Posts Tagged ‘Seminario de Cine’

26/05/2017

31 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL CAZADOR DE WOLF CREEK” DE GREG MCLEAN

SE VINO LA NOCHE…

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la mitad de los 70 y hasta una década más tarde el cine australiano se ubicó como uno de los más relevantes y originales, no solo para el crítico sino también para un público adicto que reconocía temas, directores y actores jóvenes que luego llegarían a las grandes ligas de la industria estadoudinense (Mel Gibson sería el ejemplo más notorio)

10 - SEMINARIO el cazador - copia

Películas dirigidas por Peter Weir (en primer lugar, claro) y detrás de él Donald Crombie, Bruce Beresford, Colin Eggleston, entre otros, sin olvidar al gran George Miller (Mad Mad y Mad Max 2 en ese contexto) fueron los representantes de una novedosa puesta en escena en donde la naturaleza, los desequilibrios climáticos, una lectura apocalíptica sobre el mundo, el misterio y el cruce de culturas y etnias gobernaron una década de cine en salas y festivales. Sin necesidad de recurrir a lo numérico y a la abundancia de títulos, como síntesis de una época intransferible, sugiero ver este puñado de películas: Picnic en las rocas colgantes, La última ola, Galipolli, El plomero, Te llamaré Caddie, las citadas Mad Max, La fiesta de Don, Después de la emboscada.

Pero el sueño australiano terminó rápido por diferentes motivos, entre otros, la ida de directores y actores a Hollywood (Weir, Beresford, Gibson) y la decisión de productores británicos apañados por un sistema por imponer reglas con tal de aplastar a aquel cine original. En efecto, no es que el cine australiano dejó de hacerse en las décadas siguientes pero ocurre que ya no tiene aquella difusión vía festivales ni tampoco un peso esencial dentro del negocio de la imagen. Además, otras cinematografías de otros países (ay, las modas) fueron reemplazando a los desiertos interminables de la geografía australiana.

De vez en cuando aparece alguna película más que interesante no solo por retomar algunos tópicos de los 70 y 80 germinados en Australia sino también porque condice con ciertos elementos temáticos y formales (terror, suspenso, truculencia, fusión perfecta entre naturaleza y personajes) que apelan al mejor de los recuerdos de aquellas imágenes de antaño.

Uno de esos films es EL CAZADOR DE WOLF CREEK (2005), opera prima de Greg McLean, fenomenal éxito en su país y en el exterior y acabado ejemplo que mira al pasado para certificar un presente venturoso. En realidad la historia de Wolf Creek (título original) refiere a un paisaje y a un cráter que desean conocer tres jóvenes (dos mujeres y amigas, un hombre), curiosos en sí mismos, con ganas de matar el tiempo y aprovechar las “bondades” de la naturaleza y los parajes desérticos. Pero en sus vidas se cruzará un extraño sujeto, un morador del lugar o cercano al cráter, un gigantón temible que daría la impresión que nació en medio de ese paisaje interminable con mucho polvo, carreteras perdidas, animales nocturnos y canguros matutinos y vespertinos.

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19/05/2017

24 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “MUERTOS DE MIEDO” DE PETER JACKSON

MADRE HAY UNA SOLA

Por Gustavo J. Castagna

Excesiva, paródica, demencial, sanguínea, extremadamente burda y violenta, simpática y graciosa, elemental desde la narración pero con un par de entrelíneas interesantes. Berreta desde el aspecto formal, de postura clase B con efectos de los 90 hoy caducos y valiéndose de una propuesta alocada que no baja un segundo en mostrar tripas, caras destrozadas, elementos puntiagudos entrando a cuerpos, miles de litros de sangre, baldazos de pus, adrenalina pura.

9-SEMINARIO Película A3 MUERTOS DE MIEDO - CIC BLOG

El cóctel lo preparó Peter Jackson saliendo de Bad Taste / Mal gusto (1987) y Meet the Feebles (1989) ahora ingresando en la hora y cuarenta de BRAINDEAD / MUERTOS DE MIEDO (1992) (no estrenada en cines por acá), cuando aun el cineasta nacido en Nueva Zelanda (en 1961) ni soñaba con Frodo, Legolas, King Kong o los orcos.

BRAINDEAD plantea una serie de enigmas dentro del género aun cuando se trate de un ejemplo de tono farsesco, precario en sus intenciones y construido para el deleite de aquel espectador adolescente de inicios de los 90 o destinado a los adultos que consumen o consumian Fangoria u otros magazines adictivos al género en su vertiente más zarpada.

Esos enigmas condicen con los cambios que había impuesto Sam Raimi dentro del género años antes de BRAINDEAD, a través de su díptico Diabólico y Noche alucinante (en 1992 se sumaria El ejército de las tinieblas) y la relectura gestada por el futuro director de El hombre araña en relación a La masacre de Texas (El loco de la motosierra) del Tobe Hooper setentista.

En efecto, mientras Raimi se valía de la steadycam parida por Kubrick en El resplandor, necesitado de cortar en pedazos a zombies que aterraban y acosaban a su protagonista (el gran Bruce Campbell), en esos iniciales 90, el gordo y desaliñado Peter Jackson toma la posta y construye su propio díptico (Bad Taste y BRAINDEAD) en donde convergen y fusionan el slasher, el gore, la parodia y el film de encierro al estilo Carpenter vía Halloween y La niebla.

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12/05/2017

17 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “AUDITION” DE TAKASHI MIIKE

KIRI… KIRI… KIRI…
Por Gustavo J. Castagna
Bienvenidos a la zona más demencial y esquizofrénica del seminario, al sector más impensado en donde se procesa la locura, al aspecto menos cómodo para conceptuar determinada película como si fuera una afín al género de terror.

8-Seminario Audition A3 - CIC BLOG+

Bienvenido al mundo de Takashi Miike y a las turbulencias genéricas que se combinan en su extensísima, despareja y ciclópea obra audiovisual que, entre largos, mediometrajes, videos y emprendimientos colectivos, por lo menos hasta hoy, supera el ¡centenar! de títulos. Cifra que sorprende más cuando se descubre que el sujeto tiene 57 años pero que resulta comprensible si se comprueba que en 1999, año de AUDITION, el cineasta asiático filmó ¡7 películas!

Bienvenidos al desmadre genérico, a la conformación de un corpus difícil de definir en pocas palabras ya que la historia va y viene del melo familiar al relato romántico, de la comedia sin demasiadas pretensiones a la tristeza que pauta la vida de un padre viudo (Ryo Ishibashi) con un hijo adolescente.

Bienvenidos a una construcción perfecta de climas sinuosos e inquietantes que se anuncian de manera pausada, nada efectista, donde cada plano parece armado acorde a ese momento genérico que la historia transita con sumo placer. De allí que la audición, sugerida por un amigo del personaje central reúne momentos festivos, veloces a través del montaje, eficaces porque transmiten sonrisas a los dos hombres que miran con atención (o no) a las jóvenes postulantes.

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9/05/2017

10 DE MAYO – CHARLA CON MARCELO SCHAPCES SOBRE SU FILM NECRONOMICON EN EL CIC

El encuentro se dará en el marco del Seminario de Cine de Género “10 films antológicos de terror” dictado por Gustavo Castagna en la Sala de Teatro del CIC el miércoles a las 14:15hs. 

Luego de la charla se proyectará “En la boca del miedo” de John Carpenter. 

Entrada libre y gratuita con reserva previa a través de reservas@cic.edu.ar 

“Necronomicón: el libro del infierno” es una de las mayores apuestas del cine de terror argentino de estos últimos años. El film dirigido por Marcelo Schapces evoca el universo de uno de los grandes maestros universales del terror,  H P Lovecraft, trayendo sus criaturas de pesadilla a Buenos Aires.

El elenco está compuesto por Diego Velázquez (“Kryptonita”, “La larga noche de Francisco Sanctis”), María Laura Cali, Victoria Maurette, Nico García, Claudio Ferraro, Claudio Martínez Bel y Claudio Da Passano, y cuenta con las participaciones especiales de Cecilia Rossetto, Daniel Fanego y Federico Luppi.

Producida por Barakacine (Luca, Pájaros Volando, Juan y Eva), NECRONOMICON es un proyecto que ha llevado varios años concretar y será seguramente un aporte importante al incipiente y cada vez más numeroso cine de género en la Argentina, con una innegable proyección internacional.

La dirección de fotografía es de Marcelo Mangone, la dirección de arte de Mica Sleigh, el diseño sonoro de Fernando Soldevila, la edición de Nicolás Goldbart, la producción ejecutiva de Valeria Bistagnino, y la música de Pablo Borghi.

SINOPSIS

Dieter, un hombre sin edad, protege desde hace siglos al Necronomicón, el libro maldito, para que no sea abierto y conjurado, y así evitar que el Mal se adueñe del planeta.

Un ejemplar del libro descansa, oculto, en la Biblioteca Nacional de Buenos Aires. La misteriosa muerte de Dieter lleva a Luis, un simple bibliotecario, a enfrentarse con las fuerzas que acechan al libro, mientras la ciudad parece corroída en un clima apocalíptico. 

5/05/2017

10 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EN LA BOCA DEL MIEDO” DE JOHN CARPENTER

En este encuentro además se llevará a cabo una charla sobre la realización del film  “Necronomicón-El libro del infierno”con su director Marcelo Schapces. 

HOBBE’S END, UN VIAJE SOLO DE IDA

Por Gustavo J. Castagna

Los años 70 y 80 habían mostrado al mejor Carpenter y a un cineasta esencial de casi dos décadas. Con obras maestras, grandes films, películas que marcaron un antes y un después, títulos que refundaron a géneros en su postura clase B o no, imágenes únicas e irrepetibles que pertenecen a la gran historia del cine, apresadas para la eternidad por el cinéfilo, defendidas por el crítico más exigente y con un espectador que reconocía a un autor con un universo personal e intransferible.

7-En la boca del miedo cic blog

Allí están Asalto a la prisión 13, Halloween, La niebla, Fuga de Nueva York, Sobreviven, El príncipe de las tinieblas, los tv movies Alguien te está mirando y Elvis, la relectura genial del clásico clase b de los 50 en The Thing (El enigma de otro mundo), la precaria y simpática Dark Star, la adaptación de Christine sobre Stephen King.

Aunque nunca me fanaticé con Starman y Rescate en el Barrio Chino, aquellos títulos citados reafirman el concepto: Carpenter fue un cineasta extraordinario durante una década y media.

Los 90 arrancarían medio a los tumbos con Memorias de un hombre invisible (que solo vi una vez y en su momento) hasta que, contra todos los pronósticos, el viaje terrorífico, cinematográfico y literario hacia el corazón de un pueblo llamado Hobbe’s End convertirá a EN LA BOCA DEL MIEDO en uno de los mejores films del director y también de la década.

En efecto, la travesía que emprende Trent (brillante San Neill) a la búsqueda del escritor Sutter Crane (Jurgen Prochnow) condice con la época y las relaciones ¿carnales? entre el cine y la literatura (por allí se cita a Stephen King, porqué no a Clive Barker) pero también, desde la elección de la puesta en escena y la exhibición de monstruos sin forma, el fantasma de H. P. Lovecraft dice presente en más de una oportunidad.

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28/04/2017

3 DE MAYO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “MÁRTIRES” DE PASCAL LAUGIER.

SALPICÓN DE SANGRE
Por Gustavo J. Castagna
Mejor que las cosas resulten claras desde un principio: desconocía de la existencia de MÁRTIRES (2008) hasta hace algunos meses y casi seguramente oculté el desinterés por verla en el soporte que fuera, en la computadora o hasta en algún festival (Bafici o Mar del Plata) o muestra dedicada al género.

6-SEMINARIO Película A3 martires 4 - CIC BLOG

Pero ese desinterés culminó hace menos de un mes –reitero menos de treinta días atrás- cuando vi la película por un par de razones: 1) integra el seminario dedicado al género, 2) había llegado el momento de cumplir con la deuda, es decir, encontrarse con esa acumulación de sangre, torturas, golpes y sadismo al que conocía por notas y textos, a favor y contra, pero no debido a la hora y media que dura esta particular obra límite de la resistencia del espectador a cargo de Pascal Laugier.
Eso sí, había leído bastante sobre el film cuando aún no andaba con ganas de verlo. Pese a eso, me metí de lleno con esta tendencia del cine francés por apropiarse de las raíces más sanguinolentas del género. Calvaire (2004), Frontiere(s) (2007), Haute tensión (2003) (conocida por acá como Alta tensión al momento del estreno) y L’interieur (2007) parecen ser los antecedentes mejores o desmejorados de este film demencial, de esta historia pletórica de sangre y violencia, repleta de escenas truculentas que, por momentos, dejan al término “gore” como algo inválido e ineficaz, o en todo caso, solo a la altura de un latiguillo periodístico y nada más que eso.

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21/04/2017

26 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL BEBÉ DE ROSEMARY” DE ROMAN POLANSKI.

DIOS HA MUERTO…
Por Gustavo J. Castagna
Algunas razones por las que EL BEBÉ DE ROSEMARY sigue siendo una obra maestra.

5-SEMINARIO Película A3 EL bebe de rosemary - CIC BLOG

1.Porque se trata de una de las grandes películas de la historia del cine que marcó un antes y un después, un corto violento y certero como el filo del cuchillo que tiene Rosemary al acercarse a la cuna negra para ver por primera vez a su bebé que llora y llora. EL BEBÉ DE ROSEMARY, estrenada en 1968, es decir, a casi ¡50 AÑOS!, sigue siendo un film moderno y clásico, experimental y narrativo, excelso en su trabajo con el fuera de campo, con el off que oprime e intranquiliza, con esas voces detrás de las paredes que pertenecen a un pasado. ¿A un pasado?

2.Porque catapultó a la fama al autor (Ira Levin) de la obra original (La semilla del diablo) y construyó para la memoria del cine dos horas de terror satánico que no se ve pero se intuye, que no se observa pero se percibe, que no se presenta en primer plano pero se palpa, se roza, se inmiscuye en la privacidad de Rosemary y Guy, esa joven pareja feliz que se hospeda en el hermoso y amplio departamento neoyorquino.

3.Porque su genial director Roman Polanski alcanzaría una de sus cimas como creador junto a otros títulos anteriores y posteriores: Cul de Sac, El cuchillo bajo el agua, Repulsión, El inquilino, Barrio Chino, Perversa lunade hiel, o a través de films más discutibles pero importantes: La danza de los vampiros, El escritor oculto, Búsqueda frenética, Macbeth, dentro de una trayectoria de más de medio siglo que agrupa obras maestras, relevantes, olvidables y descartables. Pero el pack estético de Repulsión, El bebé de Rosemary y El inquilino, que se expresa a través del miedo al miedo y de aquello que va cobrando interés a medida que transcurren los relatos, hasta estos días y para siempre, conforman una trilogía extraordinaria y un terceto de títulos imbatibles no solo para su director. (más…)

12/04/2017

19 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “TE SIGUE” DE DAVID ROBERT MITCHELL

¡AHÍ VIENE…. CUIDADO!

Por Gustavo J. Castagna

Fue uno de los mejores estrenos del 2014 y pasó casi desapercibido entre fatigadas actividades paranormales y films caseros herederos de aquella Bruja Blair. Pero TE SIGUE, segundo largometraje de David Robert Mitchell (The Myth of the American Sleepover, 2010), representa un aire renovador dentro del género de terror, acostumbrado en los últimos años a la búsqueda del impacto inmediato y al escamoteo del espacio off y del fuera del campo. Es decir, a aquella vieja prédica de “tenerle miedo al miedo” que por momentos parece haberse clausurado en tiempos cercanos.

4-SEMINARIO Película A3 TE SIGUE - cic blog

Pero vayamos de a poco: aun no da para armar una serie de festejos pero es innegable que a través de recientes títulos genéricos de terror se insinúan algunos bienvenidos cambios.

TE SIGUE encabeza un breve listado, por lo menos hasta hoy, que propone un retorno a las fuentes narrativas de los años 70 y 80, en especial, trazando un puente desde los mejores títulos del gran John Carpenter hasta los temas que le interesaban a Wes Craven, en especial, el de las  iniciales pesadillas de Freddy Krueger y la más que astuta Scream.

TE SIGUE es terror de bajo presupuesto pero sin la imperiosa necesidad de recurrir a las camaritas digitales sino apropiándose de travellings y panorámicas que remiten a la tradición setentista.

Representa, en más de un sentido, una especie de terror abstracto, que recurre a la insinuación antes que a la certeza para describir a una serie de climas inquietantes y a un virus como detonante del relato, al que se le desconoce su origen, dispuesto a acosar y perseguir a la adolescente Jay y al grupo de amigos.

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7/04/2017

12 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “UNA MUJER POSEÍDA” DE Andrzej Zulawski

LA ALUCINACIÓN AL PODER

Por Gustavo J. Castagna

Demencia, enajenación, locura, alucinación. Cualquiera de las cuatro palabras encajan a la perfección en las dos horas de UNA MUJER POSEÍDA del polaco Zulawski, aquel cineasta demente, enajenado, loco y alucinado que falleció hace algo más de un  año y que dejara un puñado de películas difíciles de clasificar en un género determinado.

3-SEMINARIO Película A3 UNA MUJER POSEIDA2 CIC BLOG

Esos años 70 y 80 del cineasta, con títulos como Lo importante es amar; La tercera parte de la noche y La mujer pública, junto a UNA MUJER POSEÍDA, entregaron su mejor cara, su rostro demencial, sus personajes desbordados desde lo emocional, su mirada polaca –pesimista, al borde del nihilismo- intentando comprender a otros marcos sociales (Francia, Alemania) o, porque no, buceando en esa geografías ajenas cómo transmitir su visión de ucraniano globalizado.

Si aquel territorio devastado de La tercera parte de la noche se extendía a la locura sin retorno que se manifestaba en el rodaje de una película en Lo importante es amar, el paisaje alemán en el que sucede UNA MUJER POSEÍDA sirve como hipótesis para –al menos- comprender pero volver a tensionar los comportamientos de sus particulares personajes.

Una pareja que se separa por una supuesta infidelidad de ella –la bellísima Isabelle Adjani y un joven Sam Neill antes de los dinosaurios de Steven S.-, un criatura horrenda, viscosa y babosa como protagonista secundario y algunos personajes satelitales (amantes, inspectores, vecinos del matrimonio) construidos desde la óptica apocalíptica de su director.

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31/03/2017

5 DE ABRIL – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “EL CONJURO” DE JAMES WAN

LA CASA NO ESTÁ EN ORDEN

Por Gustavo J. Castagna

A confesión directa: al momento del estreno de EL CONJURO (agosto de 2013) no confiaba ni un ápice en la previa de la película. Los encuentros anteriores con el cine del malayo Wan me habían resultado indiferentes: entre la pirotecnia histérica de El juego del miedo, con la excepción de algunos momentos logrados (luego convertidos en repetitivos a propósito de la interminable saga) y los homenajes sin vuelo al terror de los 70 en La noche del demonio, la puesta de escena de Wan me resultaba obvia, ruidosa, anticlimática, dirigida al target adolescente juvenil (tardío o no) que reclama una rápida edición, nada de construcción de relato y de personajes y sí una buena dosis de sadismo gratuito.

2-SEMINARIO Película A3 EL CONJURO - cic blog

Con esos prejuicios –un acierto es reconocerlos- la primera visión de EL CONJURO fue alentadora, original, extraña para aquellas presunciones anteriores.

La historia no sorprende ya que recae en la típica casa en medio del bosque ahora habitada por una pareja con cinco hijas. Tampoco, en una primera lectura, la trama presenta personajes atípicos (una familia, sus hijos, un grupo de especialistas en actividades paranormales). Más aun, el hecho de que casi todo el film transcurra en una casa canónica al género implica recordar a otras moradas parecidas y poco placenteras, en especial, buceando en el terror los años 70 (Carpenter, Craven, más tarde Tobe Hopper y su Poltergeist).

Pero el secreto de Wan y de EL CONJURO es que procesan los códigos de títulos genéricos de hace tres o cuatro décadas, los reinterpretan a su manera, los coloca en un nuevo punto de tensión a través de la conformación de situaciones y personajes apoyados por el guión y, a todo esto, le suma una serie de sustos y momentos inquietantes que complacen al adicto del terror y también a aquellos espectadores no tan voraces con esta clase de historias. (más…)

23/03/2017

29 DE MARZO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “SUSPIRIA” DE DARIO ARGENTO

COLOR, TERROR, COLOR, TERROR

Por Gustavo J. Castagna

Cuatro décadas ya tiene SUSPIRIA de Dario Argento, acaso el título clave en la obra del director y el film fundamental en la historia del giallo, el cine de terror gestado en Italia desde los 60 en adelante con el pionero Mario Bava.

Cuarenta años que se sienten más jóvenes que nunca debido a que SUSPIRIA no ha envejecido ni en un solo plano, más aun, ningún dejá vú teñido de conservadurismo se percibe en su hora y media, siempre supeditada a un trabajo minucioso y enfermizo con el color, con ese rojo intenso que adquiere un rol protagónico en casi todo su desarrollo.

1-Seminario Suspiria - CIC BLOG

Argento ya había construido su primera trilogía fílmica con EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL; EL GATO DE LAS NUEVE COLAS y CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS y su éxtasis formal con el zoom, la mezcla de thriller, suspenso y toques de terror aun no desaforados y extremos.

Dos años antes de SUSPIRIA realiza ROJO PROFUNDO (1975), su primera y más que eficaz inserción en el gore fusionado al arte gótico pero aun con grajeas narrativas que aludían a su trilogía de pájaros, gatos y moscas.

Por eso SUSPIRIA mira de lejos a aquellos thrillers para aferrarse a unos climas pesadillescos, abstractos, ajenos al realismo, a aquellas incursiones dentro del relato policial.

Argento filma una película demencial que toma como pretexto la llegada a Alemania de una futura alumna (Jessica Harper, presencia permanente en esos años: “Un fantasma en el paraíso” de Brian De Palma, por ejemplo) de una escuela de danza con particulares características. Celadoras, alumnas y alumnos, directoras, profesores y esa gente extraña a la que el director recurriría en más de una ocasión, esos individuos que parecen salidos de un cuento de hadas sin bosque pero con un  cuchillo bien afilado, serán los protagonistas de la trama.

¿Trama¿ ¿Relato? ¿Historia?

“Lo que me interesa del cine es la abstracción” dijo Orson Welles alguna vez.

Y semejante frase encaja perfectamente en SUSPIRIA, un manual de estilo, un ejercicio de la forma con un argumento como soporte, el triunfo del formalismo por encima de lo anecdótico. (más…)

17/03/2017

A PARTIR DEL 29 DE MARZO – NUEVO SEMINARIO EN EL CIC – CINE DE GÉNERO – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

10 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Por Gustavo J. Castagna

Llegó la hora de reivindicar al cine de terror. A un género bastante maltratado en los últimos tiempos debido a recetas, fórmulas y películas concebidas con solo un par de ideas interesantes. O solo una.

Llegó el momento de elaborar reflexiones sobre el mejor terror (psicológico, sangriento, satánico, efectista, efectivo, gore, sutil, entremezclado con el suspenso y el trance onírico) a través de un seminario y sus correspondientes presentaciones y charlas posteriores a las proyecciones.

Pues bien, el seminario está y el título es altamente contundente y representativo: 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR 

SEMINARIO A3 GENERAL - CIC BLOG

O 10 miércoles seguidos con films de diferentes orígenes, épocas, marcas estilísticas, temas, construcciones dramáticas, recursos.

Los convoco a que vengan el día de inicio (ya, este miércoles 29 de marzo) y contemplen una de las gemas del “giallo” italiano por medio de SUSPIRIA de Dario Argento y su paleta cromática al servicio de una historia con mucha sangre (y bien roja).

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10/10/2016

19 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE” DE BRYAN SINGER

EL MISTERIO KEYSER SÖZE

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la segunda parte de 1995 algunas salas de cine de acá exhibieron films policiales, algunos originales y otros no tanto. La nueva corriente genérica parecía provenir desde comienzos de la década a través de títulos que producía HBO, del reciclaje formal y temático que proponían algunas series de entonces y la puesta al día en vertiente gangsteril que había refundado Scorsese, primero con Buenos muchachos y luego desde el imperio del juego de Casino.

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE - copia

Films de John Dahl (La última seducción; La muerte golpea dos veces), los posteriores estrenos de Pecados capitales y Los Ángeles al desnudo, la cita impostergable por conocer Jackie Brown, “el último Tarantino” (arrastrando la repercusión que había tenido Tiempos violentos), el bienvenido remanente vía Quentin de Escape salvaje (True Romance) de Tony Scott, una excelente propuesta como Revancha (Payback) del guionista Brian Helgeland tras la cámaras, en fin, el panorama de aquellos diez años mostraron al policial en buena forma, con aires renovadores, miradas originales, violencia en buena dosis, arquetipos genéricos construidos desde la modernidad pero escarbando en la forma clásica.

La grilla de aquella década debería completarse con LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE, segundo título del hasta entonces (casi) desconocido cineasta Bryan Singer.

Es el instante del mejor rompecabezas de la década, de la construcción de una historia y de personajes atractivos, de la conformación de una manera de hacer policiales en donde los sospechosos son todos aquellos que andan por ahí, pero también, alguno que es enviado como emisario de un criminal de origen turco de bien ganado prestigio.

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3/10/2016

12 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TIEMPOS VIOLENTOS” DE QUENTIN TARANTINO

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO…

Por Gustavo J. Castagna

Probablemente TIEMPOS VIOLENTOS (o Pulp Fiction a secas como prefieren los fans) sea una de las películas de los 90 de las que más se escribió, habló, discutió y hasta polemizó en los rincones de la cinefilia más tradicional y de aquella infanto-juvenil que empezaría a emerger a propósito del opus 2 de Quentin Tarantino.

TIEMPOS VIOLENTOS CIC BLOG

En efecto, a partir de las casi dos horas y media de personajes, situaciones, invocaciones al género policial, violencia extrema, chistes, guiños, una estructura particular (ni demasiado “genial” u “original” como se dijo más de una vez), citas al pasado en plan reciclaje postmoderno y un grupo de intérpretes funcionales aun en mínimos apariciones, TIEMPOS VIOLENTOS quedó instalada como un antes y un después, un film-faro, una referencia permanente de aquella contemporaneidad cinematográfica y de un (supuesto) cine del futuro.

Tarantino y su locuacidad habitual (más brutal, desprolija y menos señorial que la verborragia de Scorsese con sus trajes Armani) hicieron lo suyo, como el aparato de producción de la época y la gerencia de marketing.

El paquete estaba preparado: un director que ya había trascendido con Perros de la calle, su opera prima), actores conocidos y taquilleros (la mayoría), el culto a la novelitas pulp, el policial como fundamento genérico, pero también, la particular cinefilia de su director, en este caso, llevada a un alto grado paroxístico.

Es que en TIEMPOS VIOLENTOS se mixturan a puro placer narrativo una multitud de historias, conversaciones y personajes que pertenecen a la gramática del policial pero construidos por la particular mirada del cineasta. Una mirada oblicua, transversal, periférica al género, matizada con momentos de humor irónico y filoso, contemplados desde un deja vú que nunca decide el camino de la soberbia y “la canchereada” estilística (por ejemplo, como ocurre en varios films de los Coen) sino desde el ojo clínico de un director que observa con ingenuidad y sin culpas a sus personajes. (más…)

28/09/2016

5 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS ÁNGELES AL DESNUDO” DE CURTIS HANSON

SOMBRAS Y LUCES EN LA CIUDAD

Por Gustavo J. Castagna

Todo funciona a la perfección en las más de dos horas de LOS ÁNGELES AL DESNUDO de Curtis Hanson. Desde la funcional cámara del director (fallecido hace menos de un mes), la adaptación que Brian Helgeland hiciera de la novela de James Ellroy, un grupo actoral de intérpretes principales y secundarios en estado de gracia, la concreta reconstrucción de época que alude al Los Ángeles de los 50 y una trama enroscada, con pliegues y repliegues narrativos, en donde se materializa aquel viejo axioma del género policial que reza “nada es lo que parece ser”

LOS ANGELES AL DESNUDO CIC BLOG

Ese “nada es lo que parece ser” acumula personajes de doble faz o, en todo caso, en algunos ejemplos, obligados a modificar su conducta ética e intachable: al final de la película, aquellos que aun estén vivos (que no serán tantos) se verán muy diferentes a cómo eran al principio. Algunas amistades trastocarán en traición, unos personajes morirán en el intento de resolver los múltiples asuntos que no parecen preocupar demasiado a un destacamento policial con sus correspondientes detectives, alguno más seguirá seduciendo en esa ciudad corrupta y hasta un correcto agente, seguro de sí mismo y de su moral frente al mundo. se convertirá –porqué no- en una extensión de ese paisaje soleado pero podrido por dentro.

LOS ÁNGELES AL DESNUDO estimula al elogio inmediato, a salir a defender con ganas sus idas y vueltas narrativas, sus chistes e ironías sobre aquel Hollywood crepuscular, su infinidad de matices que entrega una paleta cromática que deja ver a una ciudad luminosa, con glamour y estrellas cinematográficas que recuerdan a aquellas verdaderas de su época (¡la vuelta de Kim Basinger y su seducción a pleno desde la mirada, la silueta y la piel!).

Pero, además de las mujeres protagonistas, secundarias o no, la película describe una trama de hombres: un recién llegado a la oficina policial, heredero de la ética de su padre (Ed Exley – Guy Pearce-); el irascible y violento Bud White (Russell Crowe), el parsimonioso e irónico Jack Vincennes (Kevin Spacey), el periodista y fotógrafo que conoce al detalle el “detrás” de aquel Hollywood (Danny De Vito) y, entre otros, el jefe de todos los detectives, el reglamentado y conocedor del terreno que pisa, la ley dentro de una mirada particular, encarnada por Dudley Smith (el extraordinario James Cronwell).

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9/09/2016

28 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “PECADOS CAPITALES” DE DAVID FINCHER

EL PERFECTO ASESINO

Por Gustavo J, Castagna

Una de las claves del policial en los años 90 refiere al abastecimiento temático y formal de ciertas zonas genéricas en donde se mixtura una investigación o un caso a resolver de raíces detectivescas junto a una serie de asesinatos crudos y concebidos por especialistas en el ramo. Allí está el gran antecedente de El silencio de los inocentes (1987), la oscarizada película de Jonathan Demme, construida a través de la macabra y seductora inteligencia de Hannibal Lecter, quien decide trasmitir los rasgos principales del caso a la inestable Clarise Sterling. El título de Demme, inesperadas estatuillas mediante, se convirtió en un film de culto que fanatizó a los adictos al terror, pero también, a los seguidores del thriller de investigación.

PECADOS CAPITALES - CIC BLOG

Los 90 trajeron otras mixturas entre el terror y el policial y tal vez el mejor ejemplo sobre el tema se relacione con PECADOS CAPITALES, la segunda  incursión cinematográfica de David Fincher luego de su debut en la visión religiosa y espacial de Alien 3.

SEVEN está conformada desde los lugares comunes al género pero edificada por la mirada particular de Fincher sobre el terror y el policial. Como más adelante haría en la estupenda Zodíaco (2007), el caso a resolver parece fácil pero al poco tiempo los contrapuestos detectives Somerset y Mills comprenden que se está frente a un asesino no convencional. Sin embargo, a diferencia de Zodíaco en donde el punto de vista se reparte en tres personajes y al criminal, aun de forma diluida, se lo alcanza a ver en más de una ocasión, el entramado argumental de PECADOS CAPITALES ostenta una narración vertical sin oscilaciones hacia otras zonas impuras de los géneros convocados. Es decir, mientras Zodíaco invade diferentes registros de época (y su correspondiente contextualización política y cultural), de acuerdo al tiempo en que se describe el accionar del asesino, en PECADOS CAPITALES la narración es centrípeta, ubicada en las raíces del género, acomodada a una puesta en escena legitimada desde su tono clásico, construida desde la perfecta carnadura de los dos personajes centrales (Somerset y Mills) y de un secundario al que no debería tomarse a la ligera (la esposa de Mills). Conclusión de esta idea: el asesino cobrará protagonismo en la última parte, en ese extraordinario segmento final en donde el desierto, una camioneta y una caja (no vacía) completarán la apoteosis del horror más extremo e insoportable.

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9/09/2016

14 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LA ADICCIÓN” DE ABEL FERRARA

VAMPIROS FILOSÓFICOS

Por Gustavo J. Castagna

¿Cuáles habrán sido los motivos por los que el iracundo y genial (en muchas ocasiones) Abel Ferrara se interesó por un film sobre vampirismo?

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¿Habrá sido la mano de su guionista, el ultracatólico Nicholas St. John, habitual colaborador del cineasta nacido en el Bronx? ¿Acaso las ideas aportadas por su productora Annabella Sciorra, también presente en la película en un breve pero importante rol como actriz?

¿O todo se deberá a los fantasmas que caracterizan al cine del realizador, teñido de violencia, sangre, drogas, culpas y redenciones?

La cuestión es que LA ADICCIÓN es el viaje que Ferrara emprendió a las raíces del género (es decir, a las yugulares) pero que, a través de su particular mirada sobre el tema del vampirismo, se convierte en un pretexto para describir un mundo donde el ser humano se ve devastado, frágil, inestable en su mismísima condición.

Ferrara concibió LA ADICCIÓN entre la visceral e incómoda SNAKE EYES / JUEGOS PELIGROSOS (el mejor trabajo en cine de Madonna) y la oscura y genial EL FUNERAL, es decir, en ese período en donde el director dejaría sus mejores películas, dentro de un carrera iniciada en los años 70 con la violentas DRILLER KILLER y ÁNGEL DE VENGANZA, que luego continuaría con tres títulos extraordinarios: CHINA GIRL / SUBURBIOS DE MUERTE (particular visión del mito de Romeo y Julieta), EL REY DE NUEVA YORK (con  el gran Christopher Walken) y UN MALDITO POLICÍA (con un Harvey Keitel cocainómano al margen de la ley y coqueteando con Dios y la culpa).

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28/08/2016

7 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “REC” DE JAUME BALAGUERÓ Y PACO PLAZA

PABLO… ¿QUÉ COÑO ES ESTO?

Por Gustavo J. Castagna

Pablo es una cámara en mano, un espacio off que registra, observa, mira y respeta las indicaciones de  Ángela Vidal (Manuela Velasco), reportera con micrófono en mano de un programa televisivo nocturno, destinado a cubrir las vivencias de un grupo de bomberos en un destacamento.

REC - copia

La hermosa Ángela, sonrisa permanente y presta para la labor, convivirá en ese espacio durante un corto tiempo, ya que la alarma se escucha en medio de la noche y la emergencia está a la vuelta de la esquina o a unas cuadras de distancia.

Parece que surgieron problemas en un viejo edificio, y claro, los bomberos siempre deben estar listos según el reglamento.

Pues bien, allí ocurrirán sucesos inesperados, uno detrás de otro, misteriosos en sí mismos y de difícil explicación, aun para los moradores del lugar: una madre con su hija pequeña (Jennifer, nombre de personaje acorde al género de terror), una pareja de ancianos, una familia de origen chino, un señor que preocupado por la cámara (es decir, Pablo), otros habitantes del edificio, algunos superiores de la policía, los bomberos recién llegados, la dulce Ángela y hasta nuevos personajes que irán arribando a ese espacio inquietante enviados por el Ministerio de Salud.

A casi una década de su gestación, REC es un clásico del espanto más visible, una conformación perfecta de gritos, exclamaciones, ruegos, sonidos extraños, otros violentos, pasillos dignos de temer, secretos a revelar. O no. (más…)

26/08/2016

31 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “DÉJAME ENTRAR” DE MATT REEVES

SIN PERMISO PARA AMAR

Por Gustavo J. Castagna

Resulta curioso que una remake como DÉJAME ENTRAR esté a la altura de su original, en este caso, LET THE RIGHT ONE IN (Lat den rätte komma in), film sueco de 2008 de Tomas Alfredson.

Sorprende, y de buena manera, que dos años después de aquella historia original, el cine norteamericano emprendiera con rapidez la nueva versión de una historia de dos chicos de 12 años que se conocen por casualidad y que desde allí surge entre ambos la posibilidad de un amor precoz. Pero claro, contado así, parecería que se trata de un nuevo relato sobre el fin de la infancia y el comienzo de la adolescencia. En todo caso, los dos púberes, él solitario y castigado por sus compañeros, con la figura del padre ausente y una madre que se preocupa poco y nada, y ella, en tanto, la nueva vecina que llega con un extraño señor, con los pies descalzos en la nieve y una mirada intrigante y compasiva, entre ambos, como ocurría en la película original, surgirá una cálida relación afectiva que necesitará de sangre.

SEMINARIO Película A3 - dejame entrar 2 - copia

Efectivamente, la niña Abby (la extraordinario Chloe Grace Moretz) tiene más de los 12 años que invoca, muchísimos más, o en todo caso, como ella misma refiere: “hace demasiado tiempo que tengo 12 años”

Como primera lectura, DÉJAME ENTRAR encuentra el tono justo, sombrío y gélido, apartado geográficamente de una gran ciudad, reacio a la esquematización de una historia con una nena-vampiro de protagonista y un chico que encuentra en ella su otra mitad, aquella que el contexto y el entorno solo  provocan en él una serie de daños y humillaciones inexplicables.

Owen (Khodi Smith-McPhee) en un sujeto curioso, encerrado en su mundo, voyeur de ocasión, con amigos en la escuela que lo pasan por alto y con otros compañeros de colegio que no hacen otra cosa que demolerlo física y moralmente. Owen es el sujeto narrador de la historia y desde su mirada se empiezan a reconocer las características de Abby y de su acompañante, un falso progenitor que dedica su tiempo a buscar cuerpos para que la niña pueda saciar su deseo. Pero hay otro personaje interesante: un policía (personificado por el dúctil Elias Koteas), sujeto actuante en la primera secuencia que retoma protagonismo en la segunda mitad del film. En ese sentido, la narración de Matt Reeves invita al elogio: comienza su historia desde una escena posterior de la trama y, cerca de la mitad de la película, aclara al espectador por dónde seguirá el relato. (más…)

18/08/2016

24 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TE SIGUE” DE DAVID ROBERT MITCHELL

¡AHÍ VIENE…. CUIDADO!

Por Gustavo J. Castagna

Fue uno de los mejores estrenos del año pasado y pasó casi desapercibido entre fatigadas actividades paranormales y films caseros herederos de aquella Bruja Blair. Pero TE SIGUE, segunda largometraje de David Robert Mitchell (The Myth of the American Sleepover, 2010), representa un aire renovar dentro del género de terror, acostumbrado en los últimos años a la búsqueda del impacto inmediato y al escamoteo del espacio off y del fuera del campo. Es decir, a aquella vieja prédica de “tenerle miedo al miedo” que por momentos parece haberse clausurado en tiempos cercanos.

TE SIGUE CIC BLOG

Pero vayamos de a poco: aun no da para armar una serie de festejos pero es innegable que a través de recientes títulos genéricos de terror se insinúan algunos bienvenidos cambios.

TE SIGUE encabeza un breve listado, por lo menos hasta hoy, que propone un retorno a las fuentes narrativas de los años 70 y 80, en especial, trazando un puente desde los mejores títulos del gran John Carpenter hasta los temas que le interesaban a Wes Craven, en especial, el de las  iniciales pesadillas de Freddy Krueger y la más que astuta Scream.

TE SIGUE es terror de bajo presupuesto pero sin la imperiosa necesidad de recurrir a las camaritas digitales sino apropiándose de travellings y panorámicas que remiten a la tradición setentista.

Representa, en más de un sentido, una especie de terror abstracto, que recurre a la insinuación antes que a la certeza para describir a una serie de climas inquietantes y a un virus como detonante del relato, al que se le desconoce su origen, dispuesto a acosar y perseguir a la adolescente Jay y al grupo de amigos.

Es clasicismo puro desde la estupenda primera escena marcada por esa sensación de no lugar ni temporalidad posible, al mostrar a una chica corriendo y escapando de no se sabe quién. Es terror nocturno, pero también, como en los buenos ejemplos instalados por el cine de Carpenter (Halloween, La niebla, El enigma de otro mundo, En la boca del miedo), hay lugar para las escenas diurnas, aquellas donde concebir un terror de “apariciones” y “persecuciones” resulta más complejo.

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12/08/2016

A PARTIR DEL 24 DE AGOSTO – NUEVO SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

8 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

TRADICIÓN Y MODERNIDAD

Por Gustavo J. Castagna

El terror y el policial en los últimos años. Dos décadas de géneros cinematográficos con sus correspondientes transformaciones, mutaciones, reciclajes. No solamente estéticos, sino también conceptuales y ajenos a los films en sí mismos.

El espectador de hoy disfruta de las películas de terror y de las cintas policiales desde un lugar distinto: desprovisto de la cultura cinéfila tradicional, explora su mirada desde el goce inmediato, la repercusión eficaz, el análisis redituable por el efecto en sí mismo.

GENERAL - BLOG

El cine y los géneros transitan una etapa de cambios, formales y temáticos, mirando hacia atrás e invocando referentes del pasado a través de citas y homenajes, pero también, colocando la cámara en el presente, fijando la atención en las novedades que proponen los avances técnicos al servicio de las historias.

En ese sentido, el seminario que empieza el miércoles 24 de agosto tiene la intención de abrir interrogantes, tratando de no clausurar conceptos en relación al futuro del cine y de su actualidad genérica. Son ocho títulos que abrieron nuevas perspectivas dentro del terror y del policial, algunos de ellos ya canónicos e incorporados a la mejor memoria que propone el cine. Otros, en cambio, construidos desde la tradición de antaño pero actualizando esos conflictos (el mito del vampiro, las traiciones dentro de un ambiente policial) valiéndose de una mirada que entremezcla ciertos guiños posmodernos con un anclaje que respeta el pasado.

Nada más atendible, por lo tanto, que unos breves apuntes sobre los ocho films del seminario:

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28/04/2016

4 DE MAYO – SEMINARIO DE CINE Y ROCK EN EL CIC – “GIMME SHELTER” DE ALBERT Y DAVID MAYSLES Y CHARLOTTE ZWERIN

MÚSICA Y VIOLENCIA

Por Gustavo J. Castagna

GIMME SHELTER puede considerarse como el primero de los eslabones que señalarían el fin de la utopía hippie rockera iniciada años atrás. El punto de vista de este excelente documental varía en forma continua, oscilando entre los músicos en el escenario, el personal de seguridad contratado para el evento y los numerosos espectadores, en primera instancia felices y luego asustados frente a semejante desmadre que se produciría bien entrada la noche.

CINE Y ROCK A4 GIMME SHELTER  - CIC BLOG

Para que se manifieste semejante decisión estética, el documental de los hermanos Maysles y de Charlotte Zwerin parte de un registro azaroso: las cámaras construyen su discurso de acuerdo a los acontecimientos que imprevistamente suceden en el escenario y fuera de él.

En efecto, la fiesta estaba preparada de antemano y debía ser tal, más aun cuando los Rolling Stones cerrarían su gira por Estados Unidos, meses después de la muerte de Brian Jones, una de las piezas fundamentales de la banda desde sus inicios.

Mick Taylor reemplaza al ángel caído en la pileta de natación de un hotel cinco estrellas y el grupo, los eternos hijos del demonio, vuelven a conformarse: Jagger, Richards, el pétreo Bill Wyman en el bajo y el aún pelilargo Charlie Watts en la batería bautizan en vivo al rubio Taylor con la interminable gira de segunda mitad del año 69.

Pocos meses antes había terminado la fiesta de tres días en Woodstock y el mundo del cine ya intuía que el rock, los músicos y los excesos tendrían su merecido lugar en la historia.

La celebración en el autódromo de Altamont, al norte de California y al este de Okland, aquel 5 de diciembre, terminaría mal, muy mal. Los ya conocidos cineastas de documentales Albert y David Maysles, junto a la productora Charlotte Zwerin, fueron con un montón de cámaras para registrar el acontecimiento. Al fin y al cabo, era la vuelta de los Stones, luego de la muerte de Brian Jones y de dos años sin salir de gira. A la eterna banda la acompañarían otras para el registro en vivo: la ultra hippie y brillante Jefferson Airplane con la estupenda voz de Grace Slick; la psicodélica propuesta de Grateful Dead con su líder Jerry García; la novedad de ver en vivo a Flying Burrito Brothers con el autodestructivo Graham Parsons; las voces folk de Crosby, Stills y Nash y esa pareja tensa en la privacidad pero excelente en el escenario que conformaban Ika y Tina Turner.

Pero Mike Jagger, o los Stones, o quién sabe, metieron la pata al contratar a los furibundos Hell Angels con sus motos, camperas de cuero y cervezas en mano como personal de seguridad.

Hay películas dentro de la relación entre el cine y el rock que tienen categoría de únicas, imprescindibles, más que necesarias de ver. GIMME SHELTER es una de ellas ya que se trata de una decisión azarosa de sus tres directores, quienes se dispusieron a filmar el recital y finalizaron registrando la muerte de un espectador – Meredith Hunter- apuñalado por un feroz integrante de los Hell Angels.

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19/04/2016

27 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “24 Hour Party People” de Michael Winterbottom

LA GRAN MOVIDA

Por Gustavo J. Castagna

Hay películas dentro de la fusión cine y rock que celebran a los músicos. Otras al público como sostén de la música procedente desde el escenario. Y otras más donde el rock acompaña la existencia de sus personajes principales o secundarios.

CINE Y ROCK A4 24 HOUR PARTY    - CIC BLOG

En el seminario que comenzó con EL ANSIA, cada uno de estos ítems se vio reflejado: Bowie como ícono vampiro en el título de Scott; el joven protagonista de EDÉN con (viviendo) con su música que (no) lo haría famoso; Maggie Cheung, en tanto, en el melodrama que narra Olivier Assayas en CLEAN, variando su forma de acercarse a la música de acuerdo a sus inestabilidades personales.

Sin embargo, pocas son las películas en las que se celebra la figura de un productor discográfico. 24 HOUR PARTY PEOPLE, en en ese sentido, es un título único en su especie y un film extraordinario por múltiples razones.

Tony Wilson fue un genio, un personaje diferente entre sus colegas productores y empresarios, un visionario de aquellos años 70 y 80 sobre el mundo por venir, un sujeto que perdió mucho más de lo que ganó, una persona inteligente y culta que, por si fuera suficiente, amaba el rock. Wilson murió en el 2007 pero por suerte llegó a ver la excelente película de Michael Winterbottom que refleja la movida de Manchester desde los Sex Pistols hasta el surgimiento de los D-J en tierras británicas, abarcando casi veinte años de música, bandas, sonidos, alegrías, muertes, excesos y una apabullante adrenalina que marcó una época.

24 HOUR PARTY PEOPLE desde su mismo comienzo marca las pautas en relación al punto de vista: el film girará alrededor de Wilson y sus muchas pérdidas y pocas ganancias en dinero, sus descubrimientos, su relación de pareja, la ruptura, la nueva novia, sus amigos productores, su lugar de anclaje creativo y de supervivencia (la pequeña empresa Factory Records) y su pista de aterrizaje de características lúdicas (el mítico espacio The Factory, espacio festivo y creativo en donde se presentaban sus creaciones musicales).

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14/04/2016

20 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “The Rocky Horror Picture Show” de Jim Sharman

TRANS-CINE

Por Gustavo J. Castagna

“I ´m Just a Sweet Transvestite / From Transsexual / Transylvania”

Así se presenta el Dr. Frank –N- Furter ante los imprevistos invitados, la parejita recién llegada al castillo, donde anda experimentando para crear a Rocky, el Frankenstein trans que lo amará de por vida. Ese es solo el estribillo de una de las tantas canciones que transformaron a THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, como bien dicen varias notas de aquella época, en la madre de las películas de culto a través de las reverencias incondicionales, el espectador fanático y participativo, el delirio interactivo que ya superó las cuatro décadas.

CINE Y ROCK A4 THE ROCKY HORROR   - CIC BLOG

Primero obra de teatro y luego cult movie, la creación de Richard O’ Brien (Riff Raff en la película) tiene a Tim Curry como el científico, en una performance que hizo y que aun hace historia. El culto al film no terminó en los 80 y el flagelo del SIDA no impidió que los fans se desperdigaran por el mundo, desparramando su amor eterno a una película que convoca y parodia a títulos de terror de los 30 de la productoras Universal y RKO y a clásicos de la ciencia ficción de los 40 y 50. Más aun, la primera canción, expresada a través de los labios de carnosos Magenta (uno de las secretarias del Dr. Furter) en primerísimo primer plano invocan a Fay Wray (la heroína de aquel KING KONG de los inicios del sonoro) y a otros actores y películas que habían recorrido la ciencia y ficción y el terror de dos décadas.

El culto cinéfilo, claro está, en el caso de THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, se convierte en el culto trans y en el grito a full que pide la liberación de los cuerpos a través de un hedonismo sin vueltas. Contextualmente estamos en los años del glam rock, la ambigüedad sexual, el rimmel, las lentejuelas y la purpurina. Son los años de “Space Oddity”, “Ziggy Stardust” y David Bowie, los tiempos en que los New York Dolls proponen su himno “Personalitty Crisis”. Son esos momentos de la historia de la música y de la aparición de las estrellas rock andróginas que bien reflejaría la excelente VELVET GOLDMINE (1999) de Todd Haynes. En esa Inglaterra pos Beatle y aun con los Sex Pistols haciendo buches y preparando sus primeros escupitajos, comienzan las iniciales representaciones de THE ROCKY HORROR en teatro. Las noticias ya dicen que el espectador participa activamente de la obra, pero será el cine y el film de Jim Jarman (una criatura teatral) las que acrecienten el mito. El público canta y sabe de memoria las canciones, en esos años setenta y hasta hoy, baila en los cines y transforma en ídolos por siempre a Tim Curry y al resto de los intérpretes, inclusive a la joven Susan Sarandon, la novia asustada y luego satisfecha frente a tanto descontrol.

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7/04/2016

13 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “Clean” de Olivier Assayas

MARTIRIO Y REDENCIÓN

Por Gustavo J. Castagna

Primera aclaración: CLEAN de Olivier Assayas representa una zona de riesgo dentro del seminario sobre las relaciones del cine con el rock. Zona intangible, acaso, porque salvo un par de tema musicales acordes (por ejemplo, uno de Mitric al principio del film), la historia dispara hacia otros ámbitos genéricos que, por momentos, poco tendrían que ver con los principios del seminario. Pero música hay y de sobra, en especial, las canciones que entona la protagonista Emily (Maggie Cheung) con su dulce y melancólica voz que se opone al estado de las cosas terminal que desarrolla la trama. En efecto, CLEAN es un melodrama donde la música adquiere protagonismo desde las idas y vueltas del personaje central, conviviendo con el dolor de una pérdida afectiva e intentando recuperar a su pequeño hijo protegido por sus suegros (allí aparece Nick Nolte en otra interpretación recordable).

CINE Y ROCK A4 CLEAN  - CIC BLOG

Olivier Assayas confía en el melo como sustento dramático de la historia y hacia allí va, sin mirar para los costados, sin temerle a que se lo acuse de construir algunas escenas banales con su protagonista pretendiendo solucionar sus problemas dentro de un mundo que la rechaza por su adicción a las drogas duras.

En ese sentido, el consumo de drogas en determinadas películas sobre el rock actúa como sostén paradigmático dentro de las tramas. Desde la esencial BUSCO MI DESTINO (Easy Rider) de Dennis Hopper en donde la poética beatnik heredada de “On the Road” de Jack Kerouac se fusionaba con la música de la época y los interminables “trips” de los personajes, constituyendo un tono elegíaco sin contemplaciones sobre el tema, hasta el dolor físico y los cadáveres de Sid Vicious y Nancy Spugren en SID Y NANCY de Alex Cox (que será exhibida en el seminario el miércoles 11 de mayo), maltratados por el consumo de heroína, en una película de atmósfera fúnebre y mortuoria, el rock en imágenes siempre recibió con las puertas abiertas al tema de las drogas. Claro está, que las diferencias surgen desde la óptica elegida por cada realizador: existen títulos en donde triunfa la celebración a través del consumo, y otros, en los que las drogas actúan como materia secundaria dentro de las historias.

Por eso, CLEAN es una película curiosa. (más…)

30/03/2016

6 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “Edén” de Mia Hansen-Love

EL FIN DE LA ADOLESCENCIA

por Gustavo J. Castagna

Uno de los mejores films de la primera década del siglo es 24 Hour Party People (que será exhibida en el seminario el miércoles 27 de abril) del inglés Michael Winterbotton y su excelente reconstrucción de la movida musical en Manchester, en una historia que empezaba con los Sex Pistols y terminaba con el estallido de las rave y que tenía al empresario Tony Wilson como voz y cuerpo narrador.

 CINE Y ROCK A4  EDEN  - CIC BLOG

EDEN, en cambio, no está contada desde el punto de vista de un personaje reconocido sino a partir de Paul (el hierático y funcional Félix De Givry) como uno de los tantos cultores de la música garaje por la calles de París y Nueva York, con aquel marco inicial de época (año 1992) que la película traerá hasta casi estos días.

Como en 24 Hour el contexto se combina con las vidas de los personajes y la creación musical con las idas y vueltas de Paul y su madre, sus parejas, sus amigos, sus amistades ocasionales y, más que nada, sus ganas de triunfar en aquellos tiempos de Daft Punk antes, durante y después de que los franceses se convirtieran en estrellas.

Como también sucedía en el film de Winterbotton, el entorno y la descripción de época presentará consumo de cocaína, una muerte joven, hijos, peleas, la posibilidad de encaminarse hacia otros rumbos y, más que nada, los vanos intentos por detener el paso del tiempo y las obligaciones que impone la sociedad luego de una prolongada etapa adolescente.

“Tengo 34 años” dice Paul mientras es ayudado por un grupo de amigos luego de una noche de alcohol, sustancias duras e intento de suicidio. La noche y la fiesta parecen interminables para Paul y quienes están cerca suyo pero, como sucede en la mayoría de las películas que marcan el antes y un después de una generación junto a un determinado tipo de música, la sociedad impondrá su mirada hacia un futuro de bienestar muy lejos de aquellos años de riesgo permanente y de bienvenida (in)comodidad pos adolescente.

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21/03/2016

A partir del 30 de Marzo – Nuevo seminario de Cine y Rock en el CIC a cargo de Gustavo Castagna

8 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

TENSIONES Y COMPROMISOS

Por Gustavo J. Castagna

Cine y rock. Rock y cine. Uno ya tiene más de 120 años desde aquellas primeras exhibiciones de los hermanos Lumiére. El otro, más de sesenta desde el día en el que Bill Haley y sus cometas grabaron el primero de los simples para que los jóvenes movieran las caderas provocando desmayos en sus padres. Pero, en todo caso, hubo antecedentes en los dos: desde las experimentaciones previas a la cámara de los hermanos que no confiaban en el futuro de ese nuevo intento hasta los cruces y mixturas entre el jazz, el blues y el rhythm & blues que conformaron una música desconocida hasta el momento, la sociedad Cine y Rock tiene sus ejemplos recordables, pero también, sus películas de inmediato olvido.

El seminario que empieza el miércoles 30 de marzo no tiene la intención de convertirse en un catálogo académico ni tampoco en una selección de títulos canónicos sobre el tema. En todo caso, los ocho films de diferente época, elegidos desde una paradójica arbitrariedad democrática, toman al rock como eje central, pero no únicamente desde la presencia de la música sino a partir de unos argumentos en donde el cine está representado como lenguaje. ¿Son películas rockeras, entonces? Sí y no. La música estará presente pero detrás de cada una de las películas subyacen historias, estilos, identidades de época, marcas a seguir, movimientos representativos, contextos determinados, criterios de puesta en escena.

SEMINARIO CINE Y ROCK EN EL CIC

Algunas apostillas descriptivas de los ocho títulos:

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21/03/2016

30 DE MARZO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CINE Y ROCK – “EL ANSIA” DE TONY SCOTT

NOSOTROS NO QUEREMOS ENVEJECER

Por Gustavo J. Castagna 

En los inicios de los 80 el apellido Scott solo refería a las reverencias que la crítica y los fans le hacían al cineasta Ridley Scott, quien ya había construido una trilogía inicial (Los duelistas, Alien, Blade Runner) para resguardo de la buena memoria del cine. Por ese entonces, la actriz y estrella Catherine Deneuve –como ocurre hasta estos días- trabajaba incansablemente en películas de autor y en otras de inmediato impacto económico; en tanto, Susan Sarandon, con un puñado de papeles, aun oficiaba de intérprete secundaria. David Bowie, por su parte, editaba el LP “Let’s Dance” con los exitosos cortes “Modern Love”, “China Girl” y el tema que diera título al disco, comenzando su peregrinaje por la década donde transmutaría de estrella espacial a estrella del rock. A este grupo de nombres trascendentes se le sumaría uno todavía desconocido: Tony Scott, hermano de Ridley, director publicitario hasta el momento, que debutaría como realizador con EL ANSIA, protagonizada por esa dupla estelar. Pero el paisaje de entonces ya había tenido su embrión original a través de un dato no menor: desde el 1 de agosto de 1981, con la exhibición del clip “Video Killed the Radio Star” de la banda The Buggles, MTV había comenzado su historia.

CINE Y ROCK A4  EL ANSIA  - copia

Este extenso prólogo, necesario para entender un contexto determinado, es el que incidiría en la opera prima de Tony Scott, que decide narrar una historia de vampiros con estética gótica, tomando como centro a la pareja central, John y Miriam Blaylock (Bowie, Deneuve) y sus ansias por alcanzar la eternidad.

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16/10/2015

21 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “FITZCARRALDO” DE WERNER HERZOG

EL VIAJE HACIA EL FIN DEL MUNDO (segunda y última parte)

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, los viajes hacia el abismo del mundo concebidos por el alemán desaforado y sin red posible continúan hasta hoy, razón por la que llegar a ciertas conclusiones sobre el tema puede resultar algo o muy apresurado y sin demasiados fundamentos.Está bien, Herzog es un señor que superó los 70 años y seguramente ya no está en condiciones de acompañar los momentos demenciales de Lope de Aguirre en aquella travesía hacia El Dorado ni tampoco, aun cuando sería gestada una década más tarde, emprender un nuevo viaje por el Amazonas profundo con un barco, la música operística desde Enrique Caruso en la voz y Klaus Kinski dirigiendo con su habitual enajenación actoral (¿o no?) a una tripulación de indígenas y gente destinada a un pabellón psiquiátrico.

HHH -FITZCARRALDO CIC BLOG

En efecto, Herzog no tendrá toda la energía que mostraba en los tiempos del rodaje de FITZCARRALDO (1982) pero su espíritu de director aventurero permanece intacto, aun cuando –por comentarios ajenos- sus últimas ficciones no estarían a la altura de su abundante currículum como cineasta.

FITZCARRALDO es una película extensa –oscila las dos hora y media- pero altamente disfrutable por varios motivos. En primera instancia, el relato que se circunscribe a describir la previa al viaje del personaje jugado por Kisnki.

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9/10/2015

14 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “GRIZZLY MAN” DE WERNER HERZOG

ÚLTIMO VIAJE AL FIN DEL MUNDO

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, la travesía final del título no la emprenderá Herzog, quien sigue viajando de acá para allá entre documentales y ficciones, sino el verborrágico e inquieto ecologista Timothy Treadwell, a plena euforia por los parques nacionales y las reservas en Alaska. Su cariño por los osos pardos y la forma en que se contactó con ellos, siempre con la ayuda de su novia con la cámara en mano, lo llevó a visitar en trece ocasiones el hábitat de los plantígrados, con tanto amor y entusiasmo por los gigantescos animales y tanta pasión por el riesgo y la aventura, que el desenlace en el viaje final, a más de uno que conocía al personaje, sorprendería poco y nada.

HHH -GRIZZLY MAN  CIC BLOG

Es que Treadwell era un personaje muy parecido a Herzog, y también, al Kinski de las demenciales aventuras en conjunto entre director y actor. Treadwell va más allá de lo legal y permitido, violando reglas, omitiendo que tal vez su contacto con los peligrosos osos pardos pudiera terminar como realmente ocurriría en el viaje número trece. Con esos materiales registrados por los novios aventureros, más de cien horas de duración, una serie de entrevistas a individuos que conocieron a Treadwell y la voz en off y presencia de Herzog en imágenes, sumado claro está, a los movimientos lentos y parsimoniosos de esos animales de miles de kilos, desde esa concepción mínima, surgiría un gran documental como GRIZZLY MAN, premiado en festivales y exhibido por primera vez en el prestigioso Festival Sundance.

Curiosidades o no tanto, buena parte del presupuesto le correspondió a Discovery Docs, uno de los brazos empresariales de Discovery Channel. Pero se está muy lejos de un obvio registro en imágenes sobre las vidas de unos osos con un pelaje determinado: GRIZZLY MAN es un trabajo de Herzog desde el principio al final, en donde se refleja el fanatismo desmesurado de un hombre que decidió inmolarse y ser devorado por un animal. Pero también, por suerte, el morbo explícito nunca dice presente en el documental: a Herzog le interesa más hablar con una ex pareja de Treadwell, ver las imágenes y escuchar al personaje en más de una ocasión, recorrer con su cámara los lugares visitados por el hiperquinético y voraz ecologista. En ese punto, un personaje  sorprende por sus declaraciones y debido a la forma en que cuenta cómo llegaron los restos de Treadwell a su “mesa de trabajo” Efectivamente, se trata de quien se encargó de la autopsia final: la vida y la muerte según Hergog desde la perspectiva del sepulturero/científico que tiene más de una cercanía con aquellos brujos de las tribus amazónicas de FITZCARRALDO y COBRA VERDE.

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