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23/03/2017

29 DE MARZO – SEMINARIO SOBRE CINE DE GÉNERO EN EL CIC – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – “SUSPIRIA” DE DARIO ARGENTO

COLOR, TERROR, COLOR, TERROR

Por Gustavo J. Castagna

Cuatro décadas ya tiene SUSPIRIA de Dario Argento, acaso el título clave en la obra del director y el film fundamental en la historia del giallo, el cine de terror gestado en Italia desde los 60 en adelante con el pionero Mario Bava.

Cuarenta años que se sienten más jóvenes que nunca debido a que SUSPIRIA no ha envejecido ni en un solo plano, más aun, ningún dejá vú teñido de conservadurismo se percibe en su hora y media, siempre supeditada a un trabajo minucioso y enfermizo con el color, con ese rojo intenso que adquiere un rol protagónico en casi todo su desarrollo.

1-Seminario Suspiria - CIC BLOG

Argento ya había construido su primera trilogía fílmica con EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL; EL GATO DE LAS NUEVE COLAS y CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS y su éxtasis formal con el zoom, la mezcla de thriller, suspenso y toques de terror aun no desaforados y extremos.

Dos años antes de SUSPIRIA realiza ROJO PROFUNDO (1975), su primera y más que eficaz inserción en el gore fusionado al arte gótico pero aun con grajeas narrativas que aludían a su trilogía de pájaros, gatos y moscas.

Por eso SUSPIRIA mira de lejos a aquellos thrillers para aferrarse a unos climas pesadillescos, abstractos, ajenos al realismo, a aquellas incursiones dentro del relato policial.

Argento filma una película demencial que toma como pretexto la llegada a Alemania de una futura alumna (Jessica Harper, presencia permanente en esos años: “Un fantasma en el paraíso” de Brian De Palma, por ejemplo) de una escuela de danza con particulares características. Celadoras, alumnas y alumnos, directoras, profesores y esa gente extraña a la que el director recurriría en más de una ocasión, esos individuos que parecen salidos de un cuento de hadas sin bosque pero con un  cuchillo bien afilado, serán los protagonistas de la trama.

¿Trama¿ ¿Relato? ¿Historia?

“Lo que me interesa del cine es la abstracción” dijo Orson Welles alguna vez.

Y semejante frase encaja perfectamente en SUSPIRIA, un manual de estilo, un ejercicio de la forma con un argumento como soporte, el triunfo del formalismo por encima de lo anecdótico. (más…)

17/03/2017

A PARTIR DEL 29 DE MARZO – NUEVO SEMINARIO EN EL CIC – CINE DE GÉNERO – 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR – A CARGO DE GUSTAVO CASTAGNA

10 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hsEntrada Libre y Gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

Por Gustavo J. Castagna

Llegó la hora de reivindicar al cine de terror. A un género bastante maltratado en los últimos tiempos debido a recetas, fórmulas y películas concebidas con solo un par de ideas interesantes. O solo una.

Llegó el momento de elaborar reflexiones sobre el mejor terror (psicológico, sangriento, satánico, efectista, efectivo, gore, sutil, entremezclado con el suspenso y el trance onírico) a través de un seminario y sus correspondientes presentaciones y charlas posteriores a las proyecciones.

Pues bien, el seminario está y el título es altamente contundente y representativo: 10 FILMS ANTOLÓGICOS DE TERROR 

SEMINARIO A3 GENERAL - CIC BLOG

O 10 miércoles seguidos con films de diferentes orígenes, épocas, marcas estilísticas, temas, construcciones dramáticas, recursos.

Los convoco a que vengan el día de inicio (ya, este miércoles 29 de marzo) y contemplen una de las gemas del “giallo” italiano por medio de SUSPIRIA de Dario Argento y su paleta cromática al servicio de una historia con mucha sangre (y bien roja).

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10/10/2016

19 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE” DE BRYAN SINGER

EL MISTERIO KEYSER SÖZE

Por Gustavo J. Castagna

Allá por la segunda parte de 1995 algunas salas de cine de acá exhibieron films policiales, algunos originales y otros no tanto. La nueva corriente genérica parecía provenir desde comienzos de la década a través de títulos que producía HBO, del reciclaje formal y temático que proponían algunas series de entonces y la puesta al día en vertiente gangsteril que había refundado Scorsese, primero con Buenos muchachos y luego desde el imperio del juego de Casino.

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE - copia

Films de John Dahl (La última seducción; La muerte golpea dos veces), los posteriores estrenos de Pecados capitales y Los Ángeles al desnudo, la cita impostergable por conocer Jackie Brown, “el último Tarantino” (arrastrando la repercusión que había tenido Tiempos violentos), el bienvenido remanente vía Quentin de Escape salvaje (True Romance) de Tony Scott, una excelente propuesta como Revancha (Payback) del guionista Brian Helgeland tras la cámaras, en fin, el panorama de aquellos diez años mostraron al policial en buena forma, con aires renovadores, miradas originales, violencia en buena dosis, arquetipos genéricos construidos desde la modernidad pero escarbando en la forma clásica.

La grilla de aquella década debería completarse con LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE, segundo título del hasta entonces (casi) desconocido cineasta Bryan Singer.

Es el instante del mejor rompecabezas de la década, de la construcción de una historia y de personajes atractivos, de la conformación de una manera de hacer policiales en donde los sospechosos son todos aquellos que andan por ahí, pero también, alguno que es enviado como emisario de un criminal de origen turco de bien ganado prestigio.

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3/10/2016

12 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “TIEMPOS VIOLENTOS” DE QUENTIN TARANTINO

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO…

Por Gustavo J. Castagna

Probablemente TIEMPOS VIOLENTOS (o Pulp Fiction a secas como prefieren los fans) sea una de las películas de los 90 de las que más se escribió, habló, discutió y hasta polemizó en los rincones de la cinefilia más tradicional y de aquella infanto-juvenil que empezaría a emerger a propósito del opus 2 de Quentin Tarantino.

TIEMPOS VIOLENTOS CIC BLOG

En efecto, a partir de las casi dos horas y media de personajes, situaciones, invocaciones al género policial, violencia extrema, chistes, guiños, una estructura particular (ni demasiado “genial” u “original” como se dijo más de una vez), citas al pasado en plan reciclaje postmoderno y un grupo de intérpretes funcionales aun en mínimos apariciones, TIEMPOS VIOLENTOS quedó instalada como un antes y un después, un film-faro, una referencia permanente de aquella contemporaneidad cinematográfica y de un (supuesto) cine del futuro.

Tarantino y su locuacidad habitual (más brutal, desprolija y menos señorial que la verborragia de Scorsese con sus trajes Armani) hicieron lo suyo, como el aparato de producción de la época y la gerencia de marketing.

El paquete estaba preparado: un director que ya había trascendido con Perros de la calle, su opera prima), actores conocidos y taquilleros (la mayoría), el culto a la novelitas pulp, el policial como fundamento genérico, pero también, la particular cinefilia de su director, en este caso, llevada a un alto grado paroxístico.

Es que en TIEMPOS VIOLENTOS se mixturan a puro placer narrativo una multitud de historias, conversaciones y personajes que pertenecen a la gramática del policial pero construidos por la particular mirada del cineasta. Una mirada oblicua, transversal, periférica al género, matizada con momentos de humor irónico y filoso, contemplados desde un deja vú que nunca decide el camino de la soberbia y “la canchereada” estilística (por ejemplo, como ocurre en varios films de los Coen) sino desde el ojo clínico de un director que observa con ingenuidad y sin culpas a sus personajes. (más…)

28/09/2016

5 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LOS ÁNGELES AL DESNUDO” DE CURTIS HANSON

SOMBRAS Y LUCES EN LA CIUDAD

Por Gustavo J. Castagna

Todo funciona a la perfección en las más de dos horas de LOS ÁNGELES AL DESNUDO de Curtis Hanson. Desde la funcional cámara del director (fallecido hace menos de un mes), la adaptación que Brian Helgeland hiciera de la novela de James Ellroy, un grupo actoral de intérpretes principales y secundarios en estado de gracia, la concreta reconstrucción de época que alude al Los Ángeles de los 50 y una trama enroscada, con pliegues y repliegues narrativos, en donde se materializa aquel viejo axioma del género policial que reza “nada es lo que parece ser”

LOS ANGELES AL DESNUDO CIC BLOG

Ese “nada es lo que parece ser” acumula personajes de doble faz o, en todo caso, en algunos ejemplos, obligados a modificar su conducta ética e intachable: al final de la película, aquellos que aun estén vivos (que no serán tantos) se verán muy diferentes a cómo eran al principio. Algunas amistades trastocarán en traición, unos personajes morirán en el intento de resolver los múltiples asuntos que no parecen preocupar demasiado a un destacamento policial con sus correspondientes detectives, alguno más seguirá seduciendo en esa ciudad corrupta y hasta un correcto agente, seguro de sí mismo y de su moral frente al mundo. se convertirá –porqué no- en una extensión de ese paisaje soleado pero podrido por dentro.

LOS ÁNGELES AL DESNUDO estimula al elogio inmediato, a salir a defender con ganas sus idas y vueltas narrativas, sus chistes e ironías sobre aquel Hollywood crepuscular, su infinidad de matices que entrega una paleta cromática que deja ver a una ciudad luminosa, con glamour y estrellas cinematográficas que recuerdan a aquellas verdaderas de su época (¡la vuelta de Kim Basinger y su seducción a pleno desde la mirada, la silueta y la piel!).

Pero, además de las mujeres protagonistas, secundarias o no, la película describe una trama de hombres: un recién llegado a la oficina policial, heredero de la ética de su padre (Ed Exley – Guy Pearce-); el irascible y violento Bud White (Russell Crowe), el parsimonioso e irónico Jack Vincennes (Kevin Spacey), el periodista y fotógrafo que conoce al detalle el “detrás” de aquel Hollywood (Danny De Vito) y, entre otros, el jefe de todos los detectives, el reglamentado y conocedor del terreno que pisa, la ley dentro de una mirada particular, encarnada por Dudley Smith (el extraordinario James Cronwell).

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9/09/2016

28 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “PECADOS CAPITALES” DE DAVID FINCHER

EL PERFECTO ASESINO

Por Gustavo J, Castagna

Una de las claves del policial en los años 90 refiere al abastecimiento temático y formal de ciertas zonas genéricas en donde se mixtura una investigación o un caso a resolver de raíces detectivescas junto a una serie de asesinatos crudos y concebidos por especialistas en el ramo. Allí está el gran antecedente de El silencio de los inocentes (1987), la oscarizada película de Jonathan Demme, construida a través de la macabra y seductora inteligencia de Hannibal Lecter, quien decide trasmitir los rasgos principales del caso a la inestable Clarise Sterling. El título de Demme, inesperadas estatuillas mediante, se convirtió en un film de culto que fanatizó a los adictos al terror, pero también, a los seguidores del thriller de investigación.

PECADOS CAPITALES - CIC BLOG

Los 90 trajeron otras mixturas entre el terror y el policial y tal vez el mejor ejemplo sobre el tema se relacione con PECADOS CAPITALES, la segunda  incursión cinematográfica de David Fincher luego de su debut en la visión religiosa y espacial de Alien 3.

SEVEN está conformada desde los lugares comunes al género pero edificada por la mirada particular de Fincher sobre el terror y el policial. Como más adelante haría en la estupenda Zodíaco (2007), el caso a resolver parece fácil pero al poco tiempo los contrapuestos detectives Somerset y Mills comprenden que se está frente a un asesino no convencional. Sin embargo, a diferencia de Zodíaco en donde el punto de vista se reparte en tres personajes y al criminal, aun de forma diluida, se lo alcanza a ver en más de una ocasión, el entramado argumental de PECADOS CAPITALES ostenta una narración vertical sin oscilaciones hacia otras zonas impuras de los géneros convocados. Es decir, mientras Zodíaco invade diferentes registros de época (y su correspondiente contextualización política y cultural), de acuerdo al tiempo en que se describe el accionar del asesino, en PECADOS CAPITALES la narración es centrípeta, ubicada en las raíces del género, acomodada a una puesta en escena legitimada desde su tono clásico, construida desde la perfecta carnadura de los dos personajes centrales (Somerset y Mills) y de un secundario al que no debería tomarse a la ligera (la esposa de Mills). Conclusión de esta idea: el asesino cobrará protagonismo en la última parte, en ese extraordinario segmento final en donde el desierto, una camioneta y una caja (no vacía) completarán la apoteosis del horror más extremo e insoportable.

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9/09/2016

14 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “LA ADICCIÓN” DE ABEL FERRARA

VAMPIROS FILOSÓFICOS

Por Gustavo J. Castagna

¿Cuáles habrán sido los motivos por los que el iracundo y genial (en muchas ocasiones) Abel Ferrara se interesó por un film sobre vampirismo?

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¿Habrá sido la mano de su guionista, el ultracatólico Nicholas St. John, habitual colaborador del cineasta nacido en el Bronx? ¿Acaso las ideas aportadas por su productora Annabella Sciorra, también presente en la película en un breve pero importante rol como actriz?

¿O todo se deberá a los fantasmas que caracterizan al cine del realizador, teñido de violencia, sangre, drogas, culpas y redenciones?

La cuestión es que LA ADICCIÓN es el viaje que Ferrara emprendió a las raíces del género (es decir, a las yugulares) pero que, a través de su particular mirada sobre el tema del vampirismo, se convierte en un pretexto para describir un mundo donde el ser humano se ve devastado, frágil, inestable en su mismísima condición.

Ferrara concibió LA ADICCIÓN entre la visceral e incómoda SNAKE EYES / JUEGOS PELIGROSOS (el mejor trabajo en cine de Madonna) y la oscura y genial EL FUNERAL, es decir, en ese período en donde el director dejaría sus mejores películas, dentro de un carrera iniciada en los años 70 con la violentas DRILLER KILLER y ÁNGEL DE VENGANZA, que luego continuaría con tres títulos extraordinarios: CHINA GIRL / SUBURBIOS DE MUERTE (particular visión del mito de Romeo y Julieta), EL REY DE NUEVA YORK (con  el gran Christopher Walken) y UN MALDITO POLICÍA (con un Harvey Keitel cocainómano al margen de la ley y coqueteando con Dios y la culpa).

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28/08/2016

7 DE SEPTIEMBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC SOBRE CINE DE GÉNERO: TERROR/POLICIAL – “REC” DE JAUME BALAGUERÓ Y PACO PLAZA

PABLO… ¿QUÉ COÑO ES ESTO?

Por Gustavo J. Castagna

Pablo es una cámara en mano, un espacio off que registra, observa, mira y respeta las indicaciones de  Ángela Vidal (Manuela Velasco), reportera con micrófono en mano de un programa televisivo nocturno, destinado a cubrir las vivencias de un grupo de bomberos en un destacamento.

REC - copia

La hermosa Ángela, sonrisa permanente y presta para la labor, convivirá en ese espacio durante un corto tiempo, ya que la alarma se escucha en medio de la noche y la emergencia está a la vuelta de la esquina o a unas cuadras de distancia.

Parece que surgieron problemas en un viejo edificio, y claro, los bomberos siempre deben estar listos según el reglamento.

Pues bien, allí ocurrirán sucesos inesperados, uno detrás de otro, misteriosos en sí mismos y de difícil explicación, aun para los moradores del lugar: una madre con su hija pequeña (Jennifer, nombre de personaje acorde al género de terror), una pareja de ancianos, una familia de origen chino, un señor que preocupado por la cámara (es decir, Pablo), otros habitantes del edificio, algunos superiores de la policía, los bomberos recién llegados, la dulce Ángela y hasta nuevos personajes que irán arribando a ese espacio inquietante enviados por el Ministerio de Salud.

A casi una década de su gestación, REC es un clásico del espanto más visible, una conformación perfecta de gritos, exclamaciones, ruegos, sonidos extraños, otros violentos, pasillos dignos de temer, secretos a revelar. O no. (más…)

15/05/2015

20 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “El Gran Hotel Budapest” de Wes Anderson

ÉRASE UNA VEZ EN ZUBROWKA…

Por Gustavo J. Castagna

Las libertades formales y temáticas que transmite el cine de Wes Anderson dentro de un sistema acotado y restringido debido a reglas establecidas de antemano (léase: Hollywood) por las decisiones de hombres de negocios dedicados al cine (y no a la inversa) estallan definitivamente en su último opus hasta estos días. No es que EL GRAN HOTEL BUDAPEST sea la obra maestra de su director; en ese sentido, están aquellos fanáticos y admiradores que prefieren RUSHMORE, otros MOONRISE KINGDOM y muchos más LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUM (el antes y el después en la carrera del realizador), pero resultaría casi inapropiado omitir a esta fábula que transcurre en cuatro épocas distintas y que tiene como centro narrativo a las interminables instalaciones del hotel al que alude el título.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - EL GRAN HOTEL BUDAPEST - WES ANDERSON - CIC BLOG

Es que Anderson aclara otra vez aquello que ya estaba presente en sus títulos anteriores: una añoranza por un pasado entre aristocrático y disfuncional desde el punto de vista familiar, la ausencia de una figura paterna original que debe ser sustituida, la concreción de un mundo intransferible y personal con la mirada del cineasta colocada entre una zona difusa donde conviven la extrañeza y la delectación por ese universo. En cuanto a aspectos formales y decisiones narrativas, Anderson retorna al uso de la voz en off de características corales y a esos ya clásicos movimientos de cámara de concepción geométrica, como si su herramienta de trabajo fuera un compás escolar desde el cual va delimitando y construyendo espacios y atmósferas acordes a ese mundo personal y a ese sistema narrativo que se asemeja a un conjunto de muñecas rusas, es decir, escarbando una y otra en un mismo lugar pero con la intención de provocar la sorpresa infinita del espectador.

Zubrowka es la república imaginaria, Budapest el espacio físico y el conserje M. Gustave (Ralph Fiennes) y el sumiso botones Zero Moustafa (Tony Revolori) las dos criaturas titiritescas que gobiernan un paisaje determinado desde el protagonismo pero que dejarán espacio y tiempo a otros personajes, muchos personajes, encarnados por notables intérpretes aun en roles menos que secundarios: Jeff Goldblum, F. Murray Abraham, Harvey Keitel y entre otros, los infaltables Jason Schwartzman y Edward Norton. (más…)

8/05/2015

13 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Moonrise Kingdom” de Wes Anderson

UN GRAN AMOR PRE-ADOLESCENTE

Por Gustavo J. Castagna

La clave está en los primeros minutos de MOONRISE KINGDOM. La clave, el secreto, las obsesiones estilísticas y temáticas de un director en relación a sus historias y personajes. Movimientos geométricos con la cámara, planos cerrados, travellings, criaturas estáticas o en movimiento, uso particular del color, coto cerrado: es el mundo de Wes Anderson, la clásica comunidad que parece perdida en el tiempo oponiéndose a un mundo ajeno que no muestra su cara. Forma y contenido que se fusionan en esos instantes iniciales y que aclaran por donde se encarrillan sus manías y taras. Por dónde va su puesta en escena y visión del mundo.

ANDERSON ANDERSON FINCHER -MOONRISE KINGDOM  - WES ANDERSON - CIC BLOG

Sam y Suzy, dos chicos de 12 años podrían ser los únicos amigos de Max, el chico de 15 años de RUSHMORE. Podrían estar en aquella academia y así transmitir consejos a aquel rey exitoso y extracurricular en su afán por enamorar a la profesora de kindergarten. Pero Sam (Jared Gilman) y Suzy (Kara Hayward) viven en una isla de Nueva Inglaterra (noreste de Estados Unidos), sus días transcurren en 1965 y la comunidad tiene sus reglamentos, o en todo caso, su modo de observar el estado de las cosas. Esa forma de vivir del pueblo se verá alterada con el amor, el primer amor, el beso inicial, el comienzo de una relación, entre el huérfano Sam y la niña Suzy, hija de un matrimonio apático (Bill Murray, Frances McDormand), abogados ambos y más que distantes en el plano afectivo. El abanico de personajes se completa con el sheriff de buen corazón (Bruce Willis) y el líder de la tropa de los scouts Khaki (Edward Norton) y, en la última parte del film, a través de una representante “legal” (la estupenda Tilda Swinton) y una breve aparición de Jason Schwartzman (no podía faltar, claro), protegiendo a los niños enamorados.

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30/04/2015

6 de Mayo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Rushmore” de Wes Anderson

UNA ACADEMIA MUY PARTICULAR

Por Gustavo J. Castagna

¿Es una comedia? ¿Negra o gris, sofisticada o minimalista, gestual antes o física, irónica y de discurso indirecto o una que apunta a la carcajada y a la risa estentórea? Es eso y mucho más el segundo largometraje de Wes Anderson, aplicado y perfeccionista desde su opera prima (BOTTLE ROCKET, 1996) con tal de construir historias, personajes, climas y situaciones que no se parezcan a una comedia standard, regida por reglas establecidas y fórmulas preconcebidas de antemano.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - RUSHMORE - WES ANDERSON - CIC BLOG

Para sorprender tan tempranamente, Anderson describe a un personaje límite como el de Max Fisher (el seco y adusto, brillante como siempre, Jason Schwartzman), alumno imperfecto de la Academia Rushmore, al frente de emprendimientos y concreciones extracurriculares y, al mismo tiempo, uno de los peores ejemplos históricos del prestigioso establecimiento. Pero si el paisaje que demarcan las fronteras de ese paraíso universitario es en buena parte gobernado por el torpe Max, el trípode se completa con Mr. Blum (Bill Murray, cuando todavía era un comediante original, acaso el mejor de su generación) y la bella profesora Miss Cross (Olivia Williams, de origen británico). El punto de inflexión de RUSHMORE es el amor que Max (15 años) siente por Miss Croos, pero también, la forma particular en que se maneja Mr. Blum en medio de esa hipotética pareja, ya que el millonario y malhumorado personaje, padre de dos hijos a los que odia, tampoco puede disimular su deseo hacia la profesora de pequeños alumnos.

Presentada así, RUSHMORE puede confundirse como otra película más que transcurre en una escuela de alto poder económico con tres personajes que establecen un trío con ansias románticas. Sin embargo, Anderson corre el velo de las convenciones narrativas para proponer un relato de capas superpuestas donde se materializa el humor con la tristeza teñida de melancolía, los momentos inesperados (especialmente a cargo de Mr. Blum) con la amistad que se establece entre “un padre” y “un hijo” de características particulares, la descripción de un paisaje que parece detenido en el tiempo con el humor tan representativo del cineasta, ya pautado en su opera prima y recorrido, con subas y bajas, en su filmografía posterior.

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24/04/2015

29 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Perdida” de David Fincher

TE AMO, TE ODIO, TE AMO, TE ODIO

Por Gustavo J. Castagna

Amy y Nick no representan a una pareja feliz, como tampoco lo era el joven matrimonio de Pecados capitales, ni el millonario personaje de The Game, separado de su mujer y conviviendo con su engreísmo ombliguista sin pudor alguno. Hay pocas madres (y padres) en el cine de Fincher y los más recordados serían el personaje que encarna Jodie Foster en La habitación del pánico y la teniente Ripley, embarazada de la horrenda criaturita de Alien 3 y dispuesta al sacrificio y a la inmolación posparto como si se tratara de una Juana de Arco de ciencia ficción.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - PERDIDA - DAVID FINCHER - CIC BLOG

Tipo raro y particular Fincher con el tema de las parejas, la institución familiar, el confort, la seguridad obtenida a través de los años y la experiencia, el placer de estar rodeado de hijos. En oposición a todo ese mundo, que en cualquier momento se hace añicos, aparece el personaje de Kevin Spacey en Pecados capitales, una especie de ángel exterminador, moralista y triunfante en sus códigos morales, dispuesta a acumular cadáveres como si fuera Jack, el destripador jugando al ajedrez.

La caja que lleva la cabeza de la esposa del detective que encarna Brad Pitt es el hilo conductor que elige el director para opinar del matrimonio y la pareja. Pero, al mismo tiempo, Fincher nunca se había atrevido a mostrar tanto odio acumulado como se observa en la ciclotímica pareja central de PERDIDA.

En sus mejores y peores películas al cineasta siempre le interesaron las historias convencionales. Pero, a través de una mirada personal, recorrida por enigmas, opuestos puntos de vista, flashbacks y una exacerbada manipulación al espectador, esas convenciones narrativas (genéricas o no) se transforman en tramas extraordinarias y complejas de encontrar en el cine mainstream. El caso de PERDIDA, partiendo del best seller Gone Girl de Gillian Flynn, es uno de sus puntos más altos de su obra, siempre excedida en metraje pero seductora en las idas y vueltas del argumento y en la convivencia placentera del thriller policial con una feroz visión del matrimonio, junto a una contundente crítica a los medios de comunicación, sutiles aportes de humor negro y un macabro asesinato. (más…)

17/04/2015

22 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “The Game” de David Fincher

FELIZ CUMPLEAÑOS

Por Gustavo J. Castagna

El tema musical alucinógeno-hippie “White Rabbit” de Jefferson Airplane con la gran Grace Slick en la voz suena dos veces en el pesadillesco desarrollo argumental de THE GAME. La segunda vez, acompañando a los créditos finales, se escuchan completos sus tres minutos de brillante composición de letra y música. La pesadilla terminó, por lo tanto, y el engreído y solitario hombre de finanzas Nicholas Van Orton tiene la posibilidad de iniciar una vida afectiva con Christine/Claire luego de tremendos desatinos y peligros que lo colocaron ahí, a un pasito de la muerte.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - The Game de David Fincher - CIC BLOG

Justamente, cuando la película se estrenó en Buenos Aires en octubre de 1998, David Fincher era el director recordado por “Pecados capitales” (Seven), un gran éxito de taquilla que construiría un edificio cinematográfico de diez pisos –por lo menos hasta hoy- con sus subas y bajas. THE GAME, que se conoció en nuestro país con el redundante título de “Al filo de la muerte” fue otro ladrillo cinematográfico de alta calidad para que el nombre de Fincher ampliara su radio de acción (o de prestigio bien ganado).

Partiendo de la hipótesis que sería demasiado invasivo describir las motivaciones, las vueltas de tuerca y las sorpresas que presenta THE GAME desde la escritura del guión hasta su concepción en imágenes, puede sugerirse que la trama alude a otras pesadillas cinematográficas (por ejemplo, “Después de hora”, 1986, obra maestra de Martin Scorsese) donde se entremezcla la estética del absurdo con el género policial y una sutil crítica al poder del dinero junto a ciertas culpas que carga con su pasado el atribulado Nicholas Van Orton (excepcional Michael Douglas aprovechando al máximo su hieratismo actoral). (más…)

10/04/2015

15 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Zodíaco” de David Fincher

BIENVENIDA AMBICIÓN

Por Gustavo J. Castagna

La mejor definición que puede hacerse al analizar el cine de David Fincher se relaciona con su mirada personal, teñida de ambición y omnipotencia (sea temática y/o formal), que trasuntan unas historias ubicadas en las ambiguas zonas periféricas que caracterizan a los géneros. Es decir: el cineasta construye relatos policiales, de terror y suspenso de ciencia ficción entremezclando códigos genéricos, pero siempre mirando hacia arriba, escalando hacia la novedad en lugar de descansar en rutinas y argumentos simplistas. Los resultados de su obra, por lo menos hasta ahora, no son impecables, pero siempre será bienvenido el riesgo antes que la repetición del gesto o la reiteración a través de la fórmula.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - ZODIACO de David Fincher - CIC BLOG

La larga experiencia de Fincher en el terreno del videoclip (casi cuarenta trabajos entre 1985 y 1993) sirvió como vehículo de conocimiento, más allá del heterogéneo abanico de nombres relacionados a la música sintetizados en pocos minutos (Madonna, Roy Orbison, Ry Cooder, Paula Abdul, Aerosmith, Michael Jackson). Uno de los últimos clips de ese período fue “Love is Strong” con los Rolling Stones en blanco y negro, gigantescos y superando las alturas de los edificios, expresándose por medio de un tema musical que pegó fuerte en todo el mundo, incluyendo a nuestro país al momento de la primera visita del cuarteto eterno. El gigantismo visual y sonoro de los Stones encaja perfectamente en el cine de Fincher: sus películas son ambiciosas, extensas, llenas de vueltas de tuerca, cargadas de ideas sobre el género que, al mismo tiempo, se deciden por un camino inesperado. Así son ALIEN 3; PECADOS CAPITALES; LA HABITACIÓN DEL PÁNICO; EL CLUB DE LA PELEA; THE GAME; EL EXTRAÑO CASO DE BENJAMÍN BUTTON; LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO; RED SOCIAL y su último opus hasta hoy, PERDIDA. Así es la más que inquietante, estupendamente narrada y sólidamente actuada ZODÍACO, otra inserción de Fincher en el género policial o, en todo caso, en las posibilidades infinitas que puede ofrecer una historia en común observada desde diferentes flancos.

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1/04/2015

8 DE ABRIL – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – ANDERSON + ANDERSON + FINCHER – “PETRÓLEO SANGRIENTO” DE PAUL THOMAS ANDERSON

POZOS Y HOMBRES AMBICIOSOS

Por Gustavo J. Castagna

Así como BOOGIE NIGHTS construía su relato a través del pasaje de una década a otra y SYDNEY (1997), opera prima del realizador, fluctuaba entre el film de cámara y una historia convencional con personajes extraordinarios, PETRÓLEO SANGRIENTO, título número cinco de su creador, explora en una trama de ambiciones, triunfos, derrotas y una transparente confrontación de ideas entre dos universos en pugna que aclaran, por si fuera poco, la re-fundación de un país como los Estados Unidos en los inicios del siglo XX. Uno de los dos films de Anderson de mayor ambición, como luego mostraría en la posterior THE MASTER (2010), ahora la trama se sumerge en la bendita y espesa conformación de hidrocarburos y agua, allá a principios de aquel siglo, tal donde se ubica la novela original de Upton Sinclair, publicada en 1927.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - Petróleo sangriento - CIC BLOG

Daniel Plainview (el impresionante y camaleónico Daniel Day-Lewis) llega a la cima como magnate del petróleo luego de excavar y excavar, como se lo observa en la gran secuencia inicial, unos veinte minutos a pleno silencio transmitidos a través del contacto del hombre con la naturaleza o del hombre histórico comprendido desde el máximo estadio de ambición, deseo y omnipotencia. Plainview tiene un hijo, que será protagonista de otro momento trágico e inolvidable del film, pero el enemigo de su progenitor, la opinión opuesta y al mismo tiempo el complemento ideal, será el carismático pastor pentecostés Eli Sunday (Paul Dano), exhibido por Anderson como el símbolo de la luz frente a la oscuridad satánica y agnóstica que encarna el inquieto experto en perforar la tierra.

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27/03/2015

1 de Abril – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Sidney” de Paul Thomas Anderson

UNA DE APOSTADORES

Por Gustavo J. Castagna

El riesgo de las operas primas se traduce en que un realizador desea incluir sus obsesiones formales y temáticas, su visión del mundo, su conocimiento con la cámara y sus mambos, taras, códigos y constantes en ese film inicial. Luego, con el devenir de su obra, queda poco y nada para decir o agregar a lo ya concebido en su opus primero.

Seminario de Cine ANDERSON + ANDERSON + FINCHER - Sidney - CIC BLOG

SIDNEY ó HARD EIGHT SIDNEY (1996), el comienzo de la carrera de Paul Thomas Anderson, a diferencia de muchas películas iniciales de un cineasta, reserva más de lo que ofrece, o en todo caso, expone lo necesario, y resulta más que suficiente, al contar una historia policial con cuatro personajes centrales y varias escenas estupendamente resueltas por la mano del director, quien logra construir un clima de agobio y de pesadumbre melancólica en medio del despliegue de luces de neón, ruletas y miles de maquinitas tragamonedas que caracterizan al imperio del juego ubicado en Las Vegas.

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20/03/2015

25 de Marzo – Seminario de Cine en el CIC – Anderson + Anderson + Fincher – “Boogie Nights” de Paul Thomas Anderson

RETRATO DE ÉPOCA

Por Gustavo J. Castagna

Una película como BOOGIE NIGHTS de Paul Thomas Anderson, luego de su excelente opera prima Sidney y antes de Magnolia, le hace muy bien a la historia del cine. En realidad, la aparición de PTA, en medio de un sistema adocenado y casi predigerido y dirigido a un target de público, convirtieron al director en una personalidad esencial de los últimos años.

ANDERSON ANDERSON FINCHER - Boogie night

Son solo siete películas hasta hoy, las tres citadas y Embriagado de amor (Punch-Drunk Love), Petróleo sangriento, The Master  y Vicio propio (Inherent Vice), estreno en salas comerciales del próximo jueves, pero más que suficientes para conformar una obra sólida, alejada de las cuestiones más transparentes de la “autoría”, pero al mismo tiempo, constituyendo una filmografía invadida por ideas originales, también invocatoria de otros cineastas (Scorsese, por ejemplo), de una inagotable catarata de secuencias de montaje difícil de encontrar en el cine de estos días.

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15/10/2013

23 de octubre – Seminario de cine en el CIC – Directores del nuevo milenio – El camino de los sueños (2001) de David Lynch

SILENCIO, NO HAY BANDA

Por Gustavo J. Castagna

Pasaron más de diez años del estreno local de MULHOLLAND DRIVE/EL CAMINO DE LOS SUEÑOS de David Lynch y la película no ha perdido vigencia con sus más de dos horas de historias cruzadas, suspensión de la realidad y equilibrio entre lo real y lo fantástico, como solo puede surgir de la mente de uno de las grandes creadores de atmósferas de la historia del cine.

Camino de los sueños en el CIC

El film sintetiza aquello que Lynch venía bocetando desde ERASERHEAD, su clásico experimental de inicios de los 70, rodado en blanco y negro y constituído por marcados silencios, ideales y concretos para mostrar la alineación y el mundo que rodeaba al azorado Henry Spencer, el personaje central. De allí en adelante, Lynch construyó una carrera donde se fusionan géneros dispares como el melodrama, el terror y el policial, observados desde el ojo clínico de un autor, haciendo tabla rasa con lo “real” para atrincherarse en una visión pos moderna del mundo, donde aquello devaluado por la alta cultura encuentra una nueva interpretación a través de las imágenes. Así, una campera de piel de víbora que perteneció a Elvis Presley, pasaba a conformar un objeto fetichista, tal como remarca Sailor (Nicholas Cage) en CORAZÓN SALVAJE, revisión camp de El mago de Oz. Así el mundo idílico de la posguerra mundial que mostraron las películas protagonizadas por Doris Day, tiene una nueva mirada, no solo en cuanto a lo genérico, sino también referido a aquel mundo feliz, ahora amenazado por el horror, tal como sucede en TERCIOPELO AZUL, un film clave para comprender la década del 80. Así, un tema como el de la invasión de la privacidad, que había tenido sus exponentes iniciales en los años 80, encuentra en CARRETERA PERDIDA un nuevo vértice de goce y placer, teñido por lo onírico y expresado a través de la muerte y el dolor.

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7/10/2013

9 DE OCTUBRE – SEMINARIO DE CINE EN EL CIC – DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO – Copia certificada (2010) de Abbas Kiarostami

UN GRAN AMOR EN TOSCANA

Por Gustavo J. Castagna

Al gran Abbas Kiarostami, uno de los nombres esenciales del cine contemporáneo, siempre le gustó mostrar a gente andando en auto por determinados paisajes. Aquellos extensos planos secuencia de El sabor de la cerezaClose-up y la más cercana Ten ofrecían semejante postura sobre las historias –mínimas y extraordinarias- y los personajes- uno, dos o tres-, valiéndose de pocos elementos, con una puesta en escena que recurría al despojamiento y a la extrema austeridad. Lo fundamental de aquel Kiarostami, o del anterior, ya que empezó a filmar en los inicios de los 70, se corrobora en COPIA CERTIFICADA, una de las mejores películas que se concibieron en la primera década del nuevo siglo.

COPIA CERTIFICADA de Abbas Kaiarostami

La referencia cinematográfica es transparente y enfática: el director iraní fija la atención en VIAJE POR ITALIA (1955) de Roberto Rossellini, film moderno y actual donde se cuenta la travesía de un matrimonio en crisis –Ingrid Bergman y Georges Sanders- divagando por las calles de Pompeya, donde el director italiano se valía de silencios, planos secuencia y una delicada fusión entre paisajes y personajes para articular un discurso sobre la pareja. En este film, en su momento celebrado por la redacción de Cahiers du Cinéma a través de la maravillosa pluma de Jean-Luc Godard, Rossellini recurría a pocos elementos para describir un universo en crisis que encuentra una dosis de esperanza cuando se desentierran los restos fósiles de una pareja que murió abrazada dos mil años atrás.Con semejante espejo referencial, Kiarostami ubica la acción en la región de Toscana, jamás mostrada como motivación turística para la exacerbación del director de fotografía.

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13/08/2013

A partir del miércoles 21 de Agosto – Nuevo Seminario en el CIC “Directores del nuevo milenio” a cargo de Gustavo Castagna

8 encuentros – Todos los miércoles a  las 14: 15 hs – Gratuito con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar

EL FUTURO ES AHORA

Por Gustavo J.Castagna

¿Qué unen a las ruinas de Sarajevo con la violencia de la camorra siglo XXI? Nada. O sí: el ciclo que comienza en el CIC, sobre DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO, una bienvenida arbitrariedad que agrupa ocho títulos y ocho cineastas de este siglo. O no. Porque algunos nombres que componen el seminario nacieron hace bastante: Godard en 1930, Kiarostami diez años después, Cronenberg y David Lynch en la década del 40, el francés Assayas en los inicios de los 50.

SEMINARIO DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO en el CIC

Pero entonces, ¿de qué manera puede aprobarse un seminario sobre el cine del nuevo milenio construido por realizadores en su mayoría veteranos ? Es que, justamente, allí mismo está la respuesta: son ocho películas que hablan de estos tiempos, desde la concepción del relato o del (no) relato con sus diferentes capas (MULHOLLAND DR. de David Lynch), las nuevas miradas sobre temas legitimados por la historia del cine (GOMORRA de Mateo Garrone), la apuesta metafórica tomando a la voracidad de Internet siglo XXI y a los nuevos modos comunicacionales derivados hacia el film de terror (eXistenZ de David Cronenberg), la mimémis que se produce entre el pasado y el presente o al revés (TABÚ de Miguel Gomes), la puesta en escena en abismo legitimada por la imagen digital (POST TENEBRAS LUX de Carlos Reygadas), la moderna versión sobre la representación y el doble (COPIA CERTIFICADA de Abbas Kiarostami), la fusión genérica deconstruida por la vieja cinefilia (CLEAN de Olivier Assayas) hasta llegar a la síntesis absoluta que corrobora una observación cáustica y feroz del mundo, tal como opina Jean-Luc Godard en NUESTRA MÚSICA, película que inicia el seminario.

Lejos del Hollywood industrial, también del cine europeo de prestigio o de aquel acomodado a la programación de festivales y sin omitir el rótulo “independiente”, cada día más discutible, las ocho películas de componen DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO son apenas (¿o suficientes?) un puñado acotado de imágenes (in)discutibles, exigentes, autocomplacientes, sorprendentes, pero también sinceras y honestas que describen al siglo XXI. O al cine del siglo XXI, es decir, al futuro, al ahora y al presente.

13/08/2013

MIÉRCOLES 21 DE AGOSTO – SEMINARIO “DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO”: “Nuestra Música” de J.L. Godard

Nuestra música (2004) de Jean-Luc Godard

DANTE EN EL NUEVO MILENIO

Por Gustavo J. Castagna

La Divina Comedia según Godard y las tres estaciones dantescas – Infierno, Purgatorio y Cielo- bajo la óptica de uno de los nombres esenciales de la historia del cine, o de la filosofía en el cine o algo cercano a ello. Godard nueva centuria es el mismo de siempre pero transformado en un oráculo que opina, describe, reflexiona sobre temas varios, trátese universales (el mundo y sus ciclotimias), artísticos (el futuro y presente –también el pasado- del cine y de las otras artes), personales (su mirada sobre los dos primeros ítems) y las nuevas técnicas, que él mismo, cuando nadie lo hacía, ya exploraba en los años 70 con la imagen video (NÚMERO DOS, película de 1975!).

Nuestra música de Godard - CIC BLOG

El Infierno para Godard dura diez minutos pero son suficientes para mostrar el horror del mundo a través de escenas de películas bélicas, en blanco y negro y color, digitalizadas, con ocasionales relatos en off de tinte poético. No importa – no es necesario- sumar grandes esfuerzos para reconocer la multitud de películas, noticieros y fragmentos de archivo que aparecen compaginados en esos pocos minutos. Aun cuando se descubren imágenes de “El Acorazado Potemkin”, “Aleksander Nevski”, “Apocalypse Now” y “Paisá”, entre otros títulos, este prólogo de NUESTRA MÚSICA es aterrador y nada complaciente: una especie de sinfonía del terror donde las imágenes cobran vida para mostrar cuerpos mutilados, campos de concentración, invasiones bélicas y castigos físicos que el montaje acumula como síntesis de una idea. Una idea que Godard explora desde lo ya concebido (las películas en sí mismas) y que reformula a través de un acelerado montaje que no deja margen a duda alguna.

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27/05/2013

29 de mayo – Seminario “Cine dentro del Cine” – Passion (1982) de Jean-Luc Godard

TEORÍA Y PRAXIS

Por Gustavo J. Castagna

“Creo sinceramente que complacer a la gente es importante, pero también creo que cada película tiene un cierto grado de “violencia planeada” sobre su audiencia. En una buena película, la gente debe  ver algo que no quiere ver e intentar aprobar a quien habían rechazado. Deben ser obligados a buscar donde se habían negado a mirar” (Francois Truffaut)

La frase de Truffaut propone la exigencia máxima del espectador, la complicidad en la búsqueda de lo nuevo, el riesgo de encontrarse con una película que puede causar un gran placer o un rechazo sin miramientos. Pero Truffaut –también un gran escritor a esta altura del cine y de la vida- sabía a qué se estaba refiriendo, como ocurrió en su gran obra como crítico y teórico del cine en los gloriosos años 50 de Cahiers du Cinema. Y su gran amigo de ruta, más tarde su rival ideológico, el aun activo Jean-Luc Godard (3 de diciembre de 1930), a través de su monumental obra de seis décadas, encaja a la perfección en la cita del comienzo. Más aun, cuando surge una película como PASSION.

passion de jl goddard en el CIC

Godard en los 80 vivía una época distinta a la década anterior, que había sido invadida por la frustración estética e ideológica del Grupo Dziga Vertov, pero también, por sus primeros trabajos en video y por los intentos en reinsertarse en el negocio del cine (DOS Ó TRES COSAS QUE SÉ DE ELLA, 1972). Los 70, en ese sentido, se habían cerrado con SALVE QUIEN PUEDA (LA VIDA), 1979, film donde Godard explora en profundidad las relaciones entre el cine y las demás artes, y donde también el soporte video cobraba un esencial protagonismo.

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19/05/2013

22 DE MAYO – SEMINARIO CINE DENTRO DEL CINE –Doble de cuerpo (1984) de Brian De Palma

VOYEURUSMO=EROTISMO=SEXO

Por Gustavo J. Castagna

En aquellos años 70 y parte de los 80 el trono Hollywood estaba ocupado por tres realizadores ítaloamericanos. Coppola, el rey padrino con su merecida corona, junto a los príncipes Scorsese y De Palma. Los tres habían tomado por asalto al Paraíso Hollywood, apoderándose de las arcas monetarias y estéticas del negocio a través de esas películas irrepetibles, que ya pertenecen a la Gran Historia del Cine. Francis Ford con sus Godfather y Kurtz rayado en el culo del mundo, allá lejos en el fondo de Vietnam; Scorsese con Travis Bickle y sus aun jóvenes goodfellas de Mean Streats a los que se sumaría el derroche de sangre pecadora de Jake LaMotta en Toro Salvaje; en tanto, el inquieto Brian, sumergido en sus bienvenidas apropiaciones al maestro Hitchcock, acababa de presentar la demencial Scarface y las montañas de cocaína dura, dólares y sexo incestuoso a punto de eyacular desde la energía de Tony Montana, el hombre invencible.

Doble cuerpo de brian de palma en el CIC

Eran aun el rey y sus dos príncipes pero algo no andaba bien, o no tan bien como en la década anterior. El rey Coppola había metido la pata y tenía una deuda de 40 millones de dólares por tirarse a una pileta sin agua, debido a sus ambiciones desmesuradas, al hacer el musical One From the Heart (1982), film incomprendido y denostado por el público y la crítica. El príncipe Martin, saliendo de la furia de su toro salvaje, entraba en una zona brillante de su talento (El rey de la comedia; Después de hora) pero agachaba la cabeza frente a las primeras imposiciones del mercado (El color del dinero). Acaso el otro príncipe, el De Palma en cuestión, al final de la primera mitad de los 80, aun era quien mejor estaba parado frente a la atmósfera oscura que se acercaba y quedaría para siempre, destruyendo al trío que resucitó y (re)interpretó la historia del cine dentro de aquel Paraíso, pronto convertido en el Infierno gobernado por las corporaciones y por el economista Steven Spìelberg como dirigente principal. Acaso, tal vez, y gracias a Tony Montana, pero también por una película como DOBLE DE CUERPO, que a casi treinta años, podría decirse que se trata de la última película libre y sin concesiones al mercado de un realizador desigual con un estilo intransferible.

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18/04/2013

24 de Abril – Nuevo Seminario en el CIC “Cine dentro del Cine”

LUZ, CÁMARA, ACCIÓN (Y OMBLIGUISMO)

Por Gustavo J. Castagna

Bienvenidos a desentrañar un tema seductor como pocos cuando se habla y reflexiona sobre cine. Cine dentro del cine ó el cine hablando de sí mismo desde infinitas capas y ópticas. Desde la gestación de una película ó a través de citas, homenajes, referencias e invocaciones al período clásico. Desde la descripción de una época y sus alcances políticos y sociales hasta la reconstrucción de una década y sus primeros años posteriores donde la pornografía era una industria como cualquier otra. O, porqué no, desde los deseos de un grupo de estudiantes que desean concebir su opera prima tomando como condición los códigos de las incendiarias “Snuff Movies”

SEMINARIO CINE DENTRO DEL CINE en el CIC

Docenas de películas hablan del cine dentro del cine y sería imposible su inclusión en este seminario. Pero el recorte es válido y concluyente y los cinco films desarrollan este particular tema desde diferentes miradas: festivas, invocatorias, reflexivas, densas, peligrosas, fusionando el pasado con el presente y alertando –porqué no- que dirigir una película no es un manto de rosas, sino una zona de riesgo, crisis, discusión, polémica permanente. Francois Truffaut – a  través de su personaje-director en La noche americana– expresaba: “Antes de rodar una película no veo el momento de empezar; cuando la estoy filmando, solo pienso en terminarla”

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11/04/2013

Seminario de Cine y Rock en el CIC a cargo de Gustavo J. Castagna – Velvet Goldime (1998) de Todd Haynes

¿DÓNDE DEJASTE LA PURPURINA?

Por Gustavo J. Castagna

Brian Slade, Curt Wild, Jack Fairy. Tres nombres de ficción. O no. Tres nombres que referirían a la iconografía más representativa del Glam-Rock: David Bowie, Iggy Pop, Marc Bolan. Son ellos tres porque las historias aluden a aquellos años locos, muy locos, entre purpurina, rimel, lentejuelas, trajes espaciales, plumas. Y también, más que nada, mucho hedonismo, ambigüedad sexual, homoerotismo a flor de piel. Pero, a no olvidarse, que fue una época donde el rock entró en la zona del divismo, el lanzamiento de la estrella, el Adonis que requería ser observado. También, deseado.

VELVET GOLDMINE en el CIC - Cine y Rock

Habían pasado los años de la alegría y el estallido hippie, que ya presentaba  sus primeros cadáveres exquisitos: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones. Más temprano que tarde, Keith Moon, el genial baterista de los Who. Los Beatles habían pactado la separación definitiva a comienzos de los 70 y el agujero musical que marcaba la ausencia iniciaría una nueva era, plena de glamour, invadida por el cuerpo deseado, por el póster en las paredes de las habitaciones de los adolescentes británicos, quienes decidirían irse de la casa de sus padres, pero no con el fin de bautizarse con el primer porro de marihuana, sino para vestirse de una manera diferente, provocadora, donde se conciliaba y fusionaba lo femenino con lo masculino. Esos años de descubrimiento personal a través del vestuario y de la música son los que recorre Todd Haynes en la maravillosa historia de VELVET GOLDMINE. Una historia de múltiples miradas, puntos de vista, laberintos a transitar y re-conocer, estéticas superpuestas que actúan como ejes narrativos que no buscan un único propósito. Efectivamente, VELVET GOLDMINE es una película democráticamente disfrutable, desde su estupenda banda de sonido con temas originales o reciclados por otros, desde la reconstrucción de época, desde las idas y vueltas de los personajes principales y secundarios. Es democrática y compleja en dosis similares: su estructura de relato recuerda a El ciudadano de Orson Welles y la conformación de la historia general necesita de segmentos que aluden a la triunfante estética videoclipera, en tanto, a medida que se explayan sus numerosos textos y subtextos, la película entrega una dosis importante de emoción, que culmina con una frase expresada por el personaje de Curt Wild. “Quisimos cambiar al mundo y los que cambiamos fuimos nosotros”, transmite el músico y cantante al periodista ex fanático glamoroso que durante todo el film intenta buscar el significado de algo que no se denomina Rosebud pero podría serlo.

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23/03/2013

27 de Marzo – SEMINARIO “CINE Y ROCK” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “Gimme Shelter” de Albert y David Maysles y Charlotte Zwerin

FIN DE FIESTA

Por Gustavo J. Castagna

La fiesta estaba preparada de antemano y debía ser tal, más aun cuando los Stones cerrarían su gira por Estados Unidos, meses después de la muerte de Brian Jones, una de las piezas fundamentales de la banda desde sus inicios. Mick Taylor reemplaza al ángel caído en la pileta de natación de un hotel cinco estrellas y el grupo, los eternos Rolling Stones, vuelven a conformarse: Jagger, Richards, el pétreo Bill Wyman en el bajo y el aún pelilargo Charlie Watts en la batería bautizan en vivo al rubio Taylor con la interminable gira de segunda mitad del año 69.

Pocos meses antes había terminado la fiesta de tres días en Woodstock y el mundo ya sabía que el rock, los músicos y los excesos tenían su merecido lugar en la historia.

Cine y rock - GIMME SHELTER en el CIC

La celebración en el autódromo de Altamont, al norte de California y al este de Okland, aquel 5 de diciembre, terminaría mal, muy mal. Los ya conocidos cineastas de documentales Albert y David Maysles, junto a la productora Charlotte Zwerin, fueron con un montón de cámaras para registrar el acontecimiento. Al fin y al cabo, era la vuelta de los Stones, luego de la muerte de Brian Jones y de dos años sin salir de gira. A la eterna banda la acompañarían otras para el registro en vivo: la ultra hippie y brillante Jefferson Airplane con la estupenda voz de Grace Slick; la psicodélica propuesta de Grateful Dead con su líder Jerry García; la novedad de ver en vivo a Flying Burrito Brothers con el autodestructivo Graham Parsons; las voces folk de Crosby, Stills y Nash y esa pareja tensa en la privacidad pero excelente en el escenario que conformaban Ika y Tina Turner.

Pero Mike Jagger, o los Stones, o quién sabe, metieron la pata al contratar a los furibundos Hell Angels con sus motos, camperas de cuero y cervezas en mano como personal de seguridad.

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22/03/2013

Seminario de José Luis Guerín en la Argentina – Percepciones de la realidad

José Luis Guerín en Argentina - CIC Blog

Desde el presente de nuestra práctica planteamos un diálogo con los grandes autores

y legados del cine documental. No es la perspectiva del historiador sino

la del propio cineasta enfrentado a los diversos dilemas morales,

estratégicos, técnicos y compositivos que dieron y dan forma a las películas.

José Luis Guerín

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17/03/2013

20 de Marzo – SEMINARIO “CINE Y ROCK” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “ 24 HOUR PARTY PEOPLE ” DE Michael Winterbottom

LA HORA DEL PRODUCTOR

Por Gustavo J. Castagna

Tony Wilson fue un genio, un personaje diferente entre sus colegas productores y empresarios, un visionario de aquellos años 70 y 80 sobre el mundo por venir, un sujeto que perdió mucho más de lo que ganó, una persona inteligente y culta que, por si fuera suficiente, amaba el rock. Wilson murió en el 2007 pero por suerte llegó a ver la excelente película de Michael Winterbottom que refleja la movida de Manchester desde los Sex Pistols hasta el surgimiento de los D-J en tierras británicas, abarcando casi veinte años de música, bandas, sonidos, alegrías, muertes, excesos y una apabullante adrenalina que marcó una época. 24 HOUR PARTY PEOPLE desde su mismo comienzo marca las pautas en relación al punto de vista: el film girará alrededor de Wilson y sus muchas pérdidas y pocas ganancias en dinero, sus descubrimientos, su relación de pareja, la ruptura, la nueva novia, sus amigos productores, su lugar de anclaje creativo y de supervivencia (la pequeña empresa Factory Records) y su pista de aterrizaje de características lúdicas (el mítico espacio The Factory, lugar donde se presentaban sus creaciones musicales). Por allí pasaron Joy Division y su autodestructivo líder Ian Curtis, más tarde New Order, Happy Mondays, Durutti Column y tantos más.

24 hour party people en el CIC - Cine y Rock - Seminario de Gustavo Castagna

Pero la película de Winterbottom, como se dijo, no es una película convencional sobre el rock y una época determinada. Además de su celebratoria inminencia, que corrobora aquello de los buenos tiempos que no volverán, la estructura narrativa de 24 HOUR PARTY PEOPLE presenta un sujeto narrador desde la voz en off (Wilson) pero que en más de una oportunidad se dirige a cámara con sutil ironía, una cámara que a través de su tenso movimiento recrea el frenesí de esos años y un complejo subtexto que mete el bisturí crítico en las grandes corporaciones que terminarían por sustituir a los emprendimientos solitarios como el del carismático productor británico.

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15/10/2012

ÚLTIMA PRESENTACIÓN DEL SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “EN LA CIUDAD DE SYLVIA” DE JOSÉ LUIS GUERÍN

MUJER PAISAJE

Por Gustavo J. Castagna

Un hombre, una mujer, una ciudad. No, está mal: un hombre, una mujer y un paisaje. No, tampoco está demasiado bien: un hombre, varios rostros y figuras de mujeres y un paisaje. Más o menos es así, aunque podría sugerirse que En la ciudad de Sylvia trata sobre un hombre, un paisaje y la búsqueda de un rostro del pasado, el de una joven mujer llamada Sylvia, claro está.

En-la-ciudad-de-sylvia-de-Jose-Luis-Guerín-en-el-CIC

Así son los films del gran cineasta catalán José Luis Guerín: el paisaje se funde con los personajes para transmitir calidez, valiéndose de un tratamiento formal único que, eso sí, imbrica con elegancia las herencias provenientes de la nouvelle vague francesa junto al origen del cine, luz y sonido, transición entre la etapa silente y las películas habladas. Guerín tiene pocos largos en su haber y en los últimos años se abocó a la producción de cortos, acaso rindiéndole culto a una de sus obsesiones: las relaciones entre el cine y la fotografía, escarbando entre esas dos épocas citadas: el fin del período mudo y el inicio del sonoro. En su breve e intensa filmografía, única en su especie dentro de ciertas estructuras anquilosadas del cine español –bah, por algo es catalán- Guerín sorprendió a propios y extraños con su opera prima Los motivos de Berta (1984) cuando solo tenía 24 años; invocó el fantasma de John Ford y el archiclásico “El hombre quieto” (1950) en la cinéfila Innesfree (1990), yendo al pueblo irlandés donde se filmó aquel clásico con John Wayne y Maureen O´Hara, exploró su máxima obsesión, el cine y la fotografía (o al revés) en la extraordinaria Tren de sombras (1997), y recién volvió a ubicarse detrás de las cámaras para contar la desaparición de un mundo (un barrio) sustituido por la modernidad, tal como se observa en En construcción (2001), donde aclara por si alguna duda quedaba pendiente, las difusas y frágiles diferencias que subyacen entre el documental y la ficción.

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9/10/2012

SEMINARIO “NUEVAS MIRADAS, NUEVAS EXPRESIONES” EN EL CIC A CARGO DE GUSTAVO J. CASTAGNA – “ TROUBLE EVERY DAY” DE CLAIRE DENIS

LA SANGRE DERRAMADA NO SERA NEGOCIADA

Por Gustavo J. Castagna

Al principio, aclaraciones. TROUBLE EVERY DAY se realizó hace diez años y dos más tarde se estrenó en Buenos Aires con el título de SANGRE CANÍBAL (ay). En los pocos cines donde se exhibió pasó casi desapercibida pero en su edición en DVD se convirtió en una película de culto, admirada por los fanáticos del gore en su vertiente más sofisticada y cool. Pero intuyo que los fans incondicionales deben desconocer la filmografía de Claire Denis, una realizadora abonada al circuito de festivales, que anduvo por una de las ediciones del Bafici como presidenta del jurado de la competencia internacional y que, más allá de subas y bajas, ostenta una obra importante para no dejar pasar por alto. Bienvenido aclarar, también, que las películas de Denis exhibidas por acá tuvieron una difusión desordenada, desde el ya bastante lejano estreno de NENETTE Y BONY (1996), las invocaciones al Godard de “Le petit soldat” en BELLA TAREA (1999) o las esporádicas pasadas en Mar del Plata de VENDREDI SOIR (2002) y EL INTRUSO (2004). Y este año se estrenó 35 RHUMS (2008), una historia que narra la relación entre un padre y una hija entre bares, canciones melancólicas y una puesta en escena de contundente sofisticación visual, característica recurrente en la directora.

Trouble every day de Claire Denis en el CIC

La otra aclaración, justamente, se relaciona al estilo de Denis, con puntos en común en cuanto a refinamiento visual y rubros técnicos, pero desde las historias, a años de luz de conformar un ejemplo acabado del “cine de autor” Y, en ese sentido, TROUBLE EVERY DAY corrobora la frase anterior: las bellas, sangrientas y crueles historias antropofágicas no condicen en ningún punto con la obra anterior y posterior de la cineasta.

Una pareja recién casada y su luna de miel, otra pareja particular en la que él es un científico de cierta reputación y ella una mujer de piel muy blanca y labios carnosos e imponentes. Tan particular son éstos dos últimos que él la deja encerrada en su casa, como si se tratara de un animal salvaje presuroso en salir por su presa. El montaje paralelo de ambas historias es la elección perfecta de Denis para construir climas asfixiantes (pese a la existencia de espacios abiertos –la ciudad gris, fría y lluviosa, también actúa desde aspectos melancólicos-), aumentado por los escasos textos, solo los necesarios, escuetos y mínimos para presentar los conflictos. Pero el montaje paralelo se extiende más, ya que la bella mujer queda encerrada mientras su pareja se dirige a su lugar de trabajo, entre tubos y probetas genéticas de diversos colores y guardapolvos blancos que tipifican a la ciencia.

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