Posts Tagged ‘cine’

23/11/2016

30 DE NOVIEMBRE Y 1 DE DICIEMBRE – MUESTRA DE CORTOS DE LOS ALUMNOS DE CINE DEL CIC

El Miércoles 30 de Noviembre a las 20.30hs y el Jueves 1 de Diciembre a las 15hs en el Set 3, se llevará a cabo la Muestra de los Videominutos y Cortometrajes realizados por los alumnos de primer año de la Carrera de Realización Integral de Cine y Tv durante el segundo cuatrimestre del año.

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31/10/2016

2 DE NOVIEMBRE – Charla sobre DIRECCIÓN DE ACTORES PARA CINE a cargo de María Laura Berch en el CIC

Directores invitados: Benjamín Ávila, Federico Godfrid y Milagros Mumenthaler.

Un encuentro profesional para reflexionar sobre el vínculo del director de cine con el actor: La dirección actoral desde el casting, su abordaje creativo, los ensayos, el rodaje, las herramientas del director para el trabajo con actores. A partir de sus experiencias, los profesionales comparten propuestas y técnicas para el trabajo con el actor en cine.

La entrada es libre y gratuita, con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar 

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10/10/2016

19 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE” DE BRYAN SINGER

EL MISTERIO KEYSER SÖZE

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la segunda parte de 1995 algunas salas de cine de acá exhibieron films policiales, algunos originales y otros no tanto. La nueva corriente genérica parecía provenir desde comienzos de la década a través de títulos que producía HBO, del reciclaje formal y temático que proponían algunas series de entonces y la puesta al día en vertiente gangsteril que había refundado Scorsese, primero con Buenos muchachos y luego desde el imperio del juego de Casino.

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE - copia

Films de John Dahl (La última seducción; La muerte golpea dos veces), los posteriores estrenos de Pecados capitales y Los Ángeles al desnudo, la cita impostergable por conocer Jackie Brown, “el último Tarantino” (arrastrando la repercusión que había tenido Tiempos violentos), el bienvenido remanente vía Quentin de Escape salvaje (True Romance) de Tony Scott, una excelente propuesta como Revancha (Payback) del guionista Brian Helgeland tras la cámaras, en fin, el panorama de aquellos diez años mostraron al policial en buena forma, con aires renovadores, miradas originales, violencia en buena dosis, arquetipos genéricos construidos desde la modernidad pero escarbando en la forma clásica.

La grilla de aquella década debería completarse con LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE, segundo título del hasta entonces (casi) desconocido cineasta Bryan Singer.

Es el instante del mejor rompecabezas de la década, de la construcción de una historia y de personajes atractivos, de la conformación de una manera de hacer policiales en donde los sospechosos son todos aquellos que andan por ahí, pero también, alguno que es enviado como emisario de un criminal de origen turco de bien ganado prestigio.

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3/10/2016

12 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TIEMPOS VIOLENTOS” DE QUENTIN TARANTINO

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO…

Por Gustavo J. Castagna

Probablemente TIEMPOS VIOLENTOS (o Pulp Fiction a secas como prefieren los fans) sea una de las películas de los 90 de las que más se escribió, habló, discutió y hasta polemizó en los rincones de la cinefilia más tradicional y de aquella infanto-juvenil que empezaría a emerger a propósito del opus 2 de Quentin Tarantino.

TIEMPOS VIOLENTOS CIC BLOG

En efecto, a partir de las casi dos horas y media de personajes, situaciones, invocaciones al género policial, violencia extrema, chistes, guiños, una estructura particular (ni demasiado “genial” u “original” como se dijo más de una vez), citas al pasado en plan reciclaje postmoderno y un grupo de intérpretes funcionales aun en mínimos apariciones, TIEMPOS VIOLENTOS quedó instalada como un antes y un después, un film-faro, una referencia permanente de aquella contemporaneidad cinematográfica y de un (supuesto) cine del futuro.

Tarantino y su locuacidad habitual (más brutal, desprolija y menos señorial que la verborragia de Scorsese con sus trajes Armani) hicieron lo suyo, como el aparato de producción de la época y la gerencia de marketing.

El paquete estaba preparado: un director que ya había trascendido con Perros de la calle, su opera prima), actores conocidos y taquilleros (la mayoría), el culto a la novelitas pulp, el policial como fundamento genérico, pero también, la particular cinefilia de su director, en este caso, llevada a un alto grado paroxístico.

Es que en TIEMPOS VIOLENTOS se mixturan a puro placer narrativo una multitud de historias, conversaciones y personajes que pertenecen a la gramática del policial pero construidos por la particular mirada del cineasta. Una mirada oblicua, transversal, periférica al género, matizada con momentos de humor irónico y filoso, contemplados desde un deja vú que nunca decide el camino de la soberbia y “la canchereada” estilística (por ejemplo, como ocurre en varios films de los Coen) sino desde el ojo clínico de un director que observa con ingenuidad y sin culpas a sus personajes. (más…)

28/09/2016

5 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS ÁNGELES AL DESNUDO” DE CURTIS HANSON

SOMBRAS Y LUCES EN LA CIUDAD

Por Gustavo J. Castagna

Todo funciona a la perfección en las más de dos horas de LOS ÁNGELES AL DESNUDO de Curtis Hanson. Desde la funcional cámara del director (fallecido hace menos de un mes), la adaptación que Brian Helgeland hiciera de la novela de James Ellroy, un grupo actoral de intérpretes principales y secundarios en estado de gracia, la concreta reconstrucción de época que alude al Los Ángeles de los 50 y una trama enroscada, con pliegues y repliegues narrativos, en donde se materializa aquel viejo axioma del género policial que reza “nada es lo que parece ser”

LOS ANGELES AL DESNUDO CIC BLOG

Ese “nada es lo que parece ser” acumula personajes de doble faz o, en todo caso, en algunos ejemplos, obligados a modificar su conducta ética e intachable: al final de la película, aquellos que aun estén vivos (que no serán tantos) se verán muy diferentes a cómo eran al principio. Algunas amistades trastocarán en traición, unos personajes morirán en el intento de resolver los múltiples asuntos que no parecen preocupar demasiado a un destacamento policial con sus correspondientes detectives, alguno más seguirá seduciendo en esa ciudad corrupta y hasta un correcto agente, seguro de sí mismo y de su moral frente al mundo. se convertirá –porqué no- en una extensión de ese paisaje soleado pero podrido por dentro.

LOS ÁNGELES AL DESNUDO estimula al elogio inmediato, a salir a defender con ganas sus idas y vueltas narrativas, sus chistes e ironías sobre aquel Hollywood crepuscular, su infinidad de matices que entrega una paleta cromática que deja ver a una ciudad luminosa, con glamour y estrellas cinematográficas que recuerdan a aquellas verdaderas de su época (¡la vuelta de Kim Basinger y su seducción a pleno desde la mirada, la silueta y la piel!).

Pero, además de las mujeres protagonistas, secundarias o no, la película describe una trama de hombres: un recién llegado a la oficina policial, heredero de la ética de su padre (Ed Exley – Guy Pearce-); el irascible y violento Bud White (Russell Crowe), el parsimonioso e irónico Jack Vincennes (Kevin Spacey), el periodista y fotógrafo que conoce al detalle el “detrás” de aquel Hollywood (Danny De Vito) y, entre otros, el jefe de todos los detectives, el reglamentado y conocedor del terreno que pisa, la ley dentro de una mirada particular, encarnada por Dudley Smith (el extraordinario James Cronwell).

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9/09/2016

28 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “PECADOS CAPITALES” DE DAVID FINCHER

EL PERFECTO ASESINO

Por Gustavo J, Castagna

Una de las claves del policial en los años 90 refiere al abastecimiento temático y formal de ciertas zonas genéricas en donde se mixtura una investigación o un caso a resolver de raíces detectivescas junto a una serie de asesinatos crudos y concebidos por especialistas en el ramo. Allí está el gran antecedente de El silencio de los inocentes (1987), la oscarizada película de Jonathan Demme, construida a través de la macabra y seductora inteligencia de Hannibal Lecter, quien decide trasmitir los rasgos principales del caso a la inestable Clarise Sterling. El título de Demme, inesperadas estatuillas mediante, se convirtió en un film de culto que fanatizó a los adictos al terror, pero también, a los seguidores del thriller de investigación.

PECADOS CAPITALES - CIC BLOG

Los 90 trajeron otras mixturas entre el terror y el policial y tal vez el mejor ejemplo sobre el tema se relacione con PECADOS CAPITALES, la segunda  incursión cinematográfica de David Fincher luego de su debut en la visión religiosa y espacial de Alien 3.

SEVEN está conformada desde los lugares comunes al género pero edificada por la mirada particular de Fincher sobre el terror y el policial. Como más adelante haría en la estupenda Zodíaco (2007), el caso a resolver parece fácil pero al poco tiempo los contrapuestos detectives Somerset y Mills comprenden que se está frente a un asesino no convencional. Sin embargo, a diferencia de Zodíaco en donde el punto de vista se reparte en tres personajes y al criminal, aun de forma diluida, se lo alcanza a ver en más de una ocasión, el entramado argumental de PECADOS CAPITALES ostenta una narración vertical sin oscilaciones hacia otras zonas impuras de los géneros convocados. Es decir, mientras Zodíaco invade diferentes registros de época (y su correspondiente contextualización política y cultural), de acuerdo al tiempo en que se describe el accionar del asesino, en PECADOS CAPITALES la narración es centrípeta, ubicada en las raíces del género, acomodada a una puesta en escena legitimada desde su tono clásico, construida desde la perfecta carnadura de los dos personajes centrales (Somerset y Mills) y de un secundario al que no debería tomarse a la ligera (la esposa de Mills). Conclusión de esta idea: el asesino cobrará protagonismo en la última parte, en ese extraordinario segmento final en donde el desierto, una camioneta y una caja (no vacía) completarán la apoteosis del horror más extremo e insoportable.

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9/09/2016

14 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LA ADICCIÓN” DE ABEL FERRARA

VAMPIROS FILOSÓFICOS

Por Gustavo J. Castagna

¿Cuáles habrán sido los motivos por los que el iracundo y genial (en muchas ocasiones) Abel Ferrara se interesó por un film sobre vampirismo?

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¿Habrá sido la mano de su guionista, el ultracatólico Nicholas St. John, habitual colaborador del cineasta nacido en el Bronx? ¿Acaso las ideas aportadas por su productora Annabella Sciorra, también presente en la película en un breve pero importante rol como actriz?

¿O todo se deberá a los fantasmas que caracterizan al cine del realizador, teñido de violencia, sangre, drogas, culpas y redenciones?

La cuestión es que LA ADICCIÓN es el viaje que Ferrara emprendió a las raíces del género (es decir, a las yugulares) pero que, a través de su particular mirada sobre el tema del vampirismo, se convierte en un pretexto para describir un mundo donde el ser humano se ve devastado, frágil, inestable en su mismísima condición.

Ferrara concibió LA ADICCIÓN entre la visceral e incómoda SNAKE EYES / JUEGOS PELIGROSOS (el mejor trabajo en cine de Madonna) y la oscura y genial EL FUNERAL, es decir, en ese período en donde el director dejaría sus mejores películas, dentro de un carrera iniciada en los años 70 con la violentas DRILLER KILLER y ÁNGEL DE VENGANZA, que luego continuaría con tres títulos extraordinarios: CHINA GIRL / SUBURBIOS DE MUERTE (particular visión del mito de Romeo y Julieta), EL REY DE NUEVA YORK (con  el gran Christopher Walken) y UN MALDITO POLICÍA (con un Harvey Keitel cocainómano al margen de la ley y coqueteando con Dios y la culpa).

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31/08/2016

13 DE SEPTIEMBRE – “MIRADAS FUGACES” MUESTRA DE CORTOS DE LOS ALUMNOS DE CINE DEL CIC

El Martes 13 de Septiembre se llevará a cabo en el  CIC la Muestra de los trabajos realizados por los alumnos de segundo año de la Carrera de Realización Integral de Cine y Tv durante el primer cuatrimestre del año.

A las 14:15hs en el Teatro del CIC se proyectarán los cortometrajes de 2AMR  y a las 18:30hs en el Set 3, los de 2ANR.

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28/08/2016

7 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “REC” DE JAUME BALAGUERÓ Y PACO PLAZA

PABLO… ¿QUÉ COÑO ES ESTO?

Por Gustavo J. Castagna

Pablo es una cámara en mano, un espacio off que registra, observa, mira y respeta las indicaciones de  Ángela Vidal (Manuela Velasco), reportera con micrófono en mano de un programa televisivo nocturno, destinado a cubrir las vivencias de un grupo de bomberos en un destacamento.

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La hermosa Ángela, sonrisa permanente y presta para la labor, convivirá en ese espacio durante un corto tiempo, ya que la alarma se escucha en medio de la noche y la emergencia está a la vuelta de la esquina o a unas cuadras de distancia.

Parece que surgieron problemas en un viejo edificio, y claro, los bomberos siempre deben estar listos según el reglamento.

Pues bien, allí ocurrirán sucesos inesperados, uno detrás de otro, misteriosos en sí mismos y de difícil explicación, aun para los moradores del lugar: una madre con su hija pequeña (Jennifer, nombre de personaje acorde al género de terror), una pareja de ancianos, una familia de origen chino, un señor que preocupado por la cámara (es decir, Pablo), otros habitantes del edificio, algunos superiores de la policía, los bomberos recién llegados, la dulce Ángela y hasta nuevos personajes que irán arribando a ese espacio inquietante enviados por el Ministerio de Salud.

A casi una década de su gestación, REC es un clásico del espanto más visible, una conformación perfecta de gritos, exclamaciones, ruegos, sonidos extraños, otros violentos, pasillos dignos de temer, secretos a revelar. O no. (más…)

27/06/2016

30 de Junio – Muestra de Cortos de los Alumnos de Cine del CIC

El jueves 30 de junio a las 14:20hs se llevará a cabo en el  CIC la Muestra de los trabajos realizados por los alumnos de primer año de la Carrera de Realización Integral de Cine y Tv durante el primer cuatrimestre del año.

La programación contará con Videominutos y  Cortometrajes. 

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9/10/2015

14 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “GRIZZLY MAN” DE WERNER HERZOG

ÚLTIMO VIAJE AL FIN DEL MUNDO

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, la travesía final del título no la emprenderá Herzog, quien sigue viajando de acá para allá entre documentales y ficciones, sino el verborrágico e inquieto ecologista Timothy Treadwell, a plena euforia por los parques nacionales y las reservas en Alaska. Su cariño por los osos pardos y la forma en que se contactó con ellos, siempre con la ayuda de su novia con la cámara en mano, lo llevó a visitar en trece ocasiones el hábitat de los plantígrados, con tanto amor y entusiasmo por los gigantescos animales y tanta pasión por el riesgo y la aventura, que el desenlace en el viaje final, a más de uno que conocía al personaje, sorprendería poco y nada.

HHH -GRIZZLY MAN  CIC BLOG

Es que Treadwell era un personaje muy parecido a Herzog, y también, al Kinski de las demenciales aventuras en conjunto entre director y actor. Treadwell va más allá de lo legal y permitido, violando reglas, omitiendo que tal vez su contacto con los peligrosos osos pardos pudiera terminar como realmente ocurriría en el viaje número trece. Con esos materiales registrados por los novios aventureros, más de cien horas de duración, una serie de entrevistas a individuos que conocieron a Treadwell y la voz en off y presencia de Herzog en imágenes, sumado claro está, a los movimientos lentos y parsimoniosos de esos animales de miles de kilos, desde esa concepción mínima, surgiría un gran documental como GRIZZLY MAN, premiado en festivales y exhibido por primera vez en el prestigioso Festival Sundance.

Curiosidades o no tanto, buena parte del presupuesto le correspondió a Discovery Docs, uno de los brazos empresariales de Discovery Channel. Pero se está muy lejos de un obvio registro en imágenes sobre las vidas de unos osos con un pelaje determinado: GRIZZLY MAN es un trabajo de Herzog desde el principio al final, en donde se refleja el fanatismo desmesurado de un hombre que decidió inmolarse y ser devorado por un animal. Pero también, por suerte, el morbo explícito nunca dice presente en el documental: a Herzog le interesa más hablar con una ex pareja de Treadwell, ver las imágenes y escuchar al personaje en más de una ocasión, recorrer con su cámara los lugares visitados por el hiperquinético y voraz ecologista. En ese punto, un personaje  sorprende por sus declaraciones y debido a la forma en que cuenta cómo llegaron los restos de Treadwell a su “mesa de trabajo” Efectivamente, se trata de quien se encargó de la autopsia final: la vida y la muerte según Hergog desde la perspectiva del sepulturero/científico que tiene más de una cercanía con aquellos brujos de las tribus amazónicas de FITZCARRALDO y COBRA VERDE.

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15/05/2015

20 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “El Gran Hotel Budapest” de Wes Anderson

ÉRASE UNA VEZ EN ZUBROWKA…

Por Gustavo J. Castagna

Las libertades formales y temáticas que transmite el cine de Wes Anderson dentro de un sistema acotado y restringido debido a reglas establecidas de antemano (léase: Hollywood) por las decisiones de hombres de negocios dedicados al cine (y no a la inversa) estallan definitivamente en su último opus hasta estos días. No es que EL GRAN HOTEL BUDAPEST sea la obra maestra de su director; en ese sentido, están aquellos fanáticos y admiradores que prefieren RUSHMORE, otros MOONRISE KINGDOM y muchos más LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUM (el antes y el después en la carrera del realizador), pero resultaría casi inapropiado omitir a esta fábula que transcurre en cuatro épocas distintas y que tiene como centro narrativo a las interminables instalaciones del hotel al que alude el título.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - EL GRAN HOTEL BUDAPEST - WES ANDERSON - CIC BLOG

Es que Anderson aclara otra vez aquello que ya estaba presente en sus títulos anteriores: una añoranza por un pasado entre aristocrático y disfuncional desde el punto de vista familiar, la ausencia de una figura paterna original que debe ser sustituida, la concreción de un mundo intransferible y personal con la mirada del cineasta colocada entre una zona difusa donde conviven la extrañeza y la delectación por ese universo. En cuanto a aspectos formales y decisiones narrativas, Anderson retorna al uso de la voz en off de características corales y a esos ya clásicos movimientos de cámara de concepción geométrica, como si su herramienta de trabajo fuera un compás escolar desde el cual va delimitando y construyendo espacios y atmósferas acordes a ese mundo personal y a ese sistema narrativo que se asemeja a un conjunto de muñecas rusas, es decir, escarbando una y otra en un mismo lugar pero con la intención de provocar la sorpresa infinita del espectador.

Zubrowka es la república imaginaria, Budapest el espacio físico y el conserje M. Gustave (Ralph Fiennes) y el sumiso botones Zero Moustafa (Tony Revolori) las dos criaturas titiritescas que gobiernan un paisaje determinado desde el protagonismo pero que dejarán espacio y tiempo a otros personajes, muchos personajes, encarnados por notables intérpretes aun en roles menos que secundarios: Jeff Goldblum, F. Murray Abraham, Harvey Keitel y entre otros, los infaltables Jason Schwartzman y Edward Norton. (más…)

8/05/2015

13 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Moonrise Kingdom” de Wes Anderson

UN GRAN AMOR PRE-ADOLESCENTE

Por Gustavo J. Castagna

La clave está en los primeros minutos de MOONRISE KINGDOM. La clave, el secreto, las obsesiones estilísticas y temáticas de un director en relación a sus historias y personajes. Movimientos geométricos con la cámara, planos cerrados, travellings, criaturas estáticas o en movimiento, uso particular del color, coto cerrado: es el mundo de Wes Anderson, la clásica comunidad que parece perdida en el tiempo oponiéndose a un mundo ajeno que no muestra su cara. Forma y contenido que se fusionan en esos instantes iniciales y que aclaran por donde se encarrillan sus manías y taras. Por dónde va su puesta en escena y visión del mundo.

ANDERSON ANDERSON FINCHER -MOONRISE KINGDOM  - WES ANDERSON - CIC BLOG

Sam y Suzy, dos chicos de 12 años podrían ser los únicos amigos de Max, el chico de 15 años de RUSHMORE. Podrían estar en aquella academia y así transmitir consejos a aquel rey exitoso y extracurricular en su afán por enamorar a la profesora de kindergarten. Pero Sam (Jared Gilman) y Suzy (Kara Hayward) viven en una isla de Nueva Inglaterra (noreste de Estados Unidos), sus días transcurren en 1965 y la comunidad tiene sus reglamentos, o en todo caso, su modo de observar el estado de las cosas. Esa forma de vivir del pueblo se verá alterada con el amor, el primer amor, el beso inicial, el comienzo de una relación, entre el huérfano Sam y la niña Suzy, hija de un matrimonio apático (Bill Murray, Frances McDormand), abogados ambos y más que distantes en el plano afectivo. El abanico de personajes se completa con el sheriff de buen corazón (Bruce Willis) y el líder de la tropa de los scouts Khaki (Edward Norton) y, en la última parte del film, a través de una representante “legal” (la estupenda Tilda Swinton) y una breve aparición de Jason Schwartzman (no podía faltar, claro), protegiendo a los niños enamorados.

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30/04/2015

6 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Rushmore” de Wes Anderson

UNA ACADEMIA MUY PARTICULAR

Por Gustavo J. Castagna

¿Es una comedia? ¿Negra o gris, sofisticada o minimalista, gestual antes o física, irónica y de discurso indirecto o una que apunta a la carcajada y a la risa estentórea? Es eso y mucho más el segundo largometraje de Wes Anderson, aplicado y perfeccionista desde su opera prima (BOTTLE ROCKET, 1996) con tal de construir historias, personajes, climas y situaciones que no se parezcan a una comedia standard, regida por reglas establecidas y fórmulas preconcebidas de antemano.

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Para sorprender tan tempranamente, Anderson describe a un personaje límite como el de Max Fisher (el seco y adusto, brillante como siempre, Jason Schwartzman), alumno imperfecto de la Academia Rushmore, al frente de emprendimientos y concreciones extracurriculares y, al mismo tiempo, uno de los peores ejemplos históricos del prestigioso establecimiento. Pero si el paisaje que demarcan las fronteras de ese paraíso universitario es en buena parte gobernado por el torpe Max, el trípode se completa con Mr. Blum (Bill Murray, cuando todavía era un comediante original, acaso el mejor de su generación) y la bella profesora Miss Cross (Olivia Williams, de origen británico). El punto de inflexión de RUSHMORE es el amor que Max (15 años) siente por Miss Croos, pero también, la forma particular en que se maneja Mr. Blum en medio de esa hipotética pareja, ya que el millonario y malhumorado personaje, padre de dos hijos a los que odia, tampoco puede disimular su deseo hacia la profesora de pequeños alumnos.

Presentada así, RUSHMORE puede confundirse como otra película más que transcurre en una escuela de alto poder económico con tres personajes que establecen un trío con ansias románticas. Sin embargo, Anderson corre el velo de las convenciones narrativas para proponer un relato de capas superpuestas donde se materializa el humor con la tristeza teñida de melancolía, los momentos inesperados (especialmente a cargo de Mr. Blum) con la amistad que se establece entre “un padre” y “un hijo” de características particulares, la descripción de un paisaje que parece detenido en el tiempo con el humor tan representativo del cineasta, ya pautado en su opera prima y recorrido, con subas y bajas, en su filmografía posterior.

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24/04/2015

29 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Perdida” de David Fincher

TE AMO, TE ODIO, TE AMO, TE ODIO

Por Gustavo J. Castagna

Amy y Nick no representan a una pareja feliz, como tampoco lo era el joven matrimonio de Pecados capitales, ni el millonario personaje de The Game, separado de su mujer y conviviendo con su engreísmo ombliguista sin pudor alguno. Hay pocas madres (y padres) en el cine de Fincher y los más recordados serían el personaje que encarna Jodie Foster en La habitación del pánico y la teniente Ripley, embarazada de la horrenda criaturita de Alien 3 y dispuesta al sacrificio y a la inmolación posparto como si se tratara de una Juana de Arco de ciencia ficción.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - PERDIDA - DAVID FINCHER - CIC BLOG

Tipo raro y particular Fincher con el tema de las parejas, la institución familiar, el confort, la seguridad obtenida a través de los años y la experiencia, el placer de estar rodeado de hijos. En oposición a todo ese mundo, que en cualquier momento se hace añicos, aparece el personaje de Kevin Spacey en Pecados capitales, una especie de ángel exterminador, moralista y triunfante en sus códigos morales, dispuesta a acumular cadáveres como si fuera Jack, el destripador jugando al ajedrez.

La caja que lleva la cabeza de la esposa del detective que encarna Brad Pitt es el hilo conductor que elige el director para opinar del matrimonio y la pareja. Pero, al mismo tiempo, Fincher nunca se había atrevido a mostrar tanto odio acumulado como se observa en la ciclotímica pareja central de PERDIDA.

En sus mejores y peores películas al cineasta siempre le interesaron las historias convencionales. Pero, a través de una mirada personal, recorrida por enigmas, opuestos puntos de vista, flashbacks y una exacerbada manipulación al espectador, esas convenciones narrativas (genéricas o no) se transforman en tramas extraordinarias y complejas de encontrar en el cine mainstream. El caso de PERDIDA, partiendo del best seller Gone Girl de Gillian Flynn, es uno de sus puntos más altos de su obra, siempre excedida en metraje pero seductora en las idas y vueltas del argumento y en la convivencia placentera del thriller policial con una feroz visión del matrimonio, junto a una contundente crítica a los medios de comunicación, sutiles aportes de humor negro y un macabro asesinato. (más…)

17/04/2015

22 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “The Game” de David Fincher

FELIZ CUMPLEAÑOS

Por Gustavo J. Castagna

El tema musical alucinógeno-hippie “White Rabbit” de Jefferson Airplane con la gran Grace Slick en la voz suena dos veces en el pesadillesco desarrollo argumental de THE GAME. La segunda vez, acompañando a los créditos finales, se escuchan completos sus tres minutos de brillante composición de letra y música. La pesadilla terminó, por lo tanto, y el engreído y solitario hombre de finanzas Nicholas Van Orton tiene la posibilidad de iniciar una vida afectiva con Christine/Claire luego de tremendos desatinos y peligros que lo colocaron ahí, a un pasito de la muerte.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - The Game de David Fincher - CIC BLOG

Justamente, cuando la película se estrenó en Buenos Aires en octubre de 1998, David Fincher era el director recordado por “Pecados capitales” (Seven), un gran éxito de taquilla que construiría un edificio cinematográfico de diez pisos –por lo menos hasta hoy- con sus subas y bajas. THE GAME, que se conoció en nuestro país con el redundante título de “Al filo de la muerte” fue otro ladrillo cinematográfico de alta calidad para que el nombre de Fincher ampliara su radio de acción (o de prestigio bien ganado).

Partiendo de la hipótesis que sería demasiado invasivo describir las motivaciones, las vueltas de tuerca y las sorpresas que presenta THE GAME desde la escritura del guión hasta su concepción en imágenes, puede sugerirse que la trama alude a otras pesadillas cinematográficas (por ejemplo, “Después de hora”, 1986, obra maestra de Martin Scorsese) donde se entremezcla la estética del absurdo con el género policial y una sutil crítica al poder del dinero junto a ciertas culpas que carga con su pasado el atribulado Nicholas Van Orton (excepcional Michael Douglas aprovechando al máximo su hieratismo actoral). (más…)

10/04/2015

15 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Zodíaco” de David Fincher

BIENVENIDA AMBICIÓN

Por Gustavo J. Castagna

La mejor definición que puede hacerse al analizar el cine de David Fincher se relaciona con su mirada personal, teñida de ambición y omnipotencia (sea temática y/o formal), que trasuntan unas historias ubicadas en las ambiguas zonas periféricas que caracterizan a los géneros. Es decir: el cineasta construye relatos policiales, de terror y suspenso de ciencia ficción entremezclando códigos genéricos, pero siempre mirando hacia arriba, escalando hacia la novedad en lugar de descansar en rutinas y argumentos simplistas. Los resultados de su obra, por lo menos hasta ahora, no son impecables, pero siempre será bienvenido el riesgo antes que la repetición del gesto o la reiteración a través de la fórmula.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - ZODIACO de David Fincher - CIC BLOG

La larga experiencia de Fincher en el terreno del videoclip (casi cuarenta trabajos entre 1985 y 1993) sirvió como vehículo de conocimiento, más allá del heterogéneo abanico de nombres relacionados a la música sintetizados en pocos minutos (Madonna, Roy Orbison, Ry Cooder, Paula Abdul, Aerosmith, Michael Jackson). Uno de los últimos clips de ese período fue “Love is Strong” con los Rolling Stones en blanco y negro, gigantescos y superando las alturas de los edificios, expresándose por medio de un tema musical que pegó fuerte en todo el mundo, incluyendo a nuestro país al momento de la primera visita del cuarteto eterno. El gigantismo visual y sonoro de los Stones encaja perfectamente en el cine de Fincher: sus películas son ambiciosas, extensas, llenas de vueltas de tuerca, cargadas de ideas sobre el género que, al mismo tiempo, se deciden por un camino inesperado. Así son ALIEN 3; PECADOS CAPITALES; LA HABITACIÓN DEL PÁNICO; EL CLUB DE LA PELEA; THE GAME; EL EXTRAÑO CASO DE BENJAMÍN BUTTON; LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO; RED SOCIAL y su último opus hasta hoy, PERDIDA. Así es la más que inquietante, estupendamente narrada y sólidamente actuada ZODÍACO, otra inserción de Fincher en el género policial o, en todo caso, en las posibilidades infinitas que puede ofrecer una historia en común observada desde diferentes flancos.

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1/04/2015

8 DE ABRIL – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – ANDERSON + ANDERSON + FINCHER – “PETRÓLEO SANGRIENTO” DE PAUL THOMAS ANDERSON

POZOS Y HOMBRES AMBICIOSOS

Por Gustavo J. Castagna

Así como BOOGIE NIGHTS construía su relato a través del pasaje de una década a otra y SYDNEY (1997), opera prima del realizador, fluctuaba entre el film de cámara y una historia convencional con personajes extraordinarios, PETRÓLEO SANGRIENTO, título número cinco de su creador, explora en una trama de ambiciones, triunfos, derrotas y una transparente confrontación de ideas entre dos universos en pugna que aclaran, por si fuera poco, la re-fundación de un país como los Estados Unidos en los inicios del siglo XX. Uno de los dos films de Anderson de mayor ambición, como luego mostraría en la posterior THE MASTER (2010), ahora la trama se sumerge en la bendita y espesa conformación de hidrocarburos y agua, allá a principios de aquel siglo, tal donde se ubica la novela original de Upton Sinclair, publicada en 1927.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - Petróleo sangriento - CIC BLOG

Daniel Plainview (el impresionante y camaleónico Daniel Day-Lewis) llega a la cima como magnate del petróleo luego de excavar y excavar, como se lo observa en la gran secuencia inicial, unos veinte minutos a pleno silencio transmitidos a través del contacto del hombre con la naturaleza o del hombre histórico comprendido desde el máximo estadio de ambición, deseo y omnipotencia. Plainview tiene un hijo, que será protagonista de otro momento trágico e inolvidable del film, pero el enemigo de su progenitor, la opinión opuesta y al mismo tiempo el complemento ideal, será el carismático pastor pentecostés Eli Sunday (Paul Dano), exhibido por Anderson como el símbolo de la luz frente a la oscuridad satánica y agnóstica que encarna el inquieto experto en perforar la tierra.

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27/03/2015

1 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Sidney” de Paul Thomas Anderson

UNA DE APOSTADORES

Por Gustavo J. Castagna

El riesgo de las operas primas se traduce en que un realizador desea incluir sus obsesiones formales y temáticas, su visión del mundo, su conocimiento con la cámara y sus mambos, taras, códigos y constantes en ese film inicial. Luego, con el devenir de su obra, queda poco y nada para decir o agregar a lo ya concebido en su opus primero.

Seminario de Cine ANDERSON + ANDERSON + FINCHER - Sidney - CIC BLOG

SIDNEY ó HARD EIGHT SIDNEY (1996), el comienzo de la carrera de Paul Thomas Anderson, a diferencia de muchas películas iniciales de un cineasta, reserva más de lo que ofrece, o en todo caso, expone lo necesario, y resulta más que suficiente, al contar una historia policial con cuatro personajes centrales y varias escenas estupendamente resueltas por la mano del director, quien logra construir un clima de agobio y de pesadumbre melancólica en medio del despliegue de luces de neón, ruletas y miles de maquinitas tragamonedas que caracterizan al imperio del juego ubicado en Las Vegas.

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20/03/2015

25 de Marzo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Boogie Nights” de Paul Thomas Anderson

RETRATO DE ÉPOCA

Por Gustavo J. Castagna

Una película como BOOGIE NIGHTS de Paul Thomas Anderson, luego de su excelente opera prima Sidney y antes de Magnolia, le hace muy bien a la historia del cine. En realidad, la aparición de PTA, en medio de un sistema adocenado y casi predigerido y dirigido a un target de público, convirtieron al director en una personalidad esencial de los últimos años.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - Boogie night

Son solo siete películas hasta hoy, las tres citadas y Embriagado de amor (Punch-Drunk Love), Petróleo sangriento, The Master  y Vicio propio (Inherent Vice), estreno en salas comerciales del próximo jueves, pero más que suficientes para conformar una obra sólida, alejada de las cuestiones más transparentes de la “autoría”, pero al mismo tiempo, constituyendo una filmografía invadida por ideas originales, también invocatoria de otros cineastas (Scorsese, por ejemplo), de una inagotable catarata de secuencias de montaje difícil de encontrar en el cine de estos días.

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7/10/2013

9 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO – Copia certificada (2010) de Abbas Kiarostami

UN GRAN AMOR EN TOSCANA

Por Gustavo J. Castagna

Al gran Abbas Kiarostami, uno de los nombres esenciales del cine contemporáneo, siempre le gustó mostrar a gente andando en auto por determinados paisajes. Aquellos extensos planos secuencia de El sabor de la cerezaClose-up y la más cercana Ten ofrecían semejante postura sobre las historias –mínimas y extraordinarias- y los personajes- uno, dos o tres-, valiéndose de pocos elementos, con una puesta en escena que recurría al despojamiento y a la extrema austeridad. Lo fundamental de aquel Kiarostami, o del anterior, ya que empezó a filmar en los inicios de los 70, se corrobora en COPIA CERTIFICADA, una de las mejores películas que se concibieron en la primera década del nuevo siglo.

COPIA CERTIFICADA de Abbas Kaiarostami

La referencia cinematográfica es transparente y enfática: el director iraní fija la atención en VIAJE POR ITALIA (1955) de Roberto Rossellini, film moderno y actual donde se cuenta la travesía de un matrimonio en crisis –Ingrid Bergman y Georges Sanders- divagando por las calles de Pompeya, donde el director italiano se valía de silencios, planos secuencia y una delicada fusión entre paisajes y personajes para articular un discurso sobre la pareja. En este film, en su momento celebrado por la redacción de Cahiers du Cinéma a través de la maravillosa pluma de Jean-Luc Godard, Rossellini recurría a pocos elementos para describir un universo en crisis que encuentra una dosis de esperanza cuando se desentierran los restos fósiles de una pareja que murió abrazada dos mil años atrás.Con semejante espejo referencial, Kiarostami ubica la acción en la región de Toscana, jamás mostrada como motivación turística para la exacerbación del director de fotografía.

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