Posts Tagged ‘Seminario de Cine en el CIC’

26/05/2017

31 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL CAZADOR DE WOLF CREEK” DE GREG MCLEAN

SE VINO LA NOCHE…

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la mitad de los 70 y hasta una década más tarde el cine australiano se ubicó como uno de los más relevantes y originales, no solo para el crítico sino también para un público adicto que reconocía temas, directores y actores jóvenes que luego llegarían a las grandes ligas de la industria estadoudinense (Mel Gibson sería el ejemplo más notorio)

10 - SEMINARIO el cazador - copia

Películas dirigidas por Peter Weir (en primer lugar, claro) y detrás de él Donald Crombie, Bruce Beresford, Colin Eggleston, entre otros, sin olvidar al gran George Miller (Mad Mad y Mad Max 2 en ese contexto) fueron los representantes de una novedosa puesta en escena en donde la naturaleza, los desequilibrios climáticos, una lectura apocalíptica sobre el mundo, el misterio y el cruce de culturas y etnias gobernaron una década de cine en salas y festivales. Sin necesidad de recurrir a lo numérico y a la abundancia de títulos, como síntesis de una época intransferible, sugiero ver este puñado de películas: Picnic en las rocas colgantes, La última ola, Galipolli, El plomero, Te llamaré Caddie, las citadas Mad Max, La fiesta de Don, Después de la emboscada.

Pero el sueño australiano terminó rápido por diferentes motivos, entre otros, la ida de directores y actores a Hollywood (Weir, Beresford, Gibson) y la decisión de productores británicos apañados por un sistema por imponer reglas con tal de aplastar a aquel cine original. En efecto, no es que el cine australiano dejó de hacerse en las décadas siguientes pero ocurre que ya no tiene aquella difusión vía festivales ni tampoco un peso esencial dentro del negocio de la imagen. Además, otras cinematografías de otros países (ay, las modas) fueron reemplazando a los desiertos interminables de la geografía australiana.

De vez en cuando aparece alguna película más que interesante no solo por retomar algunos tópicos de los 70 y 80 germinados en Australia sino también porque condice con ciertos elementos temáticos y formales (terror, suspenso, truculencia, fusión perfecta entre naturaleza y personajes) que apelan al mejor de los recuerdos de aquellas imágenes de antaño.

Uno de esos films es EL CAZADOR DE WOLF CREEK (2005), opera prima de Greg McLean, fenomenal éxito en su país y en el exterior y acabado ejemplo que mira al pasado para certificar un presente venturoso. En realidad la historia de Wolf Creek (título original) refiere a un paisaje y a un cráter que desean conocer tres jóvenes (dos mujeres y amigas, un hombre), curiosos en sí mismos, con ganas de matar el tiempo y aprovechar las “bondades” de la naturaleza y los parajes desérticos. Pero en sus vidas se cruzará un extraño sujeto, un morador del lugar o cercano al cráter, un gigantón temible que daría la impresión que nació en medio de ese paisaje interminable con mucho polvo, carreteras perdidas, animales nocturnos y canguros matutinos y vespertinos.

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19/05/2017

24 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “MUERTOS DE MIEDO” DE PETER JACKSON

MADRE HAY UNA SOLA

Por Gustavo J. Castagna

Excesiva, paródica, demencial, sanguínea, extremadamente burda y violenta, simpática y graciosa, elemental desde la narración pero con un par de entrelíneas interesantes. Berreta desde el aspecto formal, de postura clase B con efectos de los 90 hoy caducos y valiéndose de una propuesta alocada que no baja un segundo en mostrar tripas, caras destrozadas, elementos puntiagudos entrando a cuerpos, miles de litros de sangre, baldazos de pus, adrenalina pura.

9-SEMINARIO Película A3 MUERTOS DE MIEDO - CIC BLOG

El cóctel lo preparó Peter Jackson saliendo de Bad Taste / Mal gusto (1987) y Meet the Feebles (1989) ahora ingresando en la hora y cuarenta de BRAINDEAD / MUERTOS DE MIEDO (1992) (no estrenada en cines por acá), cuando aun el cineasta nacido en Nueva Zelanda (en 1961) ni soñaba con Frodo, Legolas, King Kong o los orcos.

BRAINDEAD plantea una serie de enigmas dentro del género aun cuando se trate de un ejemplo de tono farsesco, precario en sus intenciones y construido para el deleite de aquel espectador adolescente de inicios de los 90 o destinado a los adultos que consumen o consumian Fangoria u otros magazines adictivos al género en su vertiente más zarpada.

Esos enigmas condicen con los cambios que había impuesto Sam Raimi dentro del género años antes de BRAINDEAD, a través de su díptico Diabólico y Noche alucinante (en 1992 se sumaria El ejército de las tinieblas) y la relectura gestada por el futuro director de El hombre araña en relación a La masacre de Texas (El loco de la motosierra) del Tobe Hooper setentista.

En efecto, mientras Raimi se valía de la steadycam parida por Kubrick en El resplandor, necesitado de cortar en pedazos a zombies que aterraban y acosaban a su protagonista (el gran Bruce Campbell), en esos iniciales 90, el gordo y desaliñado Peter Jackson toma la posta y construye su propio díptico (Bad Taste y BRAINDEAD) en donde convergen y fusionan el slasher, el gore, la parodia y el film de encierro al estilo Carpenter vía Halloween y La niebla.

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12/05/2017

17 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “AUDITION” DE TAKASHI MIIKE

KIRI… KIRI… KIRI…
Por Gustavo J. Castagna
Bienvenidos a la zona más demencial y esquizofrénica del seminario, al sector más impensado en donde se procesa la locura, al aspecto menos cómodo para conceptuar determinada película como si fuera una afín al género de terror.

8-Seminario Audition A3 - CIC BLOG+

Bienvenido al mundo de Takashi Miike y a las turbulencias genéricas que se combinan en su extensísima, despareja y ciclópea obra audiovisual que, entre largos, mediometrajes, videos y emprendimientos colectivos, por lo menos hasta hoy, supera el ¡centenar! de títulos. Cifra que sorprende más cuando se descubre que el sujeto tiene 57 años pero que resulta comprensible si se comprueba que en 1999, año de AUDITION, el cineasta asiático filmó ¡7 películas!

Bienvenidos al desmadre genérico, a la conformación de un corpus difícil de definir en pocas palabras ya que la historia va y viene del melo familiar al relato romántico, de la comedia sin demasiadas pretensiones a la tristeza que pauta la vida de un padre viudo (Ryo Ishibashi) con un hijo adolescente.

Bienvenidos a una construcción perfecta de climas sinuosos e inquietantes que se anuncian de manera pausada, nada efectista, donde cada plano parece armado acorde a ese momento genérico que la historia transita con sumo placer. De allí que la audición, sugerida por un amigo del personaje central reúne momentos festivos, veloces a través del montaje, eficaces porque transmiten sonrisas a los dos hombres que miran con atención (o no) a las jóvenes postulantes.

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9/05/2017

10 DE MAYO – CHARLA CON MARCELO SCHAPCES SOBRE SU FILM NECRONOMICON EN EL CIC

El encuentro se dará en el marco del Seminario de Cine de Género “10 films antológicos de terror” dictado por Gustavo Castagna en la Sala de Teatro del CIC el miércoles a las 14:15hs. 

Luego de la charla se proyectará “En la boca del miedo” de John Carpenter. 

Entrada libre y gratuita con reserva previa a través de reservas@cic.edu.ar 

“Necronomicón: el libro del infierno” es una de las mayores apuestas del cine de terror argentino de estos últimos años. El film dirigido por Marcelo Schapces evoca el universo de uno de los grandes maestros universales del terror,  H P Lovecraft, trayendo sus criaturas de pesadilla a Buenos Aires.

El elenco está compuesto por Diego Velázquez (“Kryptonita”, “La larga noche de Francisco Sanctis”), María Laura Cali, Victoria Maurette, Nico García, Claudio Ferraro, Claudio Martínez Bel y Claudio Da Passano, y cuenta con las participaciones especiales de Cecilia Rossetto, Daniel Fanego y Federico Luppi.

Producida por Barakacine (Luca, Pájaros Volando, Juan y Eva), NECRONOMICON es un proyecto que ha llevado varios años concretar y será seguramente un aporte importante al incipiente y cada vez más numeroso cine de género en la Argentina, con una innegable proyección internacional.

La dirección de fotografía es de Marcelo Mangone, la dirección de arte de Mica Sleigh, el diseño sonoro de Fernando Soldevila, la edición de Nicolás Goldbart, la producción ejecutiva de Valeria Bistagnino, y la música de Pablo Borghi.

SINOPSIS

Dieter, un hombre sin edad, protege desde hace siglos al Necronomicón, el libro maldito, para que no sea abierto y conjurado, y así evitar que el Mal se adueñe del planeta.

Un ejemplar del libro descansa, oculto, en la Biblioteca Nacional de Buenos Aires. La misteriosa muerte de Dieter lleva a Luis, un simple bibliotecario, a enfrentarse con las fuerzas que acechan al libro, mientras la ciudad parece corroída en un clima apocalíptico. 

5/05/2017

10 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EN LA BOCA DEL MIEDO” DE JOHN CARPENTER

En este encuentro además se llevará a cabo una charla sobre la realización del film  “Necronomicón-El libro del infierno”con su director Marcelo Schapces. 

HOBBE’S END, UN VIAJE SOLO DE IDA

Por Gustavo J. Castagna

Los años 70 y 80 habían mostrado al mejor Carpenter y a un cineasta esencial de casi dos décadas. Con obras maestras, grandes films, películas que marcaron un antes y un después, títulos que refundaron a géneros en su postura clase B o no, imágenes únicas e irrepetibles que pertenecen a la gran historia del cine, apresadas para la eternidad por el cinéfilo, defendidas por el crítico más exigente y con un espectador que reconocía a un autor con un universo personal e intransferible.

7-En la boca del miedo cic blog

Allí están Asalto a la prisión 13, Halloween, La niebla, Fuga de Nueva York, Sobreviven, El príncipe de las tinieblas, los tv movies Alguien te está mirando y Elvis, la relectura genial del clásico clase b de los 50 en The Thing (El enigma de otro mundo), la precaria y simpática Dark Star, la adaptación de Christine sobre Stephen King.

Aunque nunca me fanaticé con Starman y Rescate en el Barrio Chino, aquellos títulos citados reafirman el concepto: Carpenter fue un cineasta extraordinario durante una década y media.

Los 90 arrancarían medio a los tumbos con Memorias de un hombre invisible (que solo vi una vez y en su momento) hasta que, contra todos los pronósticos, el viaje terrorífico, cinematográfico y literario hacia el corazón de un pueblo llamado Hobbe’s End convertirá a EN LA BOCA DEL MIEDO en uno de los mejores films del director y también de la década.

En efecto, la travesía que emprende Trent (brillante San Neill) a la búsqueda del escritor Sutter Crane (Jurgen Prochnow) condice con la época y las relaciones ¿carnales? entre el cine y la literatura (por allí se cita a Stephen King, porqué no a Clive Barker) pero también, desde la elección de la puesta en escena y la exhibición de monstruos sin forma, el fantasma de H. P. Lovecraft dice presente en más de una oportunidad.

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28/04/2017

3 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “MÁRTIRES” DE PASCAL LAUGIER.

SALPICÓN DE SANGRE
Por Gustavo J. Castagna
Mejor que las cosas resulten claras desde un principio: desconocía de la existencia de MÁRTIRES (2008) hasta hace algunos meses y casi seguramente oculté el desinterés por verla en el soporte que fuera, en la computadora o hasta en algún festival (Bafici o Mar del Plata) o muestra dedicada al género.

6-SEMINARIO Película A3 martires 4 - CIC BLOG

Pero ese desinterés culminó hace menos de un mes –reitero menos de treinta días atrás- cuando vi la película por un par de razones: 1) integra el seminario dedicado al género, 2) había llegado el momento de cumplir con la deuda, es decir, encontrarse con esa acumulación de sangre, torturas, golpes y sadismo al que conocía por notas y textos, a favor y contra, pero no debido a la hora y media que dura esta particular obra límite de la resistencia del espectador a cargo de Pascal Laugier.
Eso sí, había leído bastante sobre el film cuando aún no andaba con ganas de verlo. Pese a eso, me metí de lleno con esta tendencia del cine francés por apropiarse de las raíces más sanguinolentas del género. Calvaire (2004), Frontiere(s) (2007), Haute tensión (2003) (conocida por acá como Alta tensión al momento del estreno) y L’interieur (2007) parecen ser los antecedentes mejores o desmejorados de este film demencial, de esta historia pletórica de sangre y violencia, repleta de escenas truculentas que, por momentos, dejan al término “gore” como algo inválido e ineficaz, o en todo caso, solo a la altura de un latiguillo periodístico y nada más que eso.

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21/04/2017

26 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL BEBÉ DE ROSEMARY” DE ROMAN POLANSKI.

DIOS HA MUERTO…
Por Gustavo J. Castagna
Algunas razones por las que EL BEBÉ DE ROSEMARY sigue siendo una obra maestra.

5-SEMINARIO Película A3 EL bebe de rosemary - CIC BLOG

1.Porque se trata de una de las grandes películas de la historia del cine que marcó un antes y un después, un corto violento y certero como el filo del cuchillo que tiene Rosemary al acercarse a la cuna negra para ver por primera vez a su bebé que llora y llora. EL BEBÉ DE ROSEMARY, estrenada en 1968, es decir, a casi ¡50 AÑOS!, sigue siendo un film moderno y clásico, experimental y narrativo, excelso en su trabajo con el fuera de campo, con el off que oprime e intranquiliza, con esas voces detrás de las paredes que pertenecen a un pasado. ¿A un pasado?

2.Porque catapultó a la fama al autor (Ira Levin) de la obra original (La semilla del diablo) y construyó para la memoria del cine dos horas de terror satánico que no se ve pero se intuye, que no se observa pero se percibe, que no se presenta en primer plano pero se palpa, se roza, se inmiscuye en la privacidad de Rosemary y Guy, esa joven pareja feliz que se hospeda en el hermoso y amplio departamento neoyorquino.

3.Porque su genial director Roman Polanski alcanzaría una de sus cimas como creador junto a otros títulos anteriores y posteriores: Cul de Sac, El cuchillo bajo el agua, Repulsión, El inquilino, Barrio Chino, Perversa lunade hiel, o a través de films más discutibles pero importantes: La danza de los vampiros, El escritor oculto, Búsqueda frenética, Macbeth, dentro de una trayectoria de más de medio siglo que agrupa obras maestras, relevantes, olvidables y descartables. Pero el pack estético de Repulsión, El bebé de Rosemary y El inquilino, que se expresa a través del miedo al miedo y de aquello que va cobrando interés a medida que transcurren los relatos, hasta estos días y para siempre, conforman una trilogía extraordinaria y un terceto de títulos imbatibles no solo para su director. (más…)

12/04/2017

19 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “TE SIGUE” DE DAVID ROBERT MITCHELL

¡AHÍ VIENE…. CUIDADO!

Por Gustavo J. Castagna

Fue uno de los mejores estrenos del 2014 y pasó casi desapercibido entre fatigadas actividades paranormales y films caseros herederos de aquella Bruja Blair. Pero TE SIGUE, segundo largometraje de David Robert Mitchell (The Myth of the American Sleepover, 2010), representa un aire renovador dentro del género de terror, acostumbrado en los últimos años a la búsqueda del impacto inmediato y al escamoteo del espacio off y del fuera del campo. Es decir, a aquella vieja prédica de “tenerle miedo al miedo” que por momentos parece haberse clausurado en tiempos cercanos.

4-SEMINARIO Película A3 TE SIGUE - cic blog

Pero vayamos de a poco: aun no da para armar una serie de festejos pero es innegable que a través de recientes títulos genéricos de terror se insinúan algunos bienvenidos cambios.

TE SIGUE encabeza un breve listado, por lo menos hasta hoy, que propone un retorno a las fuentes narrativas de los años 70 y 80, en especial, trazando un puente desde los mejores títulos del gran John Carpenter hasta los temas que le interesaban a Wes Craven, en especial, el de las  iniciales pesadillas de Freddy Krueger y la más que astuta Scream.

TE SIGUE es terror de bajo presupuesto pero sin la imperiosa necesidad de recurrir a las camaritas digitales sino apropiándose de travellings y panorámicas que remiten a la tradición setentista.

Representa, en más de un sentido, una especie de terror abstracto, que recurre a la insinuación antes que a la certeza para describir a una serie de climas inquietantes y a un virus como detonante del relato, al que se le desconoce su origen, dispuesto a acosar y perseguir a la adolescente Jay y al grupo de amigos.

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7/04/2017

12 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “UNA MUJER POSEÍDA” DE Andrzej Zulawski

LA ALUCINACIÓN AL PODER

Por Gustavo J. Castagna

Demencia, enajenación, locura, alucinación. Cualquiera de las cuatro palabras encajan a la perfección en las dos horas de UNA MUJER POSEÍDA del polaco Zulawski, aquel cineasta demente, enajenado, loco y alucinado que falleció hace algo más de un  año y que dejara un puñado de películas difíciles de clasificar en un género determinado.

3-SEMINARIO Película A3 UNA MUJER POSEIDA2 CIC BLOG

Esos años 70 y 80 del cineasta, con títulos como Lo importante es amar; La tercera parte de la noche y La mujer pública, junto a UNA MUJER POSEÍDA, entregaron su mejor cara, su rostro demencial, sus personajes desbordados desde lo emocional, su mirada polaca –pesimista, al borde del nihilismo- intentando comprender a otros marcos sociales (Francia, Alemania) o, porque no, buceando en esa geografías ajenas cómo transmitir su visión de ucraniano globalizado.

Si aquel territorio devastado de La tercera parte de la noche se extendía a la locura sin retorno que se manifestaba en el rodaje de una película en Lo importante es amar, el paisaje alemán en el que sucede UNA MUJER POSEÍDA sirve como hipótesis para –al menos- comprender pero volver a tensionar los comportamientos de sus particulares personajes.

Una pareja que se separa por una supuesta infidelidad de ella –la bellísima Isabelle Adjani y un joven Sam Neill antes de los dinosaurios de Steven S.-, un criatura horrenda, viscosa y babosa como protagonista secundario y algunos personajes satelitales (amantes, inspectores, vecinos del matrimonio) construidos desde la óptica apocalíptica de su director.

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31/03/2017

5 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL CONJURO” DE JAMES WAN

LA CASA NO ESTÁ EN ORDEN

Por Gustavo J. Castagna

A confesión directa: al momento del estreno de EL CONJURO (agosto de 2013) no confiaba ni un ápice en la previa de la película. Los encuentros anteriores con el cine del malayo Wan me habían resultado indiferentes: entre la pirotecnia histérica de El juego del miedo, con la excepción de algunos momentos logrados (luego convertidos en repetitivos a propósito de la interminable saga) y los homenajes sin vuelo al terror de los 70 en La noche del demonio, la puesta de escena de Wan me resultaba obvia, ruidosa, anticlimática, dirigida al target adolescente juvenil (tardío o no) que reclama una rápida edición, nada de construcción de relato y de personajes y sí una buena dosis de sadismo gratuito.

2-SEMINARIO Película A3 EL CONJURO - cic blog

Con esos prejuicios –un acierto es reconocerlos- la primera visión de EL CONJURO fue alentadora, original, extraña para aquellas presunciones anteriores.

La historia no sorprende ya que recae en la típica casa en medio del bosque ahora habitada por una pareja con cinco hijas. Tampoco, en una primera lectura, la trama presenta personajes atípicos (una familia, sus hijos, un grupo de especialistas en actividades paranormales). Más aun, el hecho de que casi todo el film transcurra en una casa canónica al género implica recordar a otras moradas parecidas y poco placenteras, en especial, buceando en el terror los años 70 (Carpenter, Craven, más tarde Tobe Hopper y su Poltergeist).

Pero el secreto de Wan y de EL CONJURO es que procesan los códigos de títulos genéricos de hace tres o cuatro décadas, los reinterpretan a su manera, los coloca en un nuevo punto de tensión a través de la conformación de situaciones y personajes apoyados por el guión y, a todo esto, le suma una serie de sustos y momentos inquietantes que complacen al adicto del terror y también a aquellos espectadores no tan voraces con esta clase de historias. (más…)

23/03/2017

29 DE MARZO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “SUSPIRIA” DE DARIO ARGENTO

COLOR, TERROR, COLOR, TERROR

Por Gustavo J. Castagna

Cuatro décadas ya tiene SUSPIRIA de Dario Argento, acaso el título clave en la obra del director y el film fundamental en la historia del giallo, el cine de terror gestado en Italia desde los 60 en adelante con el pionero Mario Bava.

Cuarenta años que se sienten más jóvenes que nunca debido a que SUSPIRIA no ha envejecido ni en un solo plano, más aun, ningún dejá vú teñido de conservadurismo se percibe en su hora y media, siempre supeditada a un trabajo minucioso y enfermizo con el color, con ese rojo intenso que adquiere un rol protagónico en casi todo su desarrollo.

1-Seminario Suspiria - CIC BLOG

Argento ya había construido su primera trilogía fílmica con EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL; EL GATO DE LAS NUEVE COLAS y CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS y su éxtasis formal con el zoom, la mezcla de thriller, suspenso y toques de terror aun no desaforados y extremos.

Dos años antes de SUSPIRIA realiza ROJO PROFUNDO (1975), su primera y más que eficaz inserción en el gore fusionado al arte gótico pero aun con grajeas narrativas que aludían a su trilogía de pájaros, gatos y moscas.

Por eso SUSPIRIA mira de lejos a aquellos thrillers para aferrarse a unos climas pesadillescos, abstractos, ajenos al realismo, a aquellas incursiones dentro del relato policial.

Argento filma una película demencial que toma como pretexto la llegada a Alemania de una futura alumna (Jessica Harper, presencia permanente en esos años: “Un fantasma en el paraíso” de Brian De Palma, por ejemplo) de una escuela de danza con particulares características. Celadoras, alumnas y alumnos, directoras, profesores y esa gente extraña a la que el director recurriría en más de una ocasión, esos individuos que parecen salidos de un cuento de hadas sin bosque pero con un  cuchillo bien afilado, serán los protagonistas de la trama.

¿Trama¿ ¿Relato? ¿Historia?

“Lo que me interesa del cine es la abstracción” dijo Orson Welles alguna vez.

Y semejante frase encaja perfectamente en SUSPIRIA, un manual de estilo, un ejercicio de la forma con un argumento como soporte, el triunfo del formalismo por encima de lo anecdótico. (más…)

17/03/2017

A PARTIR DEL 29 DE MARZO – NUEVO SEMINARIO EN EL CIC – CINE DE GÉNERO – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

10 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Por Gustavo J. Castagna

Llegó la hora de reivindicar al cine de terror. A un género bastante maltratado en los últimos tiempos debido a recetas, fórmulas y películas concebidas con solo un par de ideas interesantes. O solo una.

Llegó el momento de elaborar reflexiones sobre el mejor terror (psicológico, sangriento, satánico, efectista, efectivo, gore, sutil, entremezclado con el suspenso y el trance onírico) a través de un seminario y sus correspondientes presentaciones y charlas posteriores a las proyecciones.

Pues bien, el seminario está y el título es altamente contundente y representativo: 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR 

SEMINARIO A3 GENERAL - CIC BLOG

O 10 miércoles seguidos con films de diferentes orígenes, épocas, marcas estilísticas, temas, construcciones dramáticas, recursos.

Los convoco a que vengan el día de inicio (ya, este miércoles 29 de marzo) y contemplen una de las gemas del “giallo” italiano por medio de SUSPIRIA de Dario Argento y su paleta cromática al servicio de una historia con mucha sangre (y bien roja).

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26/08/2016

31 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “DÉJAME ENTRAR” DE MATT REEVES

SIN PERMISO PARA AMAR

Por Gustavo J. Castagna

Resulta curioso que una remake como DÉJAME ENTRAR esté a la altura de su original, en este caso, LET THE RIGHT ONE IN (Lat den rätte komma in), film sueco de 2008 de Tomas Alfredson.

Sorprende, y de buena manera, que dos años después de aquella historia original, el cine norteamericano emprendiera con rapidez la nueva versión de una historia de dos chicos de 12 años que se conocen por casualidad y que desde allí surge entre ambos la posibilidad de un amor precoz. Pero claro, contado así, parecería que se trata de un nuevo relato sobre el fin de la infancia y el comienzo de la adolescencia. En todo caso, los dos púberes, él solitario y castigado por sus compañeros, con la figura del padre ausente y una madre que se preocupa poco y nada, y ella, en tanto, la nueva vecina que llega con un extraño señor, con los pies descalzos en la nieve y una mirada intrigante y compasiva, entre ambos, como ocurría en la película original, surgirá una cálida relación afectiva que necesitará de sangre.

SEMINARIO Película A3 - dejame entrar 2 - copia

Efectivamente, la niña Abby (la extraordinario Chloe Grace Moretz) tiene más de los 12 años que invoca, muchísimos más, o en todo caso, como ella misma refiere: “hace demasiado tiempo que tengo 12 años”

Como primera lectura, DÉJAME ENTRAR encuentra el tono justo, sombrío y gélido, apartado geográficamente de una gran ciudad, reacio a la esquematización de una historia con una nena-vampiro de protagonista y un chico que encuentra en ella su otra mitad, aquella que el contexto y el entorno solo  provocan en él una serie de daños y humillaciones inexplicables.

Owen (Khodi Smith-McPhee) en un sujeto curioso, encerrado en su mundo, voyeur de ocasión, con amigos en la escuela que lo pasan por alto y con otros compañeros de colegio que no hacen otra cosa que demolerlo física y moralmente. Owen es el sujeto narrador de la historia y desde su mirada se empiezan a reconocer las características de Abby y de su acompañante, un falso progenitor que dedica su tiempo a buscar cuerpos para que la niña pueda saciar su deseo. Pero hay otro personaje interesante: un policía (personificado por el dúctil Elias Koteas), sujeto actuante en la primera secuencia que retoma protagonismo en la segunda mitad del film. En ese sentido, la narración de Matt Reeves invita al elogio: comienza su historia desde una escena posterior de la trama y, cerca de la mitad de la película, aclara al espectador por dónde seguirá el relato. (más…)

18/08/2016

24 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TE SIGUE” DE DAVID ROBERT MITCHELL

¡AHÍ VIENE…. CUIDADO!

Por Gustavo J. Castagna

Fue uno de los mejores estrenos del año pasado y pasó casi desapercibido entre fatigadas actividades paranormales y films caseros herederos de aquella Bruja Blair. Pero TE SIGUE, segunda largometraje de David Robert Mitchell (The Myth of the American Sleepover, 2010), representa un aire renovar dentro del género de terror, acostumbrado en los últimos años a la búsqueda del impacto inmediato y al escamoteo del espacio off y del fuera del campo. Es decir, a aquella vieja prédica de “tenerle miedo al miedo” que por momentos parece haberse clausurado en tiempos cercanos.

TE SIGUE CIC BLOG

Pero vayamos de a poco: aun no da para armar una serie de festejos pero es innegable que a través de recientes títulos genéricos de terror se insinúan algunos bienvenidos cambios.

TE SIGUE encabeza un breve listado, por lo menos hasta hoy, que propone un retorno a las fuentes narrativas de los años 70 y 80, en especial, trazando un puente desde los mejores títulos del gran John Carpenter hasta los temas que le interesaban a Wes Craven, en especial, el de las  iniciales pesadillas de Freddy Krueger y la más que astuta Scream.

TE SIGUE es terror de bajo presupuesto pero sin la imperiosa necesidad de recurrir a las camaritas digitales sino apropiándose de travellings y panorámicas que remiten a la tradición setentista.

Representa, en más de un sentido, una especie de terror abstracto, que recurre a la insinuación antes que a la certeza para describir a una serie de climas inquietantes y a un virus como detonante del relato, al que se le desconoce su origen, dispuesto a acosar y perseguir a la adolescente Jay y al grupo de amigos.

Es clasicismo puro desde la estupenda primera escena marcada por esa sensación de no lugar ni temporalidad posible, al mostrar a una chica corriendo y escapando de no se sabe quién. Es terror nocturno, pero también, como en los buenos ejemplos instalados por el cine de Carpenter (Halloween, La niebla, El enigma de otro mundo, En la boca del miedo), hay lugar para las escenas diurnas, aquellas donde concebir un terror de “apariciones” y “persecuciones” resulta más complejo.

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13/05/2016

18 DE MAYO – SEMINARIO DE CINE Y ROCK EN EL CIC – “HELP!” DE RICHARD LESTER

POP BEATLES

Por Gustavo J. Castagna

La historia de los Beatles en cine había empezado con el blanco y negro de Anochecer de un día agitado (1963), comprobación definitiva del fanatismo, los gritos y las lágrimas que surcaban por los rostros de las adolescentes al ver (mucho) y escuchar (poco) a los fabulosos de Liverpool. Detrás de las cámaras estaba Richard Lester, tal vez el cineasta más juguetón y menos solemne del “Free Cinema” británico, aquel movimiento pleno de iracundia y rebeldía que se oponía a las tradiciones del té de las cinco de la tarde y al desfile cotidiano del grupo de soldados afines a la Reina y al Primer Ministro Inglés. Los Beatles se miraban al espejo en esa mini-historia eufórica que narra  Anochecer de un día agitado, como si se tratara de un documental ficticio con John, Paul, George y Ringo haciendo de sí mismos.

CINE Y ROCK A4 HELP   - CIC BLOG

Los Beatles corrían de acá para allá en la película inicial, tal como expresaba la irrepetible “Beatlemania”, aun inglesa y antes del desembarco en Estados Unidos.

Pero llegaría HELP! (1965), reflejo pop de la masificación de los Beatles en todo el mundo, un año después del famoso aterrizaje de aquel avión en el aeropuerto estadoudinense.

A todo color y con el mismo Lester controlando a los cuatro, la historia despliega otro tipo de faceta narrativa. En efecto, los Beatles siguen siendo el centro neurálgico del relato pero están acompañados (o perseguidos, especialmente, Ringo Starr) por una extraña secta dedicada a los sacrificios humanos. El humor es muy british, refinado e irónico, pero bebiendo de la estética del absurdo vía Eugene Ionesco. Para muestra del tono feliz y antinaturalista del film basta recordar que el baterista eficaz del grupo (Ringo Starr, el mejor actor de los cuatro) es buscado por esa secta a propósito de llevar en uno de sus dedos meñique un anillo que representa el poder de un dios tal para que se sigan realizando los sacrificios.

Si el pretexto argumental es un (bienvenido) disparate, las situaciones bordean y superan al absurdo: los intentos por obtener el anillo, las peleas en la playa, la inesperada aparición de dos científicos dementes, la intervención de Scotland Yard y las escenas que transcurren en los Alpes nevados y con esquíes representan a una película más jugada que su predecesora.

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21/03/2016

30 DE MARZO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CINE Y ROCK – “EL ANSIA” DE TONY SCOTT

NOSOTROS NO QUEREMOS ENVEJECER

Por Gustavo J. Castagna 

En los inicios de los 80 el apellido Scott solo refería a las reverencias que la crítica y los fans le hacían al cineasta Ridley Scott, quien ya había construido una trilogía inicial (Los duelistas, Alien, Blade Runner) para resguardo de la buena memoria del cine. Por ese entonces, la actriz y estrella Catherine Deneuve –como ocurre hasta estos días- trabajaba incansablemente en películas de autor y en otras de inmediato impacto económico; en tanto, Susan Sarandon, con un puñado de papeles, aun oficiaba de intérprete secundaria. David Bowie, por su parte, editaba el LP “Let’s Dance” con los exitosos cortes “Modern Love”, “China Girl” y el tema que diera título al disco, comenzando su peregrinaje por la década donde transmutaría de estrella espacial a estrella del rock. A este grupo de nombres trascendentes se le sumaría uno todavía desconocido: Tony Scott, hermano de Ridley, director publicitario hasta el momento, que debutaría como realizador con EL ANSIA, protagonizada por esa dupla estelar. Pero el paisaje de entonces ya había tenido su embrión original a través de un dato no menor: desde el 1 de agosto de 1981, con la exhibición del clip “Video Killed the Radio Star” de la banda The Buggles, MTV había comenzado su historia.

CINE Y ROCK A4  EL ANSIA  - copia

Este extenso prólogo, necesario para entender un contexto determinado, es el que incidiría en la opera prima de Tony Scott, que decide narrar una historia de vampiros con estética gótica, tomando como centro a la pareja central, John y Miriam Blaylock (Bowie, Deneuve) y sus ansias por alcanzar la eternidad.

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16/10/2015

21 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “FITZCARRALDO” DE WERNER HERZOG

EL VIAJE HACIA EL FIN DEL MUNDO (segunda y última parte)

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, los viajes hacia el abismo del mundo concebidos por el alemán desaforado y sin red posible continúan hasta hoy, razón por la que llegar a ciertas conclusiones sobre el tema puede resultar algo o muy apresurado y sin demasiados fundamentos.Está bien, Herzog es un señor que superó los 70 años y seguramente ya no está en condiciones de acompañar los momentos demenciales de Lope de Aguirre en aquella travesía hacia El Dorado ni tampoco, aun cuando sería gestada una década más tarde, emprender un nuevo viaje por el Amazonas profundo con un barco, la música operística desde Enrique Caruso en la voz y Klaus Kinski dirigiendo con su habitual enajenación actoral (¿o no?) a una tripulación de indígenas y gente destinada a un pabellón psiquiátrico.

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En efecto, Herzog no tendrá toda la energía que mostraba en los tiempos del rodaje de FITZCARRALDO (1982) pero su espíritu de director aventurero permanece intacto, aun cuando –por comentarios ajenos- sus últimas ficciones no estarían a la altura de su abundante currículum como cineasta.

FITZCARRALDO es una película extensa –oscila las dos hora y media- pero altamente disfrutable por varios motivos. En primera instancia, el relato que se circunscribe a describir la previa al viaje del personaje jugado por Kisnki.

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9/10/2015

14 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “GRIZZLY MAN” DE WERNER HERZOG

ÚLTIMO VIAJE AL FIN DEL MUNDO

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, la travesía final del título no la emprenderá Herzog, quien sigue viajando de acá para allá entre documentales y ficciones, sino el verborrágico e inquieto ecologista Timothy Treadwell, a plena euforia por los parques nacionales y las reservas en Alaska. Su cariño por los osos pardos y la forma en que se contactó con ellos, siempre con la ayuda de su novia con la cámara en mano, lo llevó a visitar en trece ocasiones el hábitat de los plantígrados, con tanto amor y entusiasmo por los gigantescos animales y tanta pasión por el riesgo y la aventura, que el desenlace en el viaje final, a más de uno que conocía al personaje, sorprendería poco y nada.

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Es que Treadwell era un personaje muy parecido a Herzog, y también, al Kinski de las demenciales aventuras en conjunto entre director y actor. Treadwell va más allá de lo legal y permitido, violando reglas, omitiendo que tal vez su contacto con los peligrosos osos pardos pudiera terminar como realmente ocurriría en el viaje número trece. Con esos materiales registrados por los novios aventureros, más de cien horas de duración, una serie de entrevistas a individuos que conocieron a Treadwell y la voz en off y presencia de Herzog en imágenes, sumado claro está, a los movimientos lentos y parsimoniosos de esos animales de miles de kilos, desde esa concepción mínima, surgiría un gran documental como GRIZZLY MAN, premiado en festivales y exhibido por primera vez en el prestigioso Festival Sundance.

Curiosidades o no tanto, buena parte del presupuesto le correspondió a Discovery Docs, uno de los brazos empresariales de Discovery Channel. Pero se está muy lejos de un obvio registro en imágenes sobre las vidas de unos osos con un pelaje determinado: GRIZZLY MAN es un trabajo de Herzog desde el principio al final, en donde se refleja el fanatismo desmesurado de un hombre que decidió inmolarse y ser devorado por un animal. Pero también, por suerte, el morbo explícito nunca dice presente en el documental: a Herzog le interesa más hablar con una ex pareja de Treadwell, ver las imágenes y escuchar al personaje en más de una ocasión, recorrer con su cámara los lugares visitados por el hiperquinético y voraz ecologista. En ese punto, un personaje  sorprende por sus declaraciones y debido a la forma en que cuenta cómo llegaron los restos de Treadwell a su “mesa de trabajo” Efectivamente, se trata de quien se encargó de la autopsia final: la vida y la muerte según Hergog desde la perspectiva del sepulturero/científico que tiene más de una cercanía con aquellos brujos de las tribus amazónicas de FITZCARRALDO y COBRA VERDE.

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2/10/2015

7 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “AGUIRRE. LA IRA DE DIOS” DE WERNER HERZOG

VIAJE HACIA EL FIN DEL MUNDO (primera parte)

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, Werner Herzog viaja por el mundo desde los inicios de su extensa filmografía, que empezara en los años 60 y continúa hasta hoy. Pero, además, ya estaba en estado de trance desde sus primeras películas, en aquellas experimentaciones de la década, cuando el director recurrió a actores hipnotizados, enanos protagonistas, travesías demenciales en la selva y personajes ajenos a la razón y el sentido común.

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Pero sería con AGUIRRE, LA IRA DE DIOS (1972) el film desde el que se empezaría a recordar el nombre del responsable de detrás de las cámaras. Desde su estreno en Buenos Aires, un año después, comenzaría el culto definitivo a una historia y a unos personajes delirantes en una zona del Amazonas a la búsqueda del paraíso perdido, la tierra prometida, el misterioso El Dorado para los indígenas del lugar. A Herzog siempre le interesaron los desafíos. Y le siguen importando en la actualidad, ya que filma incansablemente documentales y ficciones ya con sus 73 años a cuestas. Exploró montañas, ríos y desiertos, enfrentó tifones, ataques de tribus y abandonos de sus actores durante los rodajes. Pero también, soportó (y necesitó, claro) de la presencia de Klaus Kinski, su intérprete-fetiche en AGUIRRE, LA IRA DE DIOS; FITZCARRALDO; WOYZECK; COBRA VERDE y la remake de NOSFERATU, EL VAMPIRO. (más…)

22/09/2015

30 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “CACHÉ” DE MICHAEL HANEKE

REFLEJOS DE UNA VIDA ANTERIOR

Por Gustavo J. Castagna

El matrimonio que conforman los personajes jugados por Daniel Auteuil y Juliette Binoche, profesionales exitosos ambos y con un hijo viviendo la etapa adolescente (siempre conflictiva), junto a sus rutinas e idas y vueltas cotidianas, cambiará de un momento a otro, de manera inusitada, acorde a las preocupaciones temáticas y formales de ese cirujano sin anestesia de la sociedad moderna llamado Michael Haneke.

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Hasta acá, la frase precedente anunciaría una continuación no declarada de FUNNY GAMES (en su versión germánica de 1997), ya que la tranquilidad y el confort económico y social de una pareja se vería obturado por la llegada de un invasor, de algo lejano a ese mundo legitimado. Pero no, el paisaje ahora es diferente: se está en una gran ciudad con su movimiento diario, a distancia de aquel paraje acogedor de FUNNY GAMES y, más que nada, la invasión a la privacidad no le corresponderá a dos chicos fanáticos del golf sino que empezará a producirse con el envío de unas cintas de video y de unos dibujos que alterarán las existencias de Georges (Auteuil), Anne (Binoche) y su vástago. En realidad, ya desde el inicio de CACHÉ (ESCONDIDO) (2005), con los mismos créditos de presentación, Michael Haneke construye un plano fijo que se traduce visualmente en una cámara filmando la fachada de una casa. Vaya manera de comenzar la película: prologar la historia a través de un “plano mentiroso” donde aquello que se cree como tal está siendo observado, vigilado y hasta controlado por alguien (o algo) ubicado fuera de la casa, que no es otra que la morada del matrimonio y su hijo.

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18/09/2015

23 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “FUNNY GAMES” DE MICHAEL HANEKE

EL MUNDO ES UN LUGAR PELIGROSO

Por Gustavo J. Castagna

Rara pero encendida fue la propuesta de Michael Haneke allá por el 2007: probar suerte en Hollywood con una nueva versión de FUNNY GAMES, producción  austriaco/alemana que él mismo concibiera una década atrás. El desafío resultaba mayor debido a que el argumento sería el mismo, también la puesta de cámara y los tempos narrativos; los cambios, pocos, se limitarían al grupo actoral, a un par de locaciones y a parte del equipo técnico.

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El objetivo de Haneke, en ese sentido, estaba puesto ahí, al alcance del interesado: saber cómo respondería el conservador espectador estadoudinense frente a una historia de acoso, violencia y humillaciones físicas y verbales pero protagonizada por actores conocidos (Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt) más una producción parida en el corazón de Hollywood. Los resultados fueron gratificantes y saludables (si cabe el uso paradójico de estos términos y así relacionarlos con el universo del director) más que nada porque el cineasta probó suerte en la Meca y le fue bien, hizo la película que deseaba hacer, molestó a más de un individuo bien pensante y construyó un relato –similar al de la primera versión- que no requiere de espectadores complacientes y de aprobaciones teñidas de corrección política y del uso imperioso de las buenas costumbres.

No hay explicaciones psicológicas o interpretaciones asociadas al diván para comprender el feroz, perverso y cínico comportamiento de dos jóvenes, émulos referenciales de aquella animación de los años 90 encarnada por los púberes, malolientes y maleducados Beavis & Butthead, primero acosando y luego maltratando a un matrimonio y a su hijo varón refugiados en una idílica casa costera. El acoso en primera instancia es verbal, luego se convertirá en maltrato físico, volverá después al juego suspicaz a través de la palabra y culminará, como era de esperar, con un humor negrísimo y perverso que no tiene retorno. Como no lo tendrá el trío familiar frente al dúo de jóvenes, que se dedican a invadir espacios privados que no les corresponden, instando a la pregunta del invadido y proponiendo un doble juego al espectador en relación al lugar al que es invitado a ocupar dentro de la trama. Como si a los personajes asesinos y acomplejados de Hitchcock (Norman Bates en “Psicosis”; el encargado de cuidar la parroquia en “Mi secreto me condena”; el tío Charly en “La sombra de una duda”) se le sumara una fuerte de dosis de sadismo y crueldad que no necesita de comentarios pedagógicos ni de condenas inmediatas.

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11/09/2015

16 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “LA PROFESORA DE PIANO” DE MICHAEL HANEKE

EL LADO OSCURO DE LA VIDA

Por Gustavo J. Castagna

En un festival marplatense de hace una década, conversando con un colega sobre los mejores directores contemporáneos, y al invocar el nombre del alemán Michael Haneke, una frase circundó la simpática y cinéfila charla: “no, jamás invitaría a Haneke a tomar un café, ni loco” ¿Por qué no?, pregunté.

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El colega, claro está, sacó el manual de la corrección política como mecanismo de defensa oponiéndolo al catálogo que caracteriza al cine del realizador nacido en Münich hace 73 años: es un tipo jodido, no confía en el ser humano, muestra aquello que no se ve en (casi) todo el resto del cine, le encanta profundizar y regodearse en la crueldad, el dolor, el sufrimiento, el malestar de los individuos y de una sociedad determinada, etc, etc. Entonces, otro colega que andaba por ahí, respondió con énfasis:”si es así, al contrario, lo invitaría no solo a tomar un café sino a compartir una cena para que me explique los motivos por los que él observa de tal manera al mundo y a la gente”. Debo aclarar, como cierre de la anécdota, que comparto la idea del colega-intruso que invadió un espacio privado (es decir, una conversación): invitaría a cenar a Haneke pero luego del postre y el café, cada uno tomaría un taxi o un colectivo diferentes.

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4/09/2015

9 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “I’M NOT THERE” DE TODD HAYNES

SEIS ROSTROS EN BUSCA DE UN GENIO

Por Gustavo J. Castagna

Un personaje extraordinario como Bob Dylan (24-5-1941) merecía una película no convencional como I’M NOT THERE. En realidad, el Sr. Robert Allen Zimmermann amerita varias ficciones (o algo parecido) como el rompecabezas que Todd Haynes expresó en más de dos horas de metraje.

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Y está bien que haya sido así, ya que los beneficiados son el cine, el rock, el folk, el blues, la guitarra eléctrica, la acústica, la armónica, el que busca una non fiction film lejos de la rutina, el espectador fanático de Dylan, el que gusta de alguna de sus etapas por encima de otras, el que nunca lo escuchó y tiene la oportunidad ahora de conocer sus letras y su particular voz, el ávido lector de Arthur Rimbaud y su temporada en el infierno, los conocedores de los poetas beatniks de los 50 y 60 con Allen Ginsberg a la cabeza, en fin, la lista sería interminable en cuanto a pretensiones y propósitos de una película democrática y exigente, invadida por ideas geniales, única en su especie, plausible de más de una visión.

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28/08/2015

2 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “SAFE” DE TODD HAYNES

 LAS ENFERMEDADES DEL SIGLO XX

Por Gustavo J. Castagna

Una película como SAFE, segundo título de Todd Haynes luego de la inicial POISON, se relaciona con LEJOS DEL PARAÍSO, el opus que el cineasta nacido en 1961 realizara luego de VELVET GOLDMINE, ya exhibida en el presente seminario.

HHH - safe - CIC BLOG

Y esto no solo se debe a que los conflictos de ambos títulos tengan parentescos entre sí y que los protagónicos siempre desbordantes de talento le pertenezcan a Julianne Moore (en ambas encarnado a esposas que ocupan un lugar secundario en el matrimonio). En ese sentido, Haynes expresa sus conocimientos en una rigurosa exploración de época –LEJOS DEL PARAÍSO transcurre en los años 50, en tanto, SAFE recorre la segunda mitad de los 80-, a través de la reconstrucción de aquel paisaje que propone la escenografía y el vestuario. Pero el director no se queda en eso: ocurre que ambas historias vienen a romper con una rutina social y de pareja, llegan y remueven los cimientos del confort y la seguridad económica, actúan como detonantes y quiebres de un mundo regido por ciertas normas aparentemente inquebrantables que se verán acosadas y sometidas por algo nuevo. Esa novedad, en el caso de LEJOS DEL PARAÍSO, repara en el descubrimiento de la homosexualidad de un hombre casado con el personaje de Julianne Moore, en plena pos Segunda Guerra Mundial, en un pueblito acogedor en donde el chisme y el qué dirán están a la vuelta de la esquina. Esa nueva visión del mundo que tendrá la atribulada esposa, instada a dudar de la posibilidad de que se le apliquen electroshocks a su marido para así “eliminar” el mal que invadió su cuerpo y su sexualidad, ya había tenido su primera exposición en la enfermedad que padece el personaje central de SAFE.

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14/08/2015

NUEVO SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG

Desde el 26 de Agosto, todos los miércoles a las 14.15 hs.

Entrada libre y gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Todd Haynes, Michael Haneke y Werner Herzog.

TRES POR TRES SE ESCRIBE CON “H”

Por Gustavo J. Castagna

La “H” es muda pero cuando se trata de cine y se recuerda a directores cuyos apellidos empiecen con esa letra, el sonido ruge por su calidad extrema. La primera cita es obvia: Hitchcock, uno de los maestros del cine de cualquier tiempo.

Haynes+Haneke+Herzog Seminario - CIC BLOG

Pero no vayamos tan atrás, ya que el seminario que se inicia el miércoles 26 y que tendrá nueve exhibiciones de films comprenden títulos concebidos por tres realizadores en donde la “H” impone presencia, fundamento, invitación al espectador para que disfrute, analice y observe con detenimiento poéticas diferentes, puestas al abismo, temas y formas estilísticas que caracterizan a un trío de cineastas más que vigentes en el cine de estos días. Tres directores (Todd Haynes, Michael Haneke y Werner Herzog) más que necesarios en el inestable cine de hoy.

Con “H” de hedonismo estético puede definirse a casi toda la (corta) pero estupenda obra hasta hoy de Todd Haynes, donde la música se concilia con el cine a través de una mirada cinéfila no directa sino transversal. El hedonismo (junto a la otra “H” de homoerotismo) gobierna la extraordinaria VELVET GOLDMINE (1999), anclaje del director en los años del glam rock dentro de una estructura de relato que se aproxima a la que Orson Welles manifestara en su opera prima “El Ciudadano”. Luego del mundo de purpurina y lentejuela vendrán las cuidadas y prolijas imágenes de SAFE (1995), segundo opus de Haynes en donde su protagonista (Julianne Moore) representa a la década del 80 en versión paranoide y en clave de terror metafísico. El cierre de las tres “H” de Haynes será con I´M NOT THERE (2007), invitación a presenciar un film clásico y experimental donde el centro narrativo es el músico y poeta Bob Dylan/Robert Zimmermann quien, en la película, aparece interpretado por siete actores diferentes.

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14/08/2015

26 de Agosto – Seminario de Cine en el CIC – Haynes + Haneke + Herzog – “Velvet Goldmine” de Todd Haynes

EL CINE, LA MÚSICA, LA VIDA MISMA

Por Gustavo J. Castagna

Brian Slade, Curt Wild, Jack Fairy. Tres nombres de ficción. O no. Tres apellidos que refieren a la iconografía más representativa del Glam-Rock: David Bowie, Iggy Pop, Marc Bolan. Son ellos tres porque las historias aluden a aquellos años locos, muy locos, entre purpurina, rimel, lentejuelas, trajes espaciales, plumas. Y también, más que nada, mucho hedonismo, ambigüedad sexual, homoerotismo a flor de piel. Pero, a no olvidarse, que fue una época donde el rock entró en la zona del divismo, el lanzamiento de la estrella, el Adonis que requería ser observado. También, deseado.

HHH - Velvet Goldmine - CIC BLOG

Habían pasado los años de la alegría y el estallido hippie, que ya presentaba  sus primeros cadáveres exquisitos: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones. Más temprano que tarde, Keith Moon, el genial baterista de los Who. Los Beatles habían pactado la separación definitiva a comienzos de los 70 y el agujero musical que marcaba la ausencia iniciaría una nueva era, plena de glamour, invadida por el cuerpo deseado, por el póster en las paredes de las habitaciones de los adolescentes británicos, quienes deciden irse de la casa de sus padres, pero no con el fin de bautizarse con el primer porro de marihuana, sino para vestirse de una manera diferente, provocadora, donde se conciliaba y fusionaba en un mismo punto lo femenino y lo masculino. Esos años de descubrimiento personal a través del vestuario y de la música son los que recorre Todd Haynes en la maravillosa historia de VELVET GOLDMINE. (más…)

20/10/2014

22 de Octubre – Seminario de Cine de Autor en el CIC – Cronenberg, Lynch, Jarmusch. Sólo los amantes sobreviven de Jim Jarmusch

POR LOS SIGLOS DE LOS SIGLOS

Por Gustavo J. Castagna

Jarmusch lo hizo nuevamente al nutrirse de su particular estilo y dejar, para el bien del cine, una historia de vampiros y hombres lobos que no se parece a otra. Probablemente, la idea se le ocurrió al ver a las criaturitas almibaradas de la saga Crepúsculo (uf, por fin terminó) pero limitarse a ese probable enojo del director sería un sinsentido, una elección meramente convencional.

CINE DE AUTOR -SOLO LOS AMANTES SOBREVIVEN - CIC BLOG

Jarmusch va más allá de los mitos sobre figuras iconográficas del género y emplea todos los recursos de la puesta en escena para construir un universo único en el que, otra vez, se fusionan el cine, la música, los cargadísimos decorados anacrónicos donde mixtura lo clásico y lo moderno, un elenco actoral increíble y una historia de amor necesitada de sangre para sobrevivir al paso del tiempo.

La hermosa pareja que integran Adam (sugerente y genial Tom Hiddleston) e Eve (inolvidable como siempre, Tilda Swinton), están juntos desde hace siglos, muchos siglos. Él es una especie de músico frustrado que añora las guitarras de principios del siglo XX y que se dedica a componer dentro de su propia casa. Ella, por su parte, emprende la búsqueda urgente de esa sangre de primera calidad y por ese motivo debe viajar a Tánger, donde se reencontrará con su maestro Marlowe (John Hurt, notable con solo dos apariciones).

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6/10/2014

8 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE DE AUTOR EN EL CIC. CRONENBERG, LYNCH, JARMUSCH – COFFEE AND CIGARETTES

CONVERSACIONES

Por Gustavo J. Castagna

Hace diez años Jarmusch se dio el gusto que venía bocetando en películas anteriores: reunir gente del cine y la música, establecer una serie de conversaciones café y cigarrillo de por medio, registrar esos momentos en un blanco y negro que recuerda a sus films iniciales (STRANGERS THAN PARADISE; DOWN BY LOW) y presentarlo con el contundente título de COFFEE AND CIGARETTES.

CINE DE AUTOR -Cofee and Cigarettes - Jim Jarmusch - CIC BLOG

Eso es la película: una serie de cortos en los que la cámara se mueve poco y nada donde el MacGuffin de Jim es el resultado de la cantidad que se ingiere de cafeína y nicotina para placer o no de los personajes. En realidad, en la hora y media de película muchos de los actores/músicos invitados hacen de sí mismos construyendo pequeños episodios/capítulos, algunos más interesantes que otros, donde la música se concilia con el cine y el cine se fusiona con la música.

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1/09/2014

3 de Septiembre – Seminario de Cine de Autor en el CIC. Cronenberg, Lynch, Jarmusch. Crash de David Cronenberg

Por Gustavo J. Castagna

Dentro la extensa filmografía de Cronenberg (cuarenta años de cine), CRASH es uno de sus títulos extremistas, personales, único en su especie. El inquieto David venía de adaptar al William Burroughs de NAKED LUNCH cuando decide duplicar la apuesta con CRASH, novela de James Graham Ballard (1930/2009) publicada en 1973.

CINE DE AUTOR - CRASH de David Cronenberg - CIC BLOG

El ascetismo literario del autor encuentra en las imágenes de Cronenberg la cocción perfecta para describir un relato de ciencia ficción no en el sentido principista de la definición, sino desde la obsesión que viven (y gozan) sus personajes por el sexo y la tecnología. En ese punto, nada mejor que Cronenberg para adaptar semejante texto donde el metal daña la carne y produce lesiones, heridas, cicatrices, sangre y agonías de un grupo de criaturas sumergidas en la ecuación placer más dolor físico. O viceversa.

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22/08/2014

COMENZÓ EL NUEVO SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CRONENBERG, LYNCH, JARMUSCH. CINE DE AUTOR.

Desde el 27 de agosto, todos los miércoles a las 14.15 hs.

Entrada libre y gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

TRES AUTORES (AÚN) VIGENTES

Por Gustavo J. Castagna

El cine y los directores tienen sus idas y vueltas. Años de entronización, otros de silencio, varios de prestigio y reconocimiento, algunos más que terminan en el olvido donde no hay lugar para el retorno. David Cronenberg, David Lynch y Jim Jarmusch, tres razones más que suficientes para el emprendimiento de un seminario-ciclo con algunos de sus títulos, representan sellos, marcas, carteles de neón en la periferia de un sistema de producción como es Hollywood. Aún se sigue con interés a sus nuevos proyectos, todavía sus films son esperados con impaciencia y hasta los festivales de importancia aguardan la exhibición de sus recientes obras.

CINE DE AUTOR  - CIC BLOG

Cuestión de gustos o preferencias, los tres cineastas (autores de culto con un universo personal) sobreviven de la mejor manera dentro de un sistema al que sólo parece interesarle concebir películas para adolescentes (animación, superhéroes, comedias románticas) omitiendo a un cine reflexivo donde no sólo se narren historias políticamente correctas. Por eso, la más que bienvenida justificación de este ciclo sobre tres directores y tres películas de cada uno de ellos.

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