Posts Tagged ‘Seminario de Cine’

23/03/2017

29 DE MARZO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “SUSPIRIA” DE DARIO ARGENTO

COLOR, TERROR, COLOR, TERROR

Por Gustavo J. Castagna

Cuatro décadas ya tiene SUSPIRIA de Dario Argento, acaso el título clave en la obra del director y el film fundamental en la historia del giallo, el cine de terror gestado en Italia desde los 60 en adelante con el pionero Mario Bava.

Cuarenta años que se sienten más jóvenes que nunca debido a que SUSPIRIA no ha envejecido ni en un solo plano, más aun, ningún dejá vú teñido de conservadurismo se percibe en su hora y media, siempre supeditada a un trabajo minucioso y enfermizo con el color, con ese rojo intenso que adquiere un rol protagónico en casi todo su desarrollo.

1-Seminario Suspiria - CIC BLOG

Argento ya había construido su primera trilogía fílmica con EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL; EL GATO DE LAS NUEVE COLAS y CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS y su éxtasis formal con el zoom, la mezcla de thriller, suspenso y toques de terror aun no desaforados y extremos.

Dos años antes de SUSPIRIA realiza ROJO PROFUNDO (1975), su primera y más que eficaz inserción en el gore fusionado al arte gótico pero aun con grajeas narrativas que aludían a su trilogía de pájaros, gatos y moscas.

Por eso SUSPIRIA mira de lejos a aquellos thrillers para aferrarse a unos climas pesadillescos, abstractos, ajenos al realismo, a aquellas incursiones dentro del relato policial.

Argento filma una película demencial que toma como pretexto la llegada a Alemania de una futura alumna (Jessica Harper, presencia permanente en esos años: “Un fantasma en el paraíso” de Brian De Palma, por ejemplo) de una escuela de danza con particulares características. Celadoras, alumnas y alumnos, directoras, profesores y esa gente extraña a la que el director recurriría en más de una ocasión, esos individuos que parecen salidos de un cuento de hadas sin bosque pero con un  cuchillo bien afilado, serán los protagonistas de la trama.

¿Trama¿ ¿Relato? ¿Historia?

“Lo que me interesa del cine es la abstracción” dijo Orson Welles alguna vez.

Y semejante frase encaja perfectamente en SUSPIRIA, un manual de estilo, un ejercicio de la forma con un argumento como soporte, el triunfo del formalismo por encima de lo anecdótico. (más…)

17/03/2017

A PARTIR DEL 29 DE MARZO – NUEVO SEMINARIO EN EL CIC – CINE DE GÉNERO – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

10 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Por Gustavo J. Castagna

Llegó la hora de reivindicar al cine de terror. A un género bastante maltratado en los últimos tiempos debido a recetas, fórmulas y películas concebidas con solo un par de ideas interesantes. O solo una.

Llegó el momento de elaborar reflexiones sobre el mejor terror (psicológico, sangriento, satánico, efectista, efectivo, gore, sutil, entremezclado con el suspenso y el trance onírico) a través de un seminario y sus correspondientes presentaciones y charlas posteriores a las proyecciones.

Pues bien, el seminario está y el título es altamente contundente y representativo: 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR 

SEMINARIO A3 GENERAL - CIC BLOG

O 10 miércoles seguidos con films de diferentes orígenes, épocas, marcas estilísticas, temas, construcciones dramáticas, recursos.

Los convoco a que vengan el día de inicio (ya, este miércoles 29 de marzo) y contemplen una de las gemas del “giallo” italiano por medio de SUSPIRIA de Dario Argento y su paleta cromática al servicio de una historia con mucha sangre (y bien roja).

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10/10/2016

19 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE” DE BRYAN SINGER

EL MISTERIO KEYSER SÖZE

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la segunda parte de 1995 algunas salas de cine de acá exhibieron films policiales, algunos originales y otros no tanto. La nueva corriente genérica parecía provenir desde comienzos de la década a través de títulos que producía HBO, del reciclaje formal y temático que proponían algunas series de entonces y la puesta al día en vertiente gangsteril que había refundado Scorsese, primero con Buenos muchachos y luego desde el imperio del juego de Casino.

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE - copia

Films de John Dahl (La última seducción; La muerte golpea dos veces), los posteriores estrenos de Pecados capitales y Los Ángeles al desnudo, la cita impostergable por conocer Jackie Brown, “el último Tarantino” (arrastrando la repercusión que había tenido Tiempos violentos), el bienvenido remanente vía Quentin de Escape salvaje (True Romance) de Tony Scott, una excelente propuesta como Revancha (Payback) del guionista Brian Helgeland tras la cámaras, en fin, el panorama de aquellos diez años mostraron al policial en buena forma, con aires renovadores, miradas originales, violencia en buena dosis, arquetipos genéricos construidos desde la modernidad pero escarbando en la forma clásica.

La grilla de aquella década debería completarse con LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE, segundo título del hasta entonces (casi) desconocido cineasta Bryan Singer.

Es el instante del mejor rompecabezas de la década, de la construcción de una historia y de personajes atractivos, de la conformación de una manera de hacer policiales en donde los sospechosos son todos aquellos que andan por ahí, pero también, alguno que es enviado como emisario de un criminal de origen turco de bien ganado prestigio.

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3/10/2016

12 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TIEMPOS VIOLENTOS” DE QUENTIN TARANTINO

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO…

Por Gustavo J. Castagna

Probablemente TIEMPOS VIOLENTOS (o Pulp Fiction a secas como prefieren los fans) sea una de las películas de los 90 de las que más se escribió, habló, discutió y hasta polemizó en los rincones de la cinefilia más tradicional y de aquella infanto-juvenil que empezaría a emerger a propósito del opus 2 de Quentin Tarantino.

TIEMPOS VIOLENTOS CIC BLOG

En efecto, a partir de las casi dos horas y media de personajes, situaciones, invocaciones al género policial, violencia extrema, chistes, guiños, una estructura particular (ni demasiado “genial” u “original” como se dijo más de una vez), citas al pasado en plan reciclaje postmoderno y un grupo de intérpretes funcionales aun en mínimos apariciones, TIEMPOS VIOLENTOS quedó instalada como un antes y un después, un film-faro, una referencia permanente de aquella contemporaneidad cinematográfica y de un (supuesto) cine del futuro.

Tarantino y su locuacidad habitual (más brutal, desprolija y menos señorial que la verborragia de Scorsese con sus trajes Armani) hicieron lo suyo, como el aparato de producción de la época y la gerencia de marketing.

El paquete estaba preparado: un director que ya había trascendido con Perros de la calle, su opera prima), actores conocidos y taquilleros (la mayoría), el culto a la novelitas pulp, el policial como fundamento genérico, pero también, la particular cinefilia de su director, en este caso, llevada a un alto grado paroxístico.

Es que en TIEMPOS VIOLENTOS se mixturan a puro placer narrativo una multitud de historias, conversaciones y personajes que pertenecen a la gramática del policial pero construidos por la particular mirada del cineasta. Una mirada oblicua, transversal, periférica al género, matizada con momentos de humor irónico y filoso, contemplados desde un deja vú que nunca decide el camino de la soberbia y “la canchereada” estilística (por ejemplo, como ocurre en varios films de los Coen) sino desde el ojo clínico de un director que observa con ingenuidad y sin culpas a sus personajes. (más…)

28/09/2016

5 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS ÁNGELES AL DESNUDO” DE CURTIS HANSON

SOMBRAS Y LUCES EN LA CIUDAD

Por Gustavo J. Castagna

Todo funciona a la perfección en las más de dos horas de LOS ÁNGELES AL DESNUDO de Curtis Hanson. Desde la funcional cámara del director (fallecido hace menos de un mes), la adaptación que Brian Helgeland hiciera de la novela de James Ellroy, un grupo actoral de intérpretes principales y secundarios en estado de gracia, la concreta reconstrucción de época que alude al Los Ángeles de los 50 y una trama enroscada, con pliegues y repliegues narrativos, en donde se materializa aquel viejo axioma del género policial que reza “nada es lo que parece ser”

LOS ANGELES AL DESNUDO CIC BLOG

Ese “nada es lo que parece ser” acumula personajes de doble faz o, en todo caso, en algunos ejemplos, obligados a modificar su conducta ética e intachable: al final de la película, aquellos que aun estén vivos (que no serán tantos) se verán muy diferentes a cómo eran al principio. Algunas amistades trastocarán en traición, unos personajes morirán en el intento de resolver los múltiples asuntos que no parecen preocupar demasiado a un destacamento policial con sus correspondientes detectives, alguno más seguirá seduciendo en esa ciudad corrupta y hasta un correcto agente, seguro de sí mismo y de su moral frente al mundo. se convertirá –porqué no- en una extensión de ese paisaje soleado pero podrido por dentro.

LOS ÁNGELES AL DESNUDO estimula al elogio inmediato, a salir a defender con ganas sus idas y vueltas narrativas, sus chistes e ironías sobre aquel Hollywood crepuscular, su infinidad de matices que entrega una paleta cromática que deja ver a una ciudad luminosa, con glamour y estrellas cinematográficas que recuerdan a aquellas verdaderas de su época (¡la vuelta de Kim Basinger y su seducción a pleno desde la mirada, la silueta y la piel!).

Pero, además de las mujeres protagonistas, secundarias o no, la película describe una trama de hombres: un recién llegado a la oficina policial, heredero de la ética de su padre (Ed Exley – Guy Pearce-); el irascible y violento Bud White (Russell Crowe), el parsimonioso e irónico Jack Vincennes (Kevin Spacey), el periodista y fotógrafo que conoce al detalle el “detrás” de aquel Hollywood (Danny De Vito) y, entre otros, el jefe de todos los detectives, el reglamentado y conocedor del terreno que pisa, la ley dentro de una mirada particular, encarnada por Dudley Smith (el extraordinario James Cronwell).

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9/09/2016

28 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “PECADOS CAPITALES” DE DAVID FINCHER

EL PERFECTO ASESINO

Por Gustavo J, Castagna

Una de las claves del policial en los años 90 refiere al abastecimiento temático y formal de ciertas zonas genéricas en donde se mixtura una investigación o un caso a resolver de raíces detectivescas junto a una serie de asesinatos crudos y concebidos por especialistas en el ramo. Allí está el gran antecedente de El silencio de los inocentes (1987), la oscarizada película de Jonathan Demme, construida a través de la macabra y seductora inteligencia de Hannibal Lecter, quien decide trasmitir los rasgos principales del caso a la inestable Clarise Sterling. El título de Demme, inesperadas estatuillas mediante, se convirtió en un film de culto que fanatizó a los adictos al terror, pero también, a los seguidores del thriller de investigación.

PECADOS CAPITALES - CIC BLOG

Los 90 trajeron otras mixturas entre el terror y el policial y tal vez el mejor ejemplo sobre el tema se relacione con PECADOS CAPITALES, la segunda  incursión cinematográfica de David Fincher luego de su debut en la visión religiosa y espacial de Alien 3.

SEVEN está conformada desde los lugares comunes al género pero edificada por la mirada particular de Fincher sobre el terror y el policial. Como más adelante haría en la estupenda Zodíaco (2007), el caso a resolver parece fácil pero al poco tiempo los contrapuestos detectives Somerset y Mills comprenden que se está frente a un asesino no convencional. Sin embargo, a diferencia de Zodíaco en donde el punto de vista se reparte en tres personajes y al criminal, aun de forma diluida, se lo alcanza a ver en más de una ocasión, el entramado argumental de PECADOS CAPITALES ostenta una narración vertical sin oscilaciones hacia otras zonas impuras de los géneros convocados. Es decir, mientras Zodíaco invade diferentes registros de época (y su correspondiente contextualización política y cultural), de acuerdo al tiempo en que se describe el accionar del asesino, en PECADOS CAPITALES la narración es centrípeta, ubicada en las raíces del género, acomodada a una puesta en escena legitimada desde su tono clásico, construida desde la perfecta carnadura de los dos personajes centrales (Somerset y Mills) y de un secundario al que no debería tomarse a la ligera (la esposa de Mills). Conclusión de esta idea: el asesino cobrará protagonismo en la última parte, en ese extraordinario segmento final en donde el desierto, una camioneta y una caja (no vacía) completarán la apoteosis del horror más extremo e insoportable.

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9/09/2016

14 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LA ADICCIÓN” DE ABEL FERRARA

VAMPIROS FILOSÓFICOS

Por Gustavo J. Castagna

¿Cuáles habrán sido los motivos por los que el iracundo y genial (en muchas ocasiones) Abel Ferrara se interesó por un film sobre vampirismo?

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¿Habrá sido la mano de su guionista, el ultracatólico Nicholas St. John, habitual colaborador del cineasta nacido en el Bronx? ¿Acaso las ideas aportadas por su productora Annabella Sciorra, también presente en la película en un breve pero importante rol como actriz?

¿O todo se deberá a los fantasmas que caracterizan al cine del realizador, teñido de violencia, sangre, drogas, culpas y redenciones?

La cuestión es que LA ADICCIÓN es el viaje que Ferrara emprendió a las raíces del género (es decir, a las yugulares) pero que, a través de su particular mirada sobre el tema del vampirismo, se convierte en un pretexto para describir un mundo donde el ser humano se ve devastado, frágil, inestable en su mismísima condición.

Ferrara concibió LA ADICCIÓN entre la visceral e incómoda SNAKE EYES / JUEGOS PELIGROSOS (el mejor trabajo en cine de Madonna) y la oscura y genial EL FUNERAL, es decir, en ese período en donde el director dejaría sus mejores películas, dentro de un carrera iniciada en los años 70 con la violentas DRILLER KILLER y ÁNGEL DE VENGANZA, que luego continuaría con tres títulos extraordinarios: CHINA GIRL / SUBURBIOS DE MUERTE (particular visión del mito de Romeo y Julieta), EL REY DE NUEVA YORK (con  el gran Christopher Walken) y UN MALDITO POLICÍA (con un Harvey Keitel cocainómano al margen de la ley y coqueteando con Dios y la culpa).

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28/08/2016

7 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “REC” DE JAUME BALAGUERÓ Y PACO PLAZA

PABLO… ¿QUÉ COÑO ES ESTO?

Por Gustavo J. Castagna

Pablo es una cámara en mano, un espacio off que registra, observa, mira y respeta las indicaciones de  Ángela Vidal (Manuela Velasco), reportera con micrófono en mano de un programa televisivo nocturno, destinado a cubrir las vivencias de un grupo de bomberos en un destacamento.

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La hermosa Ángela, sonrisa permanente y presta para la labor, convivirá en ese espacio durante un corto tiempo, ya que la alarma se escucha en medio de la noche y la emergencia está a la vuelta de la esquina o a unas cuadras de distancia.

Parece que surgieron problemas en un viejo edificio, y claro, los bomberos siempre deben estar listos según el reglamento.

Pues bien, allí ocurrirán sucesos inesperados, uno detrás de otro, misteriosos en sí mismos y de difícil explicación, aun para los moradores del lugar: una madre con su hija pequeña (Jennifer, nombre de personaje acorde al género de terror), una pareja de ancianos, una familia de origen chino, un señor que preocupado por la cámara (es decir, Pablo), otros habitantes del edificio, algunos superiores de la policía, los bomberos recién llegados, la dulce Ángela y hasta nuevos personajes que irán arribando a ese espacio inquietante enviados por el Ministerio de Salud.

A casi una década de su gestación, REC es un clásico del espanto más visible, una conformación perfecta de gritos, exclamaciones, ruegos, sonidos extraños, otros violentos, pasillos dignos de temer, secretos a revelar. O no. (más…)

26/08/2016

31 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “DÉJAME ENTRAR” DE MATT REEVES

SIN PERMISO PARA AMAR

Por Gustavo J. Castagna

Resulta curioso que una remake como DÉJAME ENTRAR esté a la altura de su original, en este caso, LET THE RIGHT ONE IN (Lat den rätte komma in), film sueco de 2008 de Tomas Alfredson.

Sorprende, y de buena manera, que dos años después de aquella historia original, el cine norteamericano emprendiera con rapidez la nueva versión de una historia de dos chicos de 12 años que se conocen por casualidad y que desde allí surge entre ambos la posibilidad de un amor precoz. Pero claro, contado así, parecería que se trata de un nuevo relato sobre el fin de la infancia y el comienzo de la adolescencia. En todo caso, los dos púberes, él solitario y castigado por sus compañeros, con la figura del padre ausente y una madre que se preocupa poco y nada, y ella, en tanto, la nueva vecina que llega con un extraño señor, con los pies descalzos en la nieve y una mirada intrigante y compasiva, entre ambos, como ocurría en la película original, surgirá una cálida relación afectiva que necesitará de sangre.

SEMINARIO Película A3 - dejame entrar 2 - copia

Efectivamente, la niña Abby (la extraordinario Chloe Grace Moretz) tiene más de los 12 años que invoca, muchísimos más, o en todo caso, como ella misma refiere: “hace demasiado tiempo que tengo 12 años”

Como primera lectura, DÉJAME ENTRAR encuentra el tono justo, sombrío y gélido, apartado geográficamente de una gran ciudad, reacio a la esquematización de una historia con una nena-vampiro de protagonista y un chico que encuentra en ella su otra mitad, aquella que el contexto y el entorno solo  provocan en él una serie de daños y humillaciones inexplicables.

Owen (Khodi Smith-McPhee) en un sujeto curioso, encerrado en su mundo, voyeur de ocasión, con amigos en la escuela que lo pasan por alto y con otros compañeros de colegio que no hacen otra cosa que demolerlo física y moralmente. Owen es el sujeto narrador de la historia y desde su mirada se empiezan a reconocer las características de Abby y de su acompañante, un falso progenitor que dedica su tiempo a buscar cuerpos para que la niña pueda saciar su deseo. Pero hay otro personaje interesante: un policía (personificado por el dúctil Elias Koteas), sujeto actuante en la primera secuencia que retoma protagonismo en la segunda mitad del film. En ese sentido, la narración de Matt Reeves invita al elogio: comienza su historia desde una escena posterior de la trama y, cerca de la mitad de la película, aclara al espectador por dónde seguirá el relato. (más…)

18/08/2016

24 DE AGOSTO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TE SIGUE” DE DAVID ROBERT MITCHELL

¡AHÍ VIENE…. CUIDADO!

Por Gustavo J. Castagna

Fue uno de los mejores estrenos del año pasado y pasó casi desapercibido entre fatigadas actividades paranormales y films caseros herederos de aquella Bruja Blair. Pero TE SIGUE, segunda largometraje de David Robert Mitchell (The Myth of the American Sleepover, 2010), representa un aire renovar dentro del género de terror, acostumbrado en los últimos años a la búsqueda del impacto inmediato y al escamoteo del espacio off y del fuera del campo. Es decir, a aquella vieja prédica de “tenerle miedo al miedo” que por momentos parece haberse clausurado en tiempos cercanos.

TE SIGUE CIC BLOG

Pero vayamos de a poco: aun no da para armar una serie de festejos pero es innegable que a través de recientes títulos genéricos de terror se insinúan algunos bienvenidos cambios.

TE SIGUE encabeza un breve listado, por lo menos hasta hoy, que propone un retorno a las fuentes narrativas de los años 70 y 80, en especial, trazando un puente desde los mejores títulos del gran John Carpenter hasta los temas que le interesaban a Wes Craven, en especial, el de las  iniciales pesadillas de Freddy Krueger y la más que astuta Scream.

TE SIGUE es terror de bajo presupuesto pero sin la imperiosa necesidad de recurrir a las camaritas digitales sino apropiándose de travellings y panorámicas que remiten a la tradición setentista.

Representa, en más de un sentido, una especie de terror abstracto, que recurre a la insinuación antes que a la certeza para describir a una serie de climas inquietantes y a un virus como detonante del relato, al que se le desconoce su origen, dispuesto a acosar y perseguir a la adolescente Jay y al grupo de amigos.

Es clasicismo puro desde la estupenda primera escena marcada por esa sensación de no lugar ni temporalidad posible, al mostrar a una chica corriendo y escapando de no se sabe quién. Es terror nocturno, pero también, como en los buenos ejemplos instalados por el cine de Carpenter (Halloween, La niebla, El enigma de otro mundo, En la boca del miedo), hay lugar para las escenas diurnas, aquellas donde concebir un terror de “apariciones” y “persecuciones” resulta más complejo.

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12/08/2016

A PARTIR DEL 24 DE AGOSTO – NUEVO SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

8 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

TRADICIÓN Y MODERNIDAD

Por Gustavo J. Castagna

El terror y el policial en los últimos años. Dos décadas de géneros cinematográficos con sus correspondientes transformaciones, mutaciones, reciclajes. No solamente estéticos, sino también conceptuales y ajenos a los films en sí mismos.

El espectador de hoy disfruta de las películas de terror y de las cintas policiales desde un lugar distinto: desprovisto de la cultura cinéfila tradicional, explora su mirada desde el goce inmediato, la repercusión eficaz, el análisis redituable por el efecto en sí mismo.

GENERAL - BLOG

El cine y los géneros transitan una etapa de cambios, formales y temáticos, mirando hacia atrás e invocando referentes del pasado a través de citas y homenajes, pero también, colocando la cámara en el presente, fijando la atención en las novedades que proponen los avances técnicos al servicio de las historias.

En ese sentido, el seminario que empieza el miércoles 24 de agosto tiene la intención de abrir interrogantes, tratando de no clausurar conceptos en relación al futuro del cine y de su actualidad genérica. Son ocho títulos que abrieron nuevas perspectivas dentro del terror y del policial, algunos de ellos ya canónicos e incorporados a la mejor memoria que propone el cine. Otros, en cambio, construidos desde la tradición de antaño pero actualizando esos conflictos (el mito del vampiro, las traiciones dentro de un ambiente policial) valiéndose de una mirada que entremezcla ciertos guiños posmodernos con un anclaje que respeta el pasado.

Nada más atendible, por lo tanto, que unos breves apuntes sobre los ocho films del seminario:

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28/04/2016

4 DE MAYO – SEMINARIO DE CINE Y ROCK EN EL CIC – “GIMME SHELTER” DE ALBERT Y DAVID MAYSLES Y CHARLOTTE ZWERIN

MÚSICA Y VIOLENCIA

Por Gustavo J. Castagna

GIMME SHELTER puede considerarse como el primero de los eslabones que señalarían el fin de la utopía hippie rockera iniciada años atrás. El punto de vista de este excelente documental varía en forma continua, oscilando entre los músicos en el escenario, el personal de seguridad contratado para el evento y los numerosos espectadores, en primera instancia felices y luego asustados frente a semejante desmadre que se produciría bien entrada la noche.

CINE Y ROCK A4 GIMME SHELTER  - CIC BLOG

Para que se manifieste semejante decisión estética, el documental de los hermanos Maysles y de Charlotte Zwerin parte de un registro azaroso: las cámaras construyen su discurso de acuerdo a los acontecimientos que imprevistamente suceden en el escenario y fuera de él.

En efecto, la fiesta estaba preparada de antemano y debía ser tal, más aun cuando los Rolling Stones cerrarían su gira por Estados Unidos, meses después de la muerte de Brian Jones, una de las piezas fundamentales de la banda desde sus inicios.

Mick Taylor reemplaza al ángel caído en la pileta de natación de un hotel cinco estrellas y el grupo, los eternos hijos del demonio, vuelven a conformarse: Jagger, Richards, el pétreo Bill Wyman en el bajo y el aún pelilargo Charlie Watts en la batería bautizan en vivo al rubio Taylor con la interminable gira de segunda mitad del año 69.

Pocos meses antes había terminado la fiesta de tres días en Woodstock y el mundo del cine ya intuía que el rock, los músicos y los excesos tendrían su merecido lugar en la historia.

La celebración en el autódromo de Altamont, al norte de California y al este de Okland, aquel 5 de diciembre, terminaría mal, muy mal. Los ya conocidos cineastas de documentales Albert y David Maysles, junto a la productora Charlotte Zwerin, fueron con un montón de cámaras para registrar el acontecimiento. Al fin y al cabo, era la vuelta de los Stones, luego de la muerte de Brian Jones y de dos años sin salir de gira. A la eterna banda la acompañarían otras para el registro en vivo: la ultra hippie y brillante Jefferson Airplane con la estupenda voz de Grace Slick; la psicodélica propuesta de Grateful Dead con su líder Jerry García; la novedad de ver en vivo a Flying Burrito Brothers con el autodestructivo Graham Parsons; las voces folk de Crosby, Stills y Nash y esa pareja tensa en la privacidad pero excelente en el escenario que conformaban Ika y Tina Turner.

Pero Mike Jagger, o los Stones, o quién sabe, metieron la pata al contratar a los furibundos Hell Angels con sus motos, camperas de cuero y cervezas en mano como personal de seguridad.

Hay películas dentro de la relación entre el cine y el rock que tienen categoría de únicas, imprescindibles, más que necesarias de ver. GIMME SHELTER es una de ellas ya que se trata de una decisión azarosa de sus tres directores, quienes se dispusieron a filmar el recital y finalizaron registrando la muerte de un espectador – Meredith Hunter- apuñalado por un feroz integrante de los Hell Angels.

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19/04/2016

27 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “24 Hour Party People” de Michael Winterbottom

LA GRAN MOVIDA

Por Gustavo J. Castagna

Hay películas dentro de la fusión cine y rock que celebran a los músicos. Otras al público como sostén de la música procedente desde el escenario. Y otras más donde el rock acompaña la existencia de sus personajes principales o secundarios.

CINE Y ROCK A4 24 HOUR PARTY    - CIC BLOG

En el seminario que comenzó con EL ANSIA, cada uno de estos ítems se vio reflejado: Bowie como ícono vampiro en el título de Scott; el joven protagonista de EDÉN con (viviendo) con su música que (no) lo haría famoso; Maggie Cheung, en tanto, en el melodrama que narra Olivier Assayas en CLEAN, variando su forma de acercarse a la música de acuerdo a sus inestabilidades personales.

Sin embargo, pocas son las películas en las que se celebra la figura de un productor discográfico. 24 HOUR PARTY PEOPLE, en en ese sentido, es un título único en su especie y un film extraordinario por múltiples razones.

Tony Wilson fue un genio, un personaje diferente entre sus colegas productores y empresarios, un visionario de aquellos años 70 y 80 sobre el mundo por venir, un sujeto que perdió mucho más de lo que ganó, una persona inteligente y culta que, por si fuera suficiente, amaba el rock. Wilson murió en el 2007 pero por suerte llegó a ver la excelente película de Michael Winterbottom que refleja la movida de Manchester desde los Sex Pistols hasta el surgimiento de los D-J en tierras británicas, abarcando casi veinte años de música, bandas, sonidos, alegrías, muertes, excesos y una apabullante adrenalina que marcó una época.

24 HOUR PARTY PEOPLE desde su mismo comienzo marca las pautas en relación al punto de vista: el film girará alrededor de Wilson y sus muchas pérdidas y pocas ganancias en dinero, sus descubrimientos, su relación de pareja, la ruptura, la nueva novia, sus amigos productores, su lugar de anclaje creativo y de supervivencia (la pequeña empresa Factory Records) y su pista de aterrizaje de características lúdicas (el mítico espacio The Factory, espacio festivo y creativo en donde se presentaban sus creaciones musicales).

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14/04/2016

20 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “The Rocky Horror Picture Show” de Jim Sharman

TRANS-CINE

Por Gustavo J. Castagna

“I ´m Just a Sweet Transvestite / From Transsexual / Transylvania”

Así se presenta el Dr. Frank –N- Furter ante los imprevistos invitados, la parejita recién llegada al castillo, donde anda experimentando para crear a Rocky, el Frankenstein trans que lo amará de por vida. Ese es solo el estribillo de una de las tantas canciones que transformaron a THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, como bien dicen varias notas de aquella época, en la madre de las películas de culto a través de las reverencias incondicionales, el espectador fanático y participativo, el delirio interactivo que ya superó las cuatro décadas.

CINE Y ROCK A4 THE ROCKY HORROR   - CIC BLOG

Primero obra de teatro y luego cult movie, la creación de Richard O’ Brien (Riff Raff en la película) tiene a Tim Curry como el científico, en una performance que hizo y que aun hace historia. El culto al film no terminó en los 80 y el flagelo del SIDA no impidió que los fans se desperdigaran por el mundo, desparramando su amor eterno a una película que convoca y parodia a títulos de terror de los 30 de la productoras Universal y RKO y a clásicos de la ciencia ficción de los 40 y 50. Más aun, la primera canción, expresada a través de los labios de carnosos Magenta (uno de las secretarias del Dr. Furter) en primerísimo primer plano invocan a Fay Wray (la heroína de aquel KING KONG de los inicios del sonoro) y a otros actores y películas que habían recorrido la ciencia y ficción y el terror de dos décadas.

El culto cinéfilo, claro está, en el caso de THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, se convierte en el culto trans y en el grito a full que pide la liberación de los cuerpos a través de un hedonismo sin vueltas. Contextualmente estamos en los años del glam rock, la ambigüedad sexual, el rimmel, las lentejuelas y la purpurina. Son los años de “Space Oddity”, “Ziggy Stardust” y David Bowie, los tiempos en que los New York Dolls proponen su himno “Personalitty Crisis”. Son esos momentos de la historia de la música y de la aparición de las estrellas rock andróginas que bien reflejaría la excelente VELVET GOLDMINE (1999) de Todd Haynes. En esa Inglaterra pos Beatle y aun con los Sex Pistols haciendo buches y preparando sus primeros escupitajos, comienzan las iniciales representaciones de THE ROCKY HORROR en teatro. Las noticias ya dicen que el espectador participa activamente de la obra, pero será el cine y el film de Jim Jarman (una criatura teatral) las que acrecienten el mito. El público canta y sabe de memoria las canciones, en esos años setenta y hasta hoy, baila en los cines y transforma en ídolos por siempre a Tim Curry y al resto de los intérpretes, inclusive a la joven Susan Sarandon, la novia asustada y luego satisfecha frente a tanto descontrol.

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7/04/2016

13 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “Clean” de Olivier Assayas

MARTIRIO Y REDENCIÓN

Por Gustavo J. Castagna

Primera aclaración: CLEAN de Olivier Assayas representa una zona de riesgo dentro del seminario sobre las relaciones del cine con el rock. Zona intangible, acaso, porque salvo un par de tema musicales acordes (por ejemplo, uno de Mitric al principio del film), la historia dispara hacia otros ámbitos genéricos que, por momentos, poco tendrían que ver con los principios del seminario. Pero música hay y de sobra, en especial, las canciones que entona la protagonista Emily (Maggie Cheung) con su dulce y melancólica voz que se opone al estado de las cosas terminal que desarrolla la trama. En efecto, CLEAN es un melodrama donde la música adquiere protagonismo desde las idas y vueltas del personaje central, conviviendo con el dolor de una pérdida afectiva e intentando recuperar a su pequeño hijo protegido por sus suegros (allí aparece Nick Nolte en otra interpretación recordable).

CINE Y ROCK A4 CLEAN  - CIC BLOG

Olivier Assayas confía en el melo como sustento dramático de la historia y hacia allí va, sin mirar para los costados, sin temerle a que se lo acuse de construir algunas escenas banales con su protagonista pretendiendo solucionar sus problemas dentro de un mundo que la rechaza por su adicción a las drogas duras.

En ese sentido, el consumo de drogas en determinadas películas sobre el rock actúa como sostén paradigmático dentro de las tramas. Desde la esencial BUSCO MI DESTINO (Easy Rider) de Dennis Hopper en donde la poética beatnik heredada de “On the Road” de Jack Kerouac se fusionaba con la música de la época y los interminables “trips” de los personajes, constituyendo un tono elegíaco sin contemplaciones sobre el tema, hasta el dolor físico y los cadáveres de Sid Vicious y Nancy Spugren en SID Y NANCY de Alex Cox (que será exhibida en el seminario el miércoles 11 de mayo), maltratados por el consumo de heroína, en una película de atmósfera fúnebre y mortuoria, el rock en imágenes siempre recibió con las puertas abiertas al tema de las drogas. Claro está, que las diferencias surgen desde la óptica elegida por cada realizador: existen títulos en donde triunfa la celebración a través del consumo, y otros, en los que las drogas actúan como materia secundaria dentro de las historias.

Por eso, CLEAN es una película curiosa. (más…)

30/03/2016

6 de Abril – Seminario de Cine y Rock en el CIC – “Edén” de Mia Hansen-Love

EL FIN DE LA ADOLESCENCIA

por Gustavo J. Castagna

Uno de los mejores films de la primera década del siglo es 24 Hour Party People (que será exhibida en el seminario el miércoles 27 de abril) del inglés Michael Winterbotton y su excelente reconstrucción de la movida musical en Manchester, en una historia que empezaba con los Sex Pistols y terminaba con el estallido de las rave y que tenía al empresario Tony Wilson como voz y cuerpo narrador.

 CINE Y ROCK A4  EDEN  - CIC BLOG

EDEN, en cambio, no está contada desde el punto de vista de un personaje reconocido sino a partir de Paul (el hierático y funcional Félix De Givry) como uno de los tantos cultores de la música garaje por la calles de París y Nueva York, con aquel marco inicial de época (año 1992) que la película traerá hasta casi estos días.

Como en 24 Hour el contexto se combina con las vidas de los personajes y la creación musical con las idas y vueltas de Paul y su madre, sus parejas, sus amigos, sus amistades ocasionales y, más que nada, sus ganas de triunfar en aquellos tiempos de Daft Punk antes, durante y después de que los franceses se convirtieran en estrellas.

Como también sucedía en el film de Winterbotton, el entorno y la descripción de época presentará consumo de cocaína, una muerte joven, hijos, peleas, la posibilidad de encaminarse hacia otros rumbos y, más que nada, los vanos intentos por detener el paso del tiempo y las obligaciones que impone la sociedad luego de una prolongada etapa adolescente.

“Tengo 34 años” dice Paul mientras es ayudado por un grupo de amigos luego de una noche de alcohol, sustancias duras e intento de suicidio. La noche y la fiesta parecen interminables para Paul y quienes están cerca suyo pero, como sucede en la mayoría de las películas que marcan el antes y un después de una generación junto a un determinado tipo de música, la sociedad impondrá su mirada hacia un futuro de bienestar muy lejos de aquellos años de riesgo permanente y de bienvenida (in)comodidad pos adolescente.

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21/03/2016

A partir del 30 de Marzo – Nuevo seminario de Cine y Rock en el CIC a cargo de Gustavo Castagna

8 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

TENSIONES Y COMPROMISOS

Por Gustavo J. Castagna

Cine y rock. Rock y cine. Uno ya tiene más de 120 años desde aquellas primeras exhibiciones de los hermanos Lumiére. El otro, más de sesenta desde el día en el que Bill Haley y sus cometas grabaron el primero de los simples para que los jóvenes movieran las caderas provocando desmayos en sus padres. Pero, en todo caso, hubo antecedentes en los dos: desde las experimentaciones previas a la cámara de los hermanos que no confiaban en el futuro de ese nuevo intento hasta los cruces y mixturas entre el jazz, el blues y el rhythm & blues que conformaron una música desconocida hasta el momento, la sociedad Cine y Rock tiene sus ejemplos recordables, pero también, sus películas de inmediato olvido.

El seminario que empieza el miércoles 30 de marzo no tiene la intención de convertirse en un catálogo académico ni tampoco en una selección de títulos canónicos sobre el tema. En todo caso, los ocho films de diferente época, elegidos desde una paradójica arbitrariedad democrática, toman al rock como eje central, pero no únicamente desde la presencia de la música sino a partir de unos argumentos en donde el cine está representado como lenguaje. ¿Son películas rockeras, entonces? Sí y no. La música estará presente pero detrás de cada una de las películas subyacen historias, estilos, identidades de época, marcas a seguir, movimientos representativos, contextos determinados, criterios de puesta en escena.

SEMINARIO CINE Y ROCK EN EL CIC

Algunas apostillas descriptivas de los ocho títulos:

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21/03/2016

30 DE MARZO – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – CINE Y ROCK – “EL ANSIA” DE TONY SCOTT

NOSOTROS NO QUEREMOS ENVEJECER

Por Gustavo J. Castagna 

En los inicios de los 80 el apellido Scott solo refería a las reverencias que la crítica y los fans le hacían al cineasta Ridley Scott, quien ya había construido una trilogía inicial (Los duelistas, Alien, Blade Runner) para resguardo de la buena memoria del cine. Por ese entonces, la actriz y estrella Catherine Deneuve –como ocurre hasta estos días- trabajaba incansablemente en películas de autor y en otras de inmediato impacto económico; en tanto, Susan Sarandon, con un puñado de papeles, aun oficiaba de intérprete secundaria. David Bowie, por su parte, editaba el LP “Let’s Dance” con los exitosos cortes “Modern Love”, “China Girl” y el tema que diera título al disco, comenzando su peregrinaje por la década donde transmutaría de estrella espacial a estrella del rock. A este grupo de nombres trascendentes se le sumaría uno todavía desconocido: Tony Scott, hermano de Ridley, director publicitario hasta el momento, que debutaría como realizador con EL ANSIA, protagonizada por esa dupla estelar. Pero el paisaje de entonces ya había tenido su embrión original a través de un dato no menor: desde el 1 de agosto de 1981, con la exhibición del clip “Video Killed the Radio Star” de la banda The Buggles, MTV había comenzado su historia.

CINE Y ROCK A4  EL ANSIA  - copia

Este extenso prólogo, necesario para entender un contexto determinado, es el que incidiría en la opera prima de Tony Scott, que decide narrar una historia de vampiros con estética gótica, tomando como centro a la pareja central, John y Miriam Blaylock (Bowie, Deneuve) y sus ansias por alcanzar la eternidad.

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16/10/2015

21 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “FITZCARRALDO” DE WERNER HERZOG

EL VIAJE HACIA EL FIN DEL MUNDO (segunda y última parte)

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, los viajes hacia el abismo del mundo concebidos por el alemán desaforado y sin red posible continúan hasta hoy, razón por la que llegar a ciertas conclusiones sobre el tema puede resultar algo o muy apresurado y sin demasiados fundamentos.Está bien, Herzog es un señor que superó los 70 años y seguramente ya no está en condiciones de acompañar los momentos demenciales de Lope de Aguirre en aquella travesía hacia El Dorado ni tampoco, aun cuando sería gestada una década más tarde, emprender un nuevo viaje por el Amazonas profundo con un barco, la música operística desde Enrique Caruso en la voz y Klaus Kinski dirigiendo con su habitual enajenación actoral (¿o no?) a una tripulación de indígenas y gente destinada a un pabellón psiquiátrico.

HHH -FITZCARRALDO CIC BLOG

En efecto, Herzog no tendrá toda la energía que mostraba en los tiempos del rodaje de FITZCARRALDO (1982) pero su espíritu de director aventurero permanece intacto, aun cuando –por comentarios ajenos- sus últimas ficciones no estarían a la altura de su abundante currículum como cineasta.

FITZCARRALDO es una película extensa –oscila las dos hora y media- pero altamente disfrutable por varios motivos. En primera instancia, el relato que se circunscribe a describir la previa al viaje del personaje jugado por Kisnki.

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9/10/2015

14 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “GRIZZLY MAN” DE WERNER HERZOG

ÚLTIMO VIAJE AL FIN DEL MUNDO

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, la travesía final del título no la emprenderá Herzog, quien sigue viajando de acá para allá entre documentales y ficciones, sino el verborrágico e inquieto ecologista Timothy Treadwell, a plena euforia por los parques nacionales y las reservas en Alaska. Su cariño por los osos pardos y la forma en que se contactó con ellos, siempre con la ayuda de su novia con la cámara en mano, lo llevó a visitar en trece ocasiones el hábitat de los plantígrados, con tanto amor y entusiasmo por los gigantescos animales y tanta pasión por el riesgo y la aventura, que el desenlace en el viaje final, a más de uno que conocía al personaje, sorprendería poco y nada.

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Es que Treadwell era un personaje muy parecido a Herzog, y también, al Kinski de las demenciales aventuras en conjunto entre director y actor. Treadwell va más allá de lo legal y permitido, violando reglas, omitiendo que tal vez su contacto con los peligrosos osos pardos pudiera terminar como realmente ocurriría en el viaje número trece. Con esos materiales registrados por los novios aventureros, más de cien horas de duración, una serie de entrevistas a individuos que conocieron a Treadwell y la voz en off y presencia de Herzog en imágenes, sumado claro está, a los movimientos lentos y parsimoniosos de esos animales de miles de kilos, desde esa concepción mínima, surgiría un gran documental como GRIZZLY MAN, premiado en festivales y exhibido por primera vez en el prestigioso Festival Sundance.

Curiosidades o no tanto, buena parte del presupuesto le correspondió a Discovery Docs, uno de los brazos empresariales de Discovery Channel. Pero se está muy lejos de un obvio registro en imágenes sobre las vidas de unos osos con un pelaje determinado: GRIZZLY MAN es un trabajo de Herzog desde el principio al final, en donde se refleja el fanatismo desmesurado de un hombre que decidió inmolarse y ser devorado por un animal. Pero también, por suerte, el morbo explícito nunca dice presente en el documental: a Herzog le interesa más hablar con una ex pareja de Treadwell, ver las imágenes y escuchar al personaje en más de una ocasión, recorrer con su cámara los lugares visitados por el hiperquinético y voraz ecologista. En ese punto, un personaje  sorprende por sus declaraciones y debido a la forma en que cuenta cómo llegaron los restos de Treadwell a su “mesa de trabajo” Efectivamente, se trata de quien se encargó de la autopsia final: la vida y la muerte según Hergog desde la perspectiva del sepulturero/científico que tiene más de una cercanía con aquellos brujos de las tribus amazónicas de FITZCARRALDO y COBRA VERDE.

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2/10/2015

7 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “AGUIRRE. LA IRA DE DIOS” DE WERNER HERZOG

VIAJE HACIA EL FIN DEL MUNDO (primera parte)

Por Gustavo J. Castagna

En realidad, Werner Herzog viaja por el mundo desde los inicios de su extensa filmografía, que empezara en los años 60 y continúa hasta hoy. Pero, además, ya estaba en estado de trance desde sus primeras películas, en aquellas experimentaciones de la década, cuando el director recurrió a actores hipnotizados, enanos protagonistas, travesías demenciales en la selva y personajes ajenos a la razón y el sentido común.

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Pero sería con AGUIRRE, LA IRA DE DIOS (1972) el film desde el que se empezaría a recordar el nombre del responsable de detrás de las cámaras. Desde su estreno en Buenos Aires, un año después, comenzaría el culto definitivo a una historia y a unos personajes delirantes en una zona del Amazonas a la búsqueda del paraíso perdido, la tierra prometida, el misterioso El Dorado para los indígenas del lugar. A Herzog siempre le interesaron los desafíos. Y le siguen importando en la actualidad, ya que filma incansablemente documentales y ficciones ya con sus 73 años a cuestas. Exploró montañas, ríos y desiertos, enfrentó tifones, ataques de tribus y abandonos de sus actores durante los rodajes. Pero también, soportó (y necesitó, claro) de la presencia de Klaus Kinski, su intérprete-fetiche en AGUIRRE, LA IRA DE DIOS; FITZCARRALDO; WOYZECK; COBRA VERDE y la remake de NOSFERATU, EL VAMPIRO. (más…)

22/09/2015

30 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “CACHÉ” DE MICHAEL HANEKE

REFLEJOS DE UNA VIDA ANTERIOR

Por Gustavo J. Castagna

El matrimonio que conforman los personajes jugados por Daniel Auteuil y Juliette Binoche, profesionales exitosos ambos y con un hijo viviendo la etapa adolescente (siempre conflictiva), junto a sus rutinas e idas y vueltas cotidianas, cambiará de un momento a otro, de manera inusitada, acorde a las preocupaciones temáticas y formales de ese cirujano sin anestesia de la sociedad moderna llamado Michael Haneke.

HHH - CACHÉ CIC BLOG

 

Hasta acá, la frase precedente anunciaría una continuación no declarada de FUNNY GAMES (en su versión germánica de 1997), ya que la tranquilidad y el confort económico y social de una pareja se vería obturado por la llegada de un invasor, de algo lejano a ese mundo legitimado. Pero no, el paisaje ahora es diferente: se está en una gran ciudad con su movimiento diario, a distancia de aquel paraje acogedor de FUNNY GAMES y, más que nada, la invasión a la privacidad no le corresponderá a dos chicos fanáticos del golf sino que empezará a producirse con el envío de unas cintas de video y de unos dibujos que alterarán las existencias de Georges (Auteuil), Anne (Binoche) y su vástago. En realidad, ya desde el inicio de CACHÉ (ESCONDIDO) (2005), con los mismos créditos de presentación, Michael Haneke construye un plano fijo que se traduce visualmente en una cámara filmando la fachada de una casa. Vaya manera de comenzar la película: prologar la historia a través de un “plano mentiroso” donde aquello que se cree como tal está siendo observado, vigilado y hasta controlado por alguien (o algo) ubicado fuera de la casa, que no es otra que la morada del matrimonio y su hijo.

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18/09/2015

23 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “FUNNY GAMES” DE MICHAEL HANEKE

EL MUNDO ES UN LUGAR PELIGROSO

Por Gustavo J. Castagna

Rara pero encendida fue la propuesta de Michael Haneke allá por el 2007: probar suerte en Hollywood con una nueva versión de FUNNY GAMES, producción  austriaco/alemana que él mismo concibiera una década atrás. El desafío resultaba mayor debido a que el argumento sería el mismo, también la puesta de cámara y los tempos narrativos; los cambios, pocos, se limitarían al grupo actoral, a un par de locaciones y a parte del equipo técnico.

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El objetivo de Haneke, en ese sentido, estaba puesto ahí, al alcance del interesado: saber cómo respondería el conservador espectador estadoudinense frente a una historia de acoso, violencia y humillaciones físicas y verbales pero protagonizada por actores conocidos (Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt) más una producción parida en el corazón de Hollywood. Los resultados fueron gratificantes y saludables (si cabe el uso paradójico de estos términos y así relacionarlos con el universo del director) más que nada porque el cineasta probó suerte en la Meca y le fue bien, hizo la película que deseaba hacer, molestó a más de un individuo bien pensante y construyó un relato –similar al de la primera versión- que no requiere de espectadores complacientes y de aprobaciones teñidas de corrección política y del uso imperioso de las buenas costumbres.

No hay explicaciones psicológicas o interpretaciones asociadas al diván para comprender el feroz, perverso y cínico comportamiento de dos jóvenes, émulos referenciales de aquella animación de los años 90 encarnada por los púberes, malolientes y maleducados Beavis & Butthead, primero acosando y luego maltratando a un matrimonio y a su hijo varón refugiados en una idílica casa costera. El acoso en primera instancia es verbal, luego se convertirá en maltrato físico, volverá después al juego suspicaz a través de la palabra y culminará, como era de esperar, con un humor negrísimo y perverso que no tiene retorno. Como no lo tendrá el trío familiar frente al dúo de jóvenes, que se dedican a invadir espacios privados que no les corresponden, instando a la pregunta del invadido y proponiendo un doble juego al espectador en relación al lugar al que es invitado a ocupar dentro de la trama. Como si a los personajes asesinos y acomplejados de Hitchcock (Norman Bates en “Psicosis”; el encargado de cuidar la parroquia en “Mi secreto me condena”; el tío Charly en “La sombra de una duda”) se le sumara una fuerte de dosis de sadismo y crueldad que no necesita de comentarios pedagógicos ni de condenas inmediatas.

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11/09/2015

16 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “LA PROFESORA DE PIANO” DE MICHAEL HANEKE

EL LADO OSCURO DE LA VIDA

Por Gustavo J. Castagna

En un festival marplatense de hace una década, conversando con un colega sobre los mejores directores contemporáneos, y al invocar el nombre del alemán Michael Haneke, una frase circundó la simpática y cinéfila charla: “no, jamás invitaría a Haneke a tomar un café, ni loco” ¿Por qué no?, pregunté.

HHH - la profesora de piano CIC BLOG

El colega, claro está, sacó el manual de la corrección política como mecanismo de defensa oponiéndolo al catálogo que caracteriza al cine del realizador nacido en Münich hace 73 años: es un tipo jodido, no confía en el ser humano, muestra aquello que no se ve en (casi) todo el resto del cine, le encanta profundizar y regodearse en la crueldad, el dolor, el sufrimiento, el malestar de los individuos y de una sociedad determinada, etc, etc. Entonces, otro colega que andaba por ahí, respondió con énfasis:”si es así, al contrario, lo invitaría no solo a tomar un café sino a compartir una cena para que me explique los motivos por los que él observa de tal manera al mundo y a la gente”. Debo aclarar, como cierre de la anécdota, que comparto la idea del colega-intruso que invadió un espacio privado (es decir, una conversación): invitaría a cenar a Haneke pero luego del postre y el café, cada uno tomaría un taxi o un colectivo diferentes.

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4/09/2015

9 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “I’M NOT THERE” DE TODD HAYNES

SEIS ROSTROS EN BUSCA DE UN GENIO

Por Gustavo J. Castagna

Un personaje extraordinario como Bob Dylan (24-5-1941) merecía una película no convencional como I’M NOT THERE. En realidad, el Sr. Robert Allen Zimmermann amerita varias ficciones (o algo parecido) como el rompecabezas que Todd Haynes expresó en más de dos horas de metraje.

HHH - Im not there CIC BLOG

Y está bien que haya sido así, ya que los beneficiados son el cine, el rock, el folk, el blues, la guitarra eléctrica, la acústica, la armónica, el que busca una non fiction film lejos de la rutina, el espectador fanático de Dylan, el que gusta de alguna de sus etapas por encima de otras, el que nunca lo escuchó y tiene la oportunidad ahora de conocer sus letras y su particular voz, el ávido lector de Arthur Rimbaud y su temporada en el infierno, los conocedores de los poetas beatniks de los 50 y 60 con Allen Ginsberg a la cabeza, en fin, la lista sería interminable en cuanto a pretensiones y propósitos de una película democrática y exigente, invadida por ideas geniales, única en su especie, plausible de más de una visión.

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28/08/2015

2 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG – “SAFE” DE TODD HAYNES

 LAS ENFERMEDADES DEL SIGLO XX

Por Gustavo J. Castagna

Una película como SAFE, segundo título de Todd Haynes luego de la inicial POISON, se relaciona con LEJOS DEL PARAÍSO, el opus que el cineasta nacido en 1961 realizara luego de VELVET GOLDMINE, ya exhibida en el presente seminario.

HHH - safe - CIC BLOG

Y esto no solo se debe a que los conflictos de ambos títulos tengan parentescos entre sí y que los protagónicos siempre desbordantes de talento le pertenezcan a Julianne Moore (en ambas encarnado a esposas que ocupan un lugar secundario en el matrimonio). En ese sentido, Haynes expresa sus conocimientos en una rigurosa exploración de época –LEJOS DEL PARAÍSO transcurre en los años 50, en tanto, SAFE recorre la segunda mitad de los 80-, a través de la reconstrucción de aquel paisaje que propone la escenografía y el vestuario. Pero el director no se queda en eso: ocurre que ambas historias vienen a romper con una rutina social y de pareja, llegan y remueven los cimientos del confort y la seguridad económica, actúan como detonantes y quiebres de un mundo regido por ciertas normas aparentemente inquebrantables que se verán acosadas y sometidas por algo nuevo. Esa novedad, en el caso de LEJOS DEL PARAÍSO, repara en el descubrimiento de la homosexualidad de un hombre casado con el personaje de Julianne Moore, en plena pos Segunda Guerra Mundial, en un pueblito acogedor en donde el chisme y el qué dirán están a la vuelta de la esquina. Esa nueva visión del mundo que tendrá la atribulada esposa, instada a dudar de la posibilidad de que se le apliquen electroshocks a su marido para así “eliminar” el mal que invadió su cuerpo y su sexualidad, ya había tenido su primera exposición en la enfermedad que padece el personaje central de SAFE.

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14/08/2015

NUEVO SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – HAYNES + HANEKE + HERZOG

Desde el 26 de Agosto, todos los miércoles a las 14.15 hs.

Entrada libre y gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Todd Haynes, Michael Haneke y Werner Herzog.

TRES POR TRES SE ESCRIBE CON “H”

Por Gustavo J. Castagna

La “H” es muda pero cuando se trata de cine y se recuerda a directores cuyos apellidos empiecen con esa letra, el sonido ruge por su calidad extrema. La primera cita es obvia: Hitchcock, uno de los maestros del cine de cualquier tiempo.

Haynes+Haneke+Herzog Seminario - CIC BLOG

Pero no vayamos tan atrás, ya que el seminario que se inicia el miércoles 26 y que tendrá nueve exhibiciones de films comprenden títulos concebidos por tres realizadores en donde la “H” impone presencia, fundamento, invitación al espectador para que disfrute, analice y observe con detenimiento poéticas diferentes, puestas al abismo, temas y formas estilísticas que caracterizan a un trío de cineastas más que vigentes en el cine de estos días. Tres directores (Todd Haynes, Michael Haneke y Werner Herzog) más que necesarios en el inestable cine de hoy.

Con “H” de hedonismo estético puede definirse a casi toda la (corta) pero estupenda obra hasta hoy de Todd Haynes, donde la música se concilia con el cine a través de una mirada cinéfila no directa sino transversal. El hedonismo (junto a la otra “H” de homoerotismo) gobierna la extraordinaria VELVET GOLDMINE (1999), anclaje del director en los años del glam rock dentro de una estructura de relato que se aproxima a la que Orson Welles manifestara en su opera prima “El Ciudadano”. Luego del mundo de purpurina y lentejuela vendrán las cuidadas y prolijas imágenes de SAFE (1995), segundo opus de Haynes en donde su protagonista (Julianne Moore) representa a la década del 80 en versión paranoide y en clave de terror metafísico. El cierre de las tres “H” de Haynes será con I´M NOT THERE (2007), invitación a presenciar un film clásico y experimental donde el centro narrativo es el músico y poeta Bob Dylan/Robert Zimmermann quien, en la película, aparece interpretado por siete actores diferentes.

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14/08/2015

26 de Agosto – Seminario de Cine en el CIC – Haynes + Haneke + Herzog – “Velvet Goldmine” de Todd Haynes

EL CINE, LA MÚSICA, LA VIDA MISMA

Por Gustavo J. Castagna

Brian Slade, Curt Wild, Jack Fairy. Tres nombres de ficción. O no. Tres apellidos que refieren a la iconografía más representativa del Glam-Rock: David Bowie, Iggy Pop, Marc Bolan. Son ellos tres porque las historias aluden a aquellos años locos, muy locos, entre purpurina, rimel, lentejuelas, trajes espaciales, plumas. Y también, más que nada, mucho hedonismo, ambigüedad sexual, homoerotismo a flor de piel. Pero, a no olvidarse, que fue una época donde el rock entró en la zona del divismo, el lanzamiento de la estrella, el Adonis que requería ser observado. También, deseado.

HHH - Velvet Goldmine - CIC BLOG

Habían pasado los años de la alegría y el estallido hippie, que ya presentaba  sus primeros cadáveres exquisitos: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones. Más temprano que tarde, Keith Moon, el genial baterista de los Who. Los Beatles habían pactado la separación definitiva a comienzos de los 70 y el agujero musical que marcaba la ausencia iniciaría una nueva era, plena de glamour, invadida por el cuerpo deseado, por el póster en las paredes de las habitaciones de los adolescentes británicos, quienes deciden irse de la casa de sus padres, pero no con el fin de bautizarse con el primer porro de marihuana, sino para vestirse de una manera diferente, provocadora, donde se conciliaba y fusionaba en un mismo punto lo femenino y lo masculino. Esos años de descubrimiento personal a través del vestuario y de la música son los que recorre Todd Haynes en la maravillosa historia de VELVET GOLDMINE. (más…)

15/05/2015

20 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “El Gran Hotel Budapest” de Wes Anderson

ÉRASE UNA VEZ EN ZUBROWKA…

Por Gustavo J. Castagna

Las libertades formales y temáticas que transmite el cine de Wes Anderson dentro de un sistema acotado y restringido debido a reglas establecidas de antemano (léase: Hollywood) por las decisiones de hombres de negocios dedicados al cine (y no a la inversa) estallan definitivamente en su último opus hasta estos días. No es que EL GRAN HOTEL BUDAPEST sea la obra maestra de su director; en ese sentido, están aquellos fanáticos y admiradores que prefieren RUSHMORE, otros MOONRISE KINGDOM y muchos más LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUM (el antes y el después en la carrera del realizador), pero resultaría casi inapropiado omitir a esta fábula que transcurre en cuatro épocas distintas y que tiene como centro narrativo a las interminables instalaciones del hotel al que alude el título.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - EL GRAN HOTEL BUDAPEST - WES ANDERSON - CIC BLOG

Es que Anderson aclara otra vez aquello que ya estaba presente en sus títulos anteriores: una añoranza por un pasado entre aristocrático y disfuncional desde el punto de vista familiar, la ausencia de una figura paterna original que debe ser sustituida, la concreción de un mundo intransferible y personal con la mirada del cineasta colocada entre una zona difusa donde conviven la extrañeza y la delectación por ese universo. En cuanto a aspectos formales y decisiones narrativas, Anderson retorna al uso de la voz en off de características corales y a esos ya clásicos movimientos de cámara de concepción geométrica, como si su herramienta de trabajo fuera un compás escolar desde el cual va delimitando y construyendo espacios y atmósferas acordes a ese mundo personal y a ese sistema narrativo que se asemeja a un conjunto de muñecas rusas, es decir, escarbando una y otra en un mismo lugar pero con la intención de provocar la sorpresa infinita del espectador.

Zubrowka es la república imaginaria, Budapest el espacio físico y el conserje M. Gustave (Ralph Fiennes) y el sumiso botones Zero Moustafa (Tony Revolori) las dos criaturas titiritescas que gobiernan un paisaje determinado desde el protagonismo pero que dejarán espacio y tiempo a otros personajes, muchos personajes, encarnados por notables intérpretes aun en roles menos que secundarios: Jeff Goldblum, F. Murray Abraham, Harvey Keitel y entre otros, los infaltables Jason Schwartzman y Edward Norton. (más…)

8/05/2015

13 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Moonrise Kingdom” de Wes Anderson

UN GRAN AMOR PRE-ADOLESCENTE

Por Gustavo J. Castagna

La clave está en los primeros minutos de MOONRISE KINGDOM. La clave, el secreto, las obsesiones estilísticas y temáticas de un director en relación a sus historias y personajes. Movimientos geométricos con la cámara, planos cerrados, travellings, criaturas estáticas o en movimiento, uso particular del color, coto cerrado: es el mundo de Wes Anderson, la clásica comunidad que parece perdida en el tiempo oponiéndose a un mundo ajeno que no muestra su cara. Forma y contenido que se fusionan en esos instantes iniciales y que aclaran por donde se encarrillan sus manías y taras. Por dónde va su puesta en escena y visión del mundo.

ANDERSON ANDERSON FINCHER -MOONRISE KINGDOM  - WES ANDERSON - CIC BLOG

Sam y Suzy, dos chicos de 12 años podrían ser los únicos amigos de Max, el chico de 15 años de RUSHMORE. Podrían estar en aquella academia y así transmitir consejos a aquel rey exitoso y extracurricular en su afán por enamorar a la profesora de kindergarten. Pero Sam (Jared Gilman) y Suzy (Kara Hayward) viven en una isla de Nueva Inglaterra (noreste de Estados Unidos), sus días transcurren en 1965 y la comunidad tiene sus reglamentos, o en todo caso, su modo de observar el estado de las cosas. Esa forma de vivir del pueblo se verá alterada con el amor, el primer amor, el beso inicial, el comienzo de una relación, entre el huérfano Sam y la niña Suzy, hija de un matrimonio apático (Bill Murray, Frances McDormand), abogados ambos y más que distantes en el plano afectivo. El abanico de personajes se completa con el sheriff de buen corazón (Bruce Willis) y el líder de la tropa de los scouts Khaki (Edward Norton) y, en la última parte del film, a través de una representante “legal” (la estupenda Tilda Swinton) y una breve aparición de Jason Schwartzman (no podía faltar, claro), protegiendo a los niños enamorados.

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