN EL CIC

“La esencia de los personajes en el teatro es pasajera, pero en la fotografía, esa esencia se muestra a través de un instante inmortalizado”

PG Foto Laino web grande

A partir de este concepto, los alumnos de las carreras de actuación y cine del CIC presentaron la Instalación realizada como actividad interdisciplinaria de las materias de Dirección de Arte e Iluminación y Cámara.

Con idea y puesta en escena del profesor Norberto Laino, la propuesta de estas actividades interdisciplinarias es la de trabajar en grupo y a modo de taller, generando obra a partir de distintos conceptos y a través de lenguajes propios del cine y el teatro, como la plástica, la escenografía, las técnicas de cámara, multimedia, sonido, iluminación, dramaturgia, literatura, etc.


9/11/2011

Proyección del Film “Antes del Estreno” de Santiago Giralt + Charla

El director Santiago Giralt junto al actor Nahuel Mutti se acercaron al CIC, para compartir su último film en cartel “Antes del estreno” y conversar con estudiantes, egresados e interesados que participaron del evento.

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2/11/2011

12 de Noviembre – IX Jornadas de Teatro y Actuación en el CIC

Las jornadas de teatro y actuación, son un evento indispensable para el CIC, ya que proponen el espacio propicio para repensar la forma y las posibilidades de hacer teatro en Argentina, ofreciendo a los alumnos de la Carrera de Actor y Director de Artes Escénicas, el marco ideal para relacionarse de modo tangible con importantísimos profesionales de la interpretación dramática para Cine, Teatro y Televisión. Asimismo, tienen la posibilidad de mostrar sus propios trabajos, como resultado de una etapa de investigación acontecida y en constante desarrollo.

Las jornadas estarán abiertas al público con entrada gratuita e inscripción previa en: produccion@cic.edu.ar

En esta edición 2011 nos acompañarán: Raúl Serrano, Luis Brandoni, Soledad Silveyra, Jorge Suarez, Mónica Scaparone, Paloma Contreras, Paula Kohan y los egresados de nuestra escuela: Andrés Molina, Guillermo Sotello, Eliana González,  Marina Andrada y Lizzania Sanchez.

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31/10/2011

Seminario de Cine Latinoamericano en el CIC – INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VICTOR HUGO – México

¿IMPRIMAN LA LEYENDA?

Por Gustavo J. Castagna

El cine es cuestión de talento, dinero invertido, funcionamiento perfecto en todos los rubros técnicos, una historia interesante de mostrar (lo que no implica solamente valerse de un buen guión) y tantos ítems más. También es arte, industria, estética, mercado, festivales y otras definiciones, sean opuestas, contradictoras, afines, fusionadas. En fin, no hay solo grandes películas porque se invirtió poco dinero ni todas las películas con mucho dinero invertido son porquerías. Sin embargo, el caso de INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VICTOR HUGO, opera prima de Yulene Olaizola, costó muy poco hacerla (es decir, no hubo demasiada plata) y se trata de una gran película.

Ficción y documental, aun se piensa así, conformarían dos compartimentos estancos, divorciados, ajenos uno al otro. Pues bien, desde los orígenes del cine surgieron documentales que pueden mirarse como ficciones, y a la inversa, construcciones ficcionales que se expresan desde un lugar que le pertenecería al documental. INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VICTOR HUGO es una de esas películas –como tantas- que derrumba  las definiciones apresuradas: su elegante y trabajada fusión de relato oral, historia familiar, trama policial, referencias a la literatura y la pintura, ápices de comedia sentimental, romance inconcluso, melodrama terminal, discurso directo e indirecto a cargo de la joven realizadora, una protagonista de apabullante y verborragia y un personaje secundario (o acaso, principal) que no está pero se habla todo el tiempo de él, con todas esas cuestiones y tantas más, este film mexicano de hace un par de años, permite no llegar a conclusiones definitivas, sino a plantear una serie de interrogantes que abrazan la ambigüedad y el enigma. ¿Qué se acaba de ver cuando surgen los créditos finales de la película? ¿Un documental o una ficción? ¿Una simbiosis de ambos? ¿Será verdad todo lo que se cuenta en el film? ¿La abuela cuenta todo lo que sabe o sólo aquello que quiere recordar de Jorge Riosse, ese particular inquilino de amplia sabiduría artística? Es que allí, justamente, INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VICTOR HUGO es una película no común en estos días: propone y no responde todas las preguntas, cuenta y esquiva, impresiona por sus relatos y personajes (en “off” o en “on”) y sobre ellos queremos saber más. Pero allí está el secreto: la película nos pertenece y al final tenemos la posibilidad de cerrar todos los enigmas. O acaso, seguir haciendo preguntas. Y esa es otra de sus grandes virtudes.

La historia transcurre en una casa de huéspedes (esas enormes instalaciones también son protagonistas) donde la vieja abuela Rosa  (la abuela “real” de la directora) cuenta historias, al principio acompañada por su fiel empleada doméstica de hace más de tres décadas. Pero surgen inmediatamente los recuerdos sobre un tal Jorge, el artista multifacético, romántico, soñador, creativo. Pero ocurre que Jorge murió y aun no se sabe porqué motivo, aunque la policía cercana a la casa de huéspedes sospecha que él podría ser el responsable del asesinato de varias prostitutas de la zona y de lugares aledaños. Y sobre esos caminos donde se conjugan el documental junto a la ficción (oral), el enigma sin resolver con la historia de un (supuesto) asesino, la homosexualidad de Jorge con el amor platónico de él a la abuela Rosa, que se vale de su lengua larga para omitir opiniones sobre el particular y romántico artista, ahí en esas maravillosas fusiones que propone Olaizola, INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VICTOR HUGO adquiere una categoría estética difícil de conseguir para cualquier película: estar de acuerdo y aceptar todo aquello que se nos cuenta, y al mismo tiempo, dudar de algunas zonas oscuras que proponen esos relatos orales.

Y allí está la única cámara de la directora Yulene Olaizola filmando a algunos personajes que están vivos, que hablan y narran historias sobre alguien que no puede responderles. Pero esa inquieta cámara de la joven cineasta también registra cada uno de los movimientos de un fantasma, el de aquel artista atribulado, supuesto asesino, homosexual, joven prodigio. Si hasta en muchos momentos, daría la impresión, que se lo está viendo en imágenes.

Intimidades de shakes.web grande

26/10/2011

Se proyectó el Film “El agua del fin del mundo” de Paula Siero

La directora Paula Siero, junto a la actriz Diana Lamas se acercó al CIC para compartir la proyección de su opera prima “El agua del fin del mundo” estrenada recientemente en la Argentina. Luego brindaron una charla.

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21/10/2011

26 de Octubre – SEMINARIO DE CINE LATINOAMERICANO EN EL CIC – “HIROSHIMA” (URUGUAY)

MINIMALISMO SONORO

Por Gustavo J. Castagna

Juan camina y camina. Juan va de acá para allá. De vez en cuando detiene su marcha, se refugia en su casa, fuma un porrito, lee algunas órdenes caseras que debería cumplir. Juan escucha música desde sus auriculares, pero la música abunda en la película. En realidad, no se habla en el film, la música es la protagonista, como Juan y sus silencios. Pero entonces, ¿Juan no se relaciona con nadie, encerrado en su mundo, separado de un contexto, aferrado a un paisaje, donde la música que escucha o aquella que se oye le pertenecen? Juan se relaciona con algunas personas, pero tampoco estas hablan, ya que la película decide recurrir a los intertítulos del cine mudo para describir pequeñas situaciones.

Pablo Stoll debuta solo como director en HIROSHIMA, film uruguayo del 2009, luego de su díptico con el malogrado Juan Pablo Rebella, en aquellas dos películas que certificaron que un buen cine podía concebirse desde la otra orilla. Primero fue 25 WATTS y el retrato de unos jóvenes divagando por las calles grises y melancólicas de Montevideo. Luego llegó WHISKY y otro tipo de retrato, ahora describiendo una relación de tres personas mayores, también solitarias, con una gran dignidad a cuestas. En ambas películas, con pocas palabras y muchos silencios, también trasuntaba un humor negro, que entremezclada sordidez y alegría en dosis similares. Pese a que los personajes se ríen poco y nada y responden a las preguntas de manera casi monosilábica.

En HIROSHIMA todo lo citado está, amplificado por la música, pero también, por el sonido.

En realidad la definición que mejor encajaría para la película de Stoll es la de “minimalismo sonoro” Habrá que llegar a las últimas escenas para descubrir el porqué del título pero no interesa tanto: HIROSHIMA cuenta muchas más cosas de las que sugiere su mínimo argumento. El estupendo protagonista, el solitario y divagante Juan, a cargo del hermano del director, camina, visita lugares y gente conocida o no, recorre los bordes de la capital uruguaya. Eso también es HIROSHIMA: un film que navega en las fronteras de la melancolía y el humor, la letanía constante y el caminar incansable del personaje principal, la necesidad de alejarse de un mundo a través de un par de auriculares y ese mismo mundo al que vemos y resulta imposible permanecer indiferente.

Stoll, para narrar ese deambular indeciso de su hermano-actor, decide eliminar las palabras, valiéndose de esos breves intertítulos que no hacen otra cosa que trasmitir aquel humor de sus dos películas junto a Rebella. Humor seco y cortante, invadido por el absurdo que denotan determinadas situaciones y que reflejan los aspectos mínimos, pero también concretos, del personaje principal. Para neutralizar la ausencia de textos, HIROSHIMA demuestra que se puede trabajar el sonido desde diferentes capas de intensidad. Y no me refiero solo a la música que se escucha en la película, sino al sonido que actúa como protagonista también fundamental de la austera trama. Un porro compartido, un partido de fútbol interminable, un asadito, una amiga con la que el protagonista se cruza por la ruta, son algunos de los pretextos o maravillosas excusas que Stoll elije para desentrañar una no-historia minimalista que transmite calidez y una buena dosis de comicidad. Por eso, cuando el personaje decide cantar al final de la película, de espaldas a la gente pero frente a cámara, definitivamente nos sentimos invadidos por semejante sinceridad cinematográfica.

Seminario de Cine Latinoamericano en el CIC -  Dictado por Gustavo Castagna - Hiroshima de Pablo Stoll

4/10/2011

Juan Minujín en el CIC

El actor y director nos visitó el 4 de Octubre, con motivo de  la presentación de su opera prima “Vaquero”, que se estrenó la semana pasada en la Argentina. El filme cuenta la vida de Julián Lamar, interpretado por el mismo Minujín, un actor que se siente frustrado y que quiere lograr un papel en un western estadounidense que se filmará en la Argentina. El antecedente de esta película hay que buscarlo en “Guacho”, el primer cortometraje de Minujín, que obtuvo buena repercusión en diferentes festivales. Ese fue el germen de Vaquero, una comedia acida que retrata la disconformidad del actor argentino, un mundo que el director conoce y que describe como un mundo atiborrado de personalidades inestables, pendientes del deseo de los otros y que necesitan vivir seduciendo.

Reparto: Guillermo Arengo, Daniel Fanego, Pilar Gamboa, Juan Minujín, Esmeralda Mitre, Leonardo Sbaraglia.

Guión: Juan Minujin, Facundo Agrelo

Fotografía: Lucio Bonelli

Montaje: Pablo Barbieri

Producción: Diego Dubcovsky, Sebastián Ponce.

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20/09/2011

Se proyectó el Film “Medianeras” de Gustavo Taretto en el CIC

Antes del estreno oficial de la película, el Director Gustavo Taretto junto al productor Hernán Musaluppi se acercaron al CIC, para compartir su opera prima y conversar con estudiantes, egresados e interesados que se acercaron al evento.


Sinopsis. Martín es un fóbico en vías de recuperación. De a poco va saliendo del encierro en su monoambiente y su adicción al mundo virtual. Mariana, recién separada, tiene tan desordenada la cabeza como el departamento en el que se refugia. ¿Deberían conocerse, no? ¿Cómo se pueden encontrar en una ciudad superpoblada y caótica como Buenos Aires? Medianeras. Lo mismo que los separa es lo que los une.

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9/09/2011

SEMINARIO DE CINE LATINOAMERICANO – El lugar sin límites (MÉXICO)

MELO=RIP

Por Gustavo J. Castagna

Arturo Ripstein ya filmó más de treinta largometrajes, innumerables cortos y varios trabajos para televisión. Empezó muy joven con su opera prima Tiempo de morir, con poco más de 20 años, sobre un texto original de García Márquez y adaptación del escritor de Cien años de soledad junto a Carlos Fuentes, una dupla que a cualquiera le provocaría envidia. Hizo obras maestras, muchas de ellas en el período 1987-1996, dentro de una etapa en la que empieza a participar en los guiones Paz Alicia Garciadiego, su compañera de vida hasta estos días. En los 90 declinaría su sabiduría cinematográfica (o la de ambos, Rip y Paz), aunque resulta difícil encontrar baches profundos en su larga trayectoria. Cerca de los 70 años, la obra de Ripstein, constituida por esos melodramas feroces que no se detienen ante nada, ya pertenece a la gran historia del cine de su país y del continente.

Sin embargo, hoy es una presencia (o casi ausencia) fantasmal para las nuevas generaciones, una figura sustituida por otros cineastas de su país que desde hace tiempo ya encontraron su lugar en el mundo (léase Hollywood).

Por lo tanto, llegó la hora de resarcir el injusto olvido.

Cuando aun Rip no tenía a Paz junto a su lado, se animó a adaptar y dirigir EL LUGAR SIN LIMITES (1977), obra literaria de José Donoso, publicada diez años antes (aunque se aduce que el mismísimo Manuel Puig colaboró con el director en la transposición).  Donoso sería convocado varios años más tarde en Coronación (2001), primera obra importante del autor, en un film del chileno Silvio Caiozzi. Pero en los años en que Rip adapta a Donoso, el escritor ya pertenecía a la pléyade importante del boom latinoamericano de literatura, junto a nombres célebres como Juan Rulfo, Alejo Carpentier, García Márquez, Vargas Llosa, Julio Cortázar, Jorge Amado, Guimaraes Rosa y tantos más.

Aun sin Paz en la escritura del guión, el mundo del director, claustrofóbico y asfixiante, estalla en cada una de las escenas de EL LUGAR SIN LIMITES. Ese universo típico del director, a punto de explotar, y en donde conviven travestis, putas, chulos, machotes, o en todo caso, en el que se sobrevive al día a día entre el alcohol, las guarachas, los boleros, los mambos de Pérez Prado, los bailes y las noches interminables. En efecto, casi en todo su desarrollo la acción se ubica en un prostíbulo de pueblo donde emerge un gran personaje, “La Manuela”, un travesti de gran corazón, que tiene una hija (La Japonesita), todavía virgen pero trabajando en el mismo lugar, y que teme por la vuelta de dos machotes mexicanos que exudan homofobia por todos los poros. Hay un hecho puntual en el film y es la inminente venta del lugar debido a que un –supuesto- progreso provocaría satisfacción económica al latifundista del predio, un veterano de muchas batallas…. que también concurre al prostíbulo con bastante frecuencia.

Ese mundo sin salida que luego Ripstein y Paz describirían con lujo de detalles en films de los 80 y 90 – La mujer del puerto; La reina de la noche; Profundo carmesí; El imperio de la fortuna; Principio y fin, por ejemplo- es el que el cineasta describe con placer, auscultando la mirada en las zonas más oscuras y tremebundas de sus personajes, desmenuzando como si tuviera un bisturí quirúrgico en sus manos a ese inquilinato decadente donde sobrevive un grupo de náufragos. Sin bajar el dedito acusador y sin necesidad de pontificar en momento alguno (como sí hacen varios de sus colegas mexicanos en la actualidad), Ripstein narra un melodrama lumpen, hasta esos años, difícil de encontrar en la producción de su país.

Entre tantos personajes de dudosa calaña moral, putas de corazón altruista e hijas quién sabe de qué padres, se encumbra “La Manuela”, síntesis del dolor, la pérdida, el miedo, las pocas felicidades, las incertidumbres permanentes.

En el año 2002 moriría el actor mexicano Roberto Cobo, el inolvidable Jaibo de Los olvidados (1950) de Luis Buñuel. Entre una numerosa filmografía, toda concebida en México, Cobo también será recordado por darle vida a “La Manuela”, un personaje que carga con muchas supervivencias detrás de su más de medio siglo, que ansía ser feliz y que difícilmente pueda concretar sus deseos en la densa atmósfera que circunda un prostíbulo sin límite alguno.

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