Un hombre en su encierro. Las palabras que nunca cesan. Tampoco el temor de ser despojada de sus chanchos ni el trabajo de cocinarlos. El teléfono y el timbre suenan; no suenan. Una historia que duele, un pasado que es presente en su dolor. Una herida.
Dramaturgia, dirección e interpretación Marcelo Bertuccio
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A diez años de su estreno.
Nina Hagëken (ex actriz que recibe el apodo de Nina por representar siempre obras de Chejov) y su esposo Peter Expósito (un fanático del teatro clásico) reciben la visita del hermano de este: Michael Expósito.
Hace tiempo que no se ven dado que, este último, reside en Córdoba desde hace unos años.
Al comenzar la obra el matrimonio desenvuelve unos regalos que les trae Michael: un perro de peluche a Nina y una botella con un líquido rojo a Peter.
Este líquido (que da título a la obra) contiene, según las palabras de Michael, el tratamiento para que Peter cure su adicción al tabaco.
A su vez, el perro de peluche que recibe Nina se convierte en disparador del constante enfrentamiento matrimonial que incomoda a Michael. A Nina le encantan los animales, a Peter no y existen varios antecedentes lamentables en este sentido que se van revelando en el transcurso de la obra.
Este comienzo conflictivo va estructurando un relato en el que cada uno de los tres personajes devela segmentos de su vida casi olvidados, invisibles u ocultos para los otros, en el que se conjugan frustración, dolor, euforia, fanatismo, decepción… en un marco melancólico, en el que la fragilidad de estos seres los vuelve trágicamente cómicos. Un clima cuasi chejoviano aunque con una dramaturgia que se corre permanentemente del realismo.
El relato dramático juega con el tiempo real y el de ficción y, es el personaje de Nina quien se encarga de romper esa línea de tiempo desplazándose del espacio de ficción para relacionarse con el público y dejar constancia de la reconstrucción de esa ficción ya sucedida.
Un grupo de personas intentando formar parte del mundo actual. Relaciones globalizadas, sentimientos encontrados, consumo desmedido, verborragia, furia, catarsis emocional y diferencia social. Un encuentro a todo o nada entre lo miserable y lo humano. La ambición desmedida y su relación inseparable con lo material. La desolación. La tristeza. La muerte como destino final y el amor como única salvación. Todo esto es Ciudad Paraíso
ACTUAN:
William Céspedes Baquero – Lara Crespo – Nadín Jezabel Gulman – Victoria Angeles – Santiago Morán – Daniel Agustín Moreyra – Mathias Muñoz Percat – Josefina Pittelli
DRAMATURGIA Y DIRECCION: Mariela Asensio
Textos: Mariela Asensio en colaboración con los actores
Asistencia artística: Anahí Ribeiro
Operadoras técnicas y edición de video: María Colaneri y Bárbara Majnemer
Realización de peinado: Paola Luttini
Diseño de Maquillaje y concepto de Vestuario: Anahí Ribeiro
Maquillaje: Emilia Midun
Fotografía y video: Luis Felipe Paladines
Colaboradores:
Claudia Mazzon de ESCENA 14
Mariano Diaz de ESPACIO QUINTANA
Leonardo Rubén Gulman de BELESANA
¿Dónde queda lo primitivo en nuestro ser? ¿En qué parte de nuestro cuerpo reside la violencia? ¿Por qué huir? ¿Por qué quedarse? Para observar: Un montón de personas y un atentado. Pedazos. Objetos. Robo. Asesinos y Artistas. ¿No son lo mismo? Idiotez y Destrucción. Todo es nada. Besamos al delito. Perseguimos extraños, evadimos lo fácil. La loca de la 713. Todos los días diseñamos mentiras. La seguridad del shopping. Busca a alguien que no le importe, busca a alguien que no sienta y busca a alguien que no entienda. El último vendrá después y pagara por todos. Tendrás uso de la libertad pero ¿y tu forma? Esos somos nosotros. Somos jóvenes. Amorfos. No sabemos reír. Mejor dicho nos cagamos de risa. La envidia de por medio. Un bate de béisbol. TUC! Huyó mi cabeza como un condenado a muerte. Mordida de perro. Niño monstruo. Dulce Molotov. No me ve nadie. No me vio nadie. ¿Qué hay detrás del tigre? Enfermedad. El tiempo me viola sistemáticamente todas las mañanas. Defensa personal. Hacete espacio y baila música disco para el ritual de la masturbación. La inocencia no existe. Un poema escupe en contra de los supermercados. Los animales no pueden ser snobs. Y yo… sinceramente miro televisión.
El artista Joaquín Fargas se presentó en el CIC para conversar con los estudiantes de la cátedra Curaduría II sobre su obra. Los alumnos, quienes previamente habían investigado sus trabajos, tuvieron la posibilidad de entrevistar al artista y profundizar sobre sus obras. La cátedra de Curaduría II a cargo del profesor Jorge Zuzulich tiene como objetivo desarrollar el guión curatorial de una exposición y que los alumnos se vinculen con los artistas estudiados para que puedan trabajar en conjunto sobre el desarrollo de la exposición.
Joaquín Fargas
Ingeniero-artista // artista-ingeniero, integra el campo artístico, el científico y el tecnológico en su producción. Desde la ciencia, divulga los conceptos y teorías de un modo lúdico, poético; desde el arte enseña a comprender las propiedades de la naturaleza y a tomar conciencia de su cuidado.
Desde 1988 se dedica a la popularización de la Ciencia y la Tecnología. En 1990 funda el Centro Científico Tecnológico Interactivo (CCTI) del cual dependen el Centro Interactivo Exploratorio, el programa ambiental Mirando al Futuro y el proyecto internacional Global Museum sobre Arte, Ciencia y Tecnología. Participa del desarrollo del Museo de las Américas a través del Planetario y Museo de Ciencias de la ciudad de Miami. En Abril de 2005 ha sido premiado por Red Pop-UNESCO en el rubro especialista en popularización de la Ciencia y la Tecnología. En Junio de 2008 funda en la Universidad Maimónides de Buenos Aires el primer Laboratorio de Bioarte de Latinoamérica. En Mayo de 2009 fue premiado por Red Pop-UNESCO en el rubro especialista en popularización de la Ciencia y la Tecnología por sus trabajos en integración de estas disciplinas con el arte. Desde enero de 2010 es director ejecutivo de la Red de Popularización de la Ciencia y la Tecnología para América Latina y el Caribe.
María Eugenia Santa Coloma, Alumna de la Carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC, inaugurará el próximo 8 de junio la exposición “Cajita de Recuerdos” junto al colectivo artístico DeFrenéticas. La muestra se llevará a cabo en la galería Arte x Arte. Con motivo de la exposición María Eugenia nos cuenta sobre este proyecto.
Grupo DeFrenéticas
El colectivo artístico DeFrenéticas, materializa corporeamente palabras llevando la experiencia literaria de la misma al hecho de la instalación. Utilizan para crear sus esculturales letras materiales de descarte con un ideal que se mantiene de fondo: “resignificar” no sólo las letras, sino la materialidad misma.
Ambas son diseñadoras gráficas, Mariela especializada en tipografía, y Lucía en Sistema de identidad visual. Mi apoyo y participación siempre estuvo del lado de la producción y la gestión y desde el año pasado que arranqué la carrera en el cic mantengo una relación mucho más desde el perfil curatorial.
Magalí Abramovich, Alumna de la Carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC, estará a cargo de la presentación de la charla “ARTISTA / ETC – GESTIÓN Y ACTIVISMO CULTURAL” a desarrollarse el próximo 8 de junio en Casa Matienzo. El encuentro tiene como objetivo reflexionar en torno a la producción colectiva de arte y cultura. Se tratará el caso del Grupo Trans.Entorno.
DATOS DE LA CHARLA
Día: Sábado 8 de Junio- 14hs
Lugar: Casa Matienzo- Matienzo 3136 (entre Freire y Conde)- Colegiales
Introducción a cargo de :
Magalí Abramovich (Estudiante de Gestión Cultural y Curaduría – Centro de Investigación Cinematográfica | Becaría 2013 en grupo Trans.Entorno)
Disertantes:
Juan Cuello y Marcelo Coy ( co-fundadores de Trans.Entorno y Circuito Cultural Cono Sur, articuladores nacionales de Cultura de Red )
Trans.Entorno está integrado por jóvenes especializados en arquitectura, nuevas tecnologías, gestión cultural y artes visuales; unidos en la acción de producir, estimular y desarrollar movimientos culturales integrales. Su propósito es contribuir en el desarrollo y el fortalecimiento del tejido socio-territorial a través de la organización en red de los múltiples recursos y saberes.
Crónicas Venecianas – Viernes 7 de Junio de 2013 18,30hs
En el marco del Ciclo de Conferencias sobre Curaduría, el CIC recibió a Rodrigo Alonso quien disertó acerca de su experiencia como curador en la Bienal de Venecia de 2011.
“Las bienales no son meras exhibiciones artísticas: son, ante todo, lugares propiamente “de exposición”, donde se muestra pero también se llama la atención. Curar una bienal implica no sólo la elección de un artista con una propuesta potente, sino también, el diseño de estrategias de visibilidad y una comprensión clara de los mecanismos que sustentan y legitiman la producción artística más contemporánea”. Rodrigo Alonso
Rodrigo Alonso es licenciado en artes, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Teórico e investigador en el terreno del arte tecnológico, es un referente de la historia y la actualidad de esa producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema, y colabora regularmente en periódicos, revistas de arte y catálogos. Como curador independiente, ha organizado exposiciones en importantes instituciones argentinas y extranjeras. Entre sus exposiciones recientes se cuentan: Sistemas, acciones y procesos, 1965-1975 (Fundación Proa, Buenos Aires, 2011), Situating No Land (Slought Foundation, Philadelphia, 2011), Tales of Resistance and Change (Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2010) y ¡Afuera! Arte en espacios públicos (Córdoba, Argentina, 2010, junto a Gerardo Mosquera), entre muchas otras. En 2011, fue el curador del envío argentino a la 54° Bienal de Venecia. Es profesor en carreras de grado y postgrado en universidades de Argentina, Latinoamérica y Europa. Se desempeña también como jurado y asesor de concursos, premios y fundaciones internacionales.
“Lorena es planeadora de aviones. No es profesional, aunque le hubiese gustado.
Sobrevoló distintas épocas.
Y una vez, también, sobrevoló Hiroshima. Justo en el momento del impacto.
El manubrio de su avión se le fue de las manos, y la nave voló sola.
Ella pensaba que nunca nadie la estaba viendo, pero sí, resulta que un día alguien la vio”.
Mi primer Hiroshima es un monólogo con video. Tiene una duración aproximada de 40 minutos. Es el segundo trabajo de Camila Fabbri después de Brick, su primera obra.La actuación principal es de Maria Canale, actriz ganadora en el Festival de Locarno a Mejor Actriz protagónica por su trabajo en Abrir puertas y ventanas de la directora argentina Milagros Mumenthaler.
TEORÍA Y PRAXIS
Por Gustavo J. Castagna
“Creo sinceramente que complacer a la gente es importante, pero también creo que cada película tiene un cierto grado de “violencia planeada” sobre su audiencia. En una buena película, la gente debe ver algo que no quiere ver e intentar aprobar a quien habían rechazado. Deben ser obligados a buscar donde se habían negado a mirar” (Francois Truffaut)
La frase de Truffaut propone la exigencia máxima del espectador, la complicidad en la búsqueda de lo nuevo, el riesgo de encontrarse con una película que puede causar un gran placer o un rechazo sin miramientos. Pero Truffaut –también un gran escritor a esta altura del cine y de la vida- sabía a qué se estaba refiriendo, como ocurrió en su gran obra como crítico y teórico del cine en los gloriosos años 50 de Cahiers du Cinema. Y su gran amigo de ruta, más tarde su rival ideológico, el aun activo Jean-Luc Godard (3 de diciembre de 1930), a través de su monumental obra de seis décadas, encaja a la perfección en la cita del comienzo. Más aun, cuando surge una película como PASSION.
Godard en los 80 vivía una época distinta a la década anterior, que había sido invadida por la frustración estética e ideológica del Grupo Dziga Vertov, pero también, por sus primeros trabajos en video y por los intentos en reinsertarse en el negocio del cine (DOS Ó TRES COSAS QUE SÉ DE ELLA, 1972). Los 70, en ese sentido, se habían cerrado con SALVE QUIEN PUEDA (LA VIDA), 1979, film donde Godard explora en profundidad las relaciones entre el cine y las demás artes, y donde también el soporte video cobraba un esencial protagonismo.
VOYEURUSMO=EROTISMO=SEXO
Por Gustavo J. Castagna
En aquellos años 70 y parte de los 80 el trono Hollywood estaba ocupado por tres realizadores ítaloamericanos. Coppola, el rey padrino con su merecida corona, junto a los príncipes Scorsese y De Palma. Los tres habían tomado por asalto al Paraíso Hollywood, apoderándose de las arcas monetarias y estéticas del negocio a través de esas películas irrepetibles, que ya pertenecen a la Gran Historia del Cine. Francis Ford con sus Godfather y Kurtz rayado en el culo del mundo, allá lejos en el fondo de Vietnam; Scorsese con Travis Bickle y sus aun jóvenes goodfellas de Mean Streats a los que se sumaría el derroche de sangre pecadora de Jake LaMotta en Toro Salvaje; en tanto, el inquieto Brian, sumergido en sus bienvenidas apropiaciones al maestro Hitchcock, acababa de presentar la demencial Scarface y las montañas de cocaína dura, dólares y sexo incestuoso a punto de eyacular desde la energía de Tony Montana, el hombre invencible.
Eran aun el rey y sus dos príncipes pero algo no andaba bien, o no tan bien como en la década anterior. El rey Coppola había metido la pata y tenía una deuda de 40 millones de dólares por tirarse a una pileta sin agua, debido a sus ambiciones desmesuradas, al hacer el musical One From the Heart (1982), film incomprendido y denostado por el público y la crítica. El príncipe Martin, saliendo de la furia de su toro salvaje, entraba en una zona brillante de su talento (El rey de la comedia; Después de hora) pero agachaba la cabeza frente a las primeras imposiciones del mercado (El color del dinero). Acaso el otro príncipe, el De Palma en cuestión, al final de la primera mitad de los 80, aun era quien mejor estaba parado frente a la atmósfera oscura que se acercaba y quedaría para siempre, destruyendo al trío que resucitó y (re)interpretó la historia del cine dentro de aquel Paraíso, pronto convertido en el Infierno gobernado por las corporaciones y por el economista Steven Spìelberg como dirigente principal. Acaso, tal vez, y gracias a Tony Montana, pero también por una película como DOBLE DE CUERPO, que a casi treinta años, podría decirse que se trata de la última película libre y sin concesiones al mercado de un realizador desigual con un estilo intransferible.
EL CINE Y SUS FANTASMAS
Por Gustavo J. Castagna
Varios temas y subtemas, tramas principales y secundarias, intertextos, homenajes, referencias, citas e invocaciones al cine conviven en la hora y media de IRMA VEP, acaso uno de los títulos esenciales del cine europeo de los 90, mirando hacia la cinefilia de antaño, pero también, articulando un discurso que observa a las imágenes por venir. En principio, se trata de una (otra) película sobre el cine dentro del cine, concebida por un director de prestigio (Olivier Assayas) que explora la remake de un serial de culto de la época muda como Les vampires (1915) de Louis Feuillade, a punto de ser rodada por el cineasta de ficción, el dubitativo René Vidal, interpretado por Jean-Pierre Léaud, fetichismo viviente de la Nouvelle Vague a través de las obras maestras de Francois Truffaut y Jean-Luc Godard. Aparecerá una actriz china, la excesivamente hermosa Maggie Cheung haciendo de sí misma e intentando, desde los consejos de Vidal, meterse en la piel de Musidora, aquella diva de los años silentes. Y habrá una protagonista inesperada, la vestuarista que encarna Nathalie Richard, fumadora empedernida y mujer inquieta que se siente atraída por la figura y el traje negro de látex que lleva Maggie Cheung en el revival de Les vampires.
Pero IRMA VEP (anagrama de Vampire) no se queda en el homenaje por aquellos buenos y silenciosos tiempos. No construye, como tantos films, una elegía a la melancolía por el blanco y negro y los misterios sin audio que proponía la estética del cine mudo. IRMA VEP habla de muchas más cosas: el estado del cine en los 90 hasta estos días; las tensiones que se producen en un rodaje en el cual un director no está conforme y seguro de sí mismo con aquello que filma; las referencias a las remakes y la necesidad de (re) construir algo que ya se hizo; las filosas ironías que Assayas explaya sobre el cine de autor y la presuntuosidad y arrogancia de algunos (¿todos?) los cineastas francesas; los fantasmas que arrecian cuando se observan determinadas imágenes, y por supuesto, al momento en que la pantalla queda en blanco, muerta, inerte, sin nada o poco que transmitir.
Presentará, entre otros temas, los aspectos generales sobre la labor del director de fotografía, el cambio de paradigma asociado a las nuevas tecnologías y el valor de la labor del DF como creativo más allá de los conocimientos técnicos.
La entrada será libre y gratuita con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar
VENÍ QUE TE FILMO
Por Gustavo J. Castagna
En los años 90 el arribo del joven director Alejandro Amenábar trastocó algunas estructuras del cine español, revitalizándolo a través de una película de género. Su llegada lo sumó a un tándem de cineastas consagrados (Almodóvar, Alex de la Iglesia), y a otros contemporáneos con sus operas primas (el actor Santiago Segura con Torrente, el brazo tonto de la ley; El milagro de P. Tinto de Javier Fesser) que de algún modo se destacaran dentro de un modelo de producción de cine industrial. En estos días, el único que sigue su derrotero es Almodóvar, ya que Segura más allá del grosero policía Torrente no se animó a otros emprendimientos y Fesser modificó su mirada, abandonando la comedia delirante de P. Tinto por la turbia y poética Camino, sobre la eutanasia y el Opus Dei.
Amenábar, por su parte, construyó una carrera mirando a Hollywood con Abre los ojos, Los otros y Agora, hasta hoy su último film, corroborando aquel transparente axioma de que determinados cineastas nunca pudieron superar las bondades de su opera prima.
El Ciclo de Conferencias sobre Curaduría del CIC surge por la necesidad de crear un espacio de reflexión sobre la práctica curatorial en Argentina. Desarrollado por la Carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC este espacio propone abordar la situación actual de la Curaduría en nuestro país a través de encuentros con curadores, artistas, críticos y los diferentes agentes que componen el mundo del arte.
Durante el 2012 participaron del ciclo Andrea Elías, Directora del Museo de bellas artes de Salta, curadora y artista visual; El grupo activista Mujeres públicas junto con la curadora especialista en arte de género María Laura Rosa y la crítica especializada en arte Laura Casanovas.
Este año el ciclo se inauguró con la curadora María José Herrera quien abordó la temática de la Curaduría Institucional en el Museo Nacional de Bellas Artes.
El Ciclo de Conferencias sobre Curaduría es gratuito con inscripción previa en reservas@cic.edu.ar. Se lleva a cabo en las instalaciones del CIC ubicado en Matienzo 2571.
En el marco de la materia Curaduría I, los alumnos del CIC visitaron el pasado sábado 20 de abril el Parque de la Memoria, Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, emplazado en la Ciudad de Buenos Aires.
La visita se inició con un recorrido guiado por el conjunto de obras escultóricas que fueron especialmente realizadas para el parque. Luego los alumnos ingresaron a la sala de exposiciones PAyS (Presentes Ahora y Siempre), donde fueron recibidos por Florencia Battiti, Curadora del Parque de la Memoria y Adriana Lauria, Curadora de la exposición que actualmente se está presentando en la Sala: NORBERTO PUZZOLO: PAISAJES DE LA MEMORIA .
LA FIESTA DE NUNCA ACABAR
Por Gustavo J. Castagna
Una película como BOOGIE NIGHTS de Paul Thomas Anderson, luego de su excelente opera prima Hard Eight, Sidney y antes de Magnolia, le hace muy bien a la historia del cine. En realidad, la aparición de PTA, en medio de un sistema adocenado y casi predigerido y dirigido a un target de público, convirtieron al director en una personalidad esencial de los últimos años. Son solo seis películas hasta hoy, las tres citadas y Embriagado de amor, Petróleo sangriento y la reciente The Master, pero más que suficientes para conformar una obra sólida, alejada de las cuestiones más transparentes de la “autoría”, pero al mismo tiempo, constituyendo una filmografía invadida por ideas originales, también invocatoria de otros cineastas (Scorsese, por ejemplo), de una inagotable catarata de secuencias de montaje difícil de encontrar en el cine de estos días.
BOGGIE NIGHTS refiere al cine dentro del cine, construyendo las idas y vueltas de una particular “familia” con un marco de época determinado. El clan alude al mundo de la pornografía setentista, a uno de sus directores de renombre (el personaje encarnado por Burt Reynolds, recuperado por PTA para el cine), su pareja-actriz (Julianne Moore), los técnicos, los actores, los inversores, las chicas actrices, en definitiva, la cosmovisión de aquel universo donde el género aun no había recibido el calificativo conservador y políticamente correcto de “condicionado” Pero a esa familia específica llega un novato, al que el se le dará un nombre contundente: Dirk Diggler (interpretado por Mark Wahlberg), un mesero que aun vive con los padres y que se hará famoso por las bondades y potencia de su miembro viril.
La alumna Mirta Groshaus, que actualmente se encuentra cursando la carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC, inaugurará el próximo 24 de abril una exposición retrospectiva de Benavidez Bedoya en la Galería ESPACIO LAVALLEN de la cual es miembro activo desde el 2012. Con motivo de la exposición aprovechamos para entrevistarla y que nos cuente los detalles de este pujante proyecto.
¿Cómo y cuándo nace el proyecto de la galería?¿En qué consiste?
El espacio surge por una propuesta del artista Julio Lavallén , quien durante 8 años compartía un espacio con su esposa en el restaurant de puertas cerradas Almacén Secreto. Este funcionaba como ”club de artistas”. En él se producían encuentros de artistas y diversas muestras de los artistas amigos.
Inauguramos el segundo año del Ciclo de Conferencias sobre Curaduría del CIC, con la presencia de María José Herrera, quien conversó acerca a la curaduría institucional que ejerció en el Museo Nacional de Bellas Artes durante el período 1999-2012 a través de algunas de sus exposiciones: En Medios de los Medios (1999). Guión curatorial de las salas de Arte Argentino y Arte Precolombino (2005-2011). Ernesto Deira retrospectiva (2007/2008). La pintura española (1880-1930) en la colección del MNBA(2007). Curatella Manes y Sibellino: maestros de la escultura moderna (2008). Tomás Maldonado, un itinerario (2008/2009). Real/Virtual Arte Cinético argentino en los sesenta (2012).
LUZ, CÁMARA, ACCIÓN (Y OMBLIGUISMO)
Por Gustavo J. Castagna
Bienvenidos a desentrañar un tema seductor como pocos cuando se habla y reflexiona sobre cine. Cine dentro del cine ó el cine hablando de sí mismo desde infinitas capas y ópticas. Desde la gestación de una película ó a través de citas, homenajes, referencias e invocaciones al período clásico. Desde la descripción de una época y sus alcances políticos y sociales hasta la reconstrucción de una década y sus primeros años posteriores donde la pornografía era una industria como cualquier otra. O, porqué no, desde los deseos de un grupo de estudiantes que desean concebir su opera prima tomando como condición los códigos de las incendiarias “Snuff Movies”
Docenas de películas hablan del cine dentro del cine y sería imposible su inclusión en este seminario. Pero el recorte es válido y concluyente y los cinco films desarrollan este particular tema desde diferentes miradas: festivas, invocatorias, reflexivas, densas, peligrosas, fusionando el pasado con el presente y alertando –porqué no- que dirigir una película no es un manto de rosas, sino una zona de riesgo, crisis, discusión, polémica permanente. Francois Truffaut – a través de su personaje-director en La noche americana- expresaba: “Antes de rodar una película no veo el momento de empezar; cuando la estoy filmando, solo pienso en terminarla”
…Todas las cosas tienen su opuesto, cada decisión una razón en contra, cada animal otro animal que le destruye… Nada puede existir sin su opuesto, cada uno es lo que el otro ha elegido no ser, el yo rechazado que cree que odia pero que quizás ama,.. es una dualidad lo que permea la naturaleza… dos personas para cada individuo. HAY UNA PERSONA OPUESTA A TI, COMO TU PARTE INVISIBLE, EN ALGÚN LUGAR DEL MUNDO Y AGUARDA AL ACECHO…
Actúan: Marina Andrada, Alejandro Ulises Gimenez
Dirección: Julián Cortina, Florencia Laval
Entradas Online: http://www.cic.edu.ar/intranet/web/productos.php?cod_categoria=55
Una creación de Mariela Asensio
basada íntegramente en la impronta y creatividad de todos los actores
Este espectáculo fue creado en el 2012, en el marco de la tesis de grado del tercer año de la carrera de actuación y dirección de artes escénicas del Centro de Investigación Cinematográfica (CIC), y debido a la repercusión obtenida y la fuerte aceptación del público, realizara 4 únicas funciones los días 12, 19, 26 de abril y 3 de mayo de 2013.
Reservá tu entrada en: reservas@cic.edu.ar
Entradas online: http://www.cic.edu.ar/intranet/web/productos.php?cod_categoria=55
¿DÓNDE DEJASTE LA PURPURINA?
Por Gustavo J. Castagna
Brian Slade, Curt Wild, Jack Fairy. Tres nombres de ficción. O no. Tres nombres que referirían a la iconografía más representativa del Glam-Rock: David Bowie, Iggy Pop, Marc Bolan. Son ellos tres porque las historias aluden a aquellos años locos, muy locos, entre purpurina, rimel, lentejuelas, trajes espaciales, plumas. Y también, más que nada, mucho hedonismo, ambigüedad sexual, homoerotismo a flor de piel. Pero, a no olvidarse, que fue una época donde el rock entró en la zona del divismo, el lanzamiento de la estrella, el Adonis que requería ser observado. También, deseado.
Habían pasado los años de la alegría y el estallido hippie, que ya presentaba sus primeros cadáveres exquisitos: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones. Más temprano que tarde, Keith Moon, el genial baterista de los Who. Los Beatles habían pactado la separación definitiva a comienzos de los 70 y el agujero musical que marcaba la ausencia iniciaría una nueva era, plena de glamour, invadida por el cuerpo deseado, por el póster en las paredes de las habitaciones de los adolescentes británicos, quienes decidirían irse de la casa de sus padres, pero no con el fin de bautizarse con el primer porro de marihuana, sino para vestirse de una manera diferente, provocadora, donde se conciliaba y fusionaba lo femenino con lo masculino. Esos años de descubrimiento personal a través del vestuario y de la música son los que recorre Todd Haynes en la maravillosa historia de VELVET GOLDMINE. Una historia de múltiples miradas, puntos de vista, laberintos a transitar y re-conocer, estéticas superpuestas que actúan como ejes narrativos que no buscan un único propósito. Efectivamente, VELVET GOLDMINE es una película democráticamente disfrutable, desde su estupenda banda de sonido con temas originales o reciclados por otros, desde la reconstrucción de época, desde las idas y vueltas de los personajes principales y secundarios. Es democrática y compleja en dosis similares: su estructura de relato recuerda a El ciudadano de Orson Welles y la conformación de la historia general necesita de segmentos que aluden a la triunfante estética videoclipera, en tanto, a medida que se explayan sus numerosos textos y subtextos, la película entrega una dosis importante de emoción, que culmina con una frase expresada por el personaje de Curt Wild. “Quisimos cambiar al mundo y los que cambiamos fuimos nosotros”, transmite el músico y cantante al periodista ex fanático glamoroso que durante todo el film intenta buscar el significado de algo que no se denomina Rosebud pero podría serlo.
¿QUIÉN ES ROBERT ALLEN ZIMMERMAN?
Por Gustavo J. Castagna
Un personaje extraordinario como Bob Dylan (24-5-1941) merecía una película no convencional como I’M NOT THERE. En realidad, el Sr. Robert Allen Zimmermann amerita varias ficciones (o algo parecido) como el rompecabezas que Todd Haynes expresó en más de dos horas de metraje. Y está bien que haya sido así, ya que los beneficiados son el cine, el rock, el folk, el blues, la guitarra eléctrica, la acústica, la armónica, el que busca una non fiction film lejos de la rutina, el espectador fanático de Dylan, el que gusta de alguna de sus etapas por encima de otras, el que nunca lo escuchó y tiene la oportunidad ahora de conocer sus letras y su particular voz, el ávido lector de Arthur Rimbaud y su temporada en el infierno, los conocedores de los poetas beatniks de los 50 y 60 con Allen Ginsberg a la cabeza, en fin, la lista sería interminable en cuanto a pretensiones y propósitos de una película democrática y exigente, invadida por ideas geniales, única en su especie, plausible de más de una visión.
Aquello que no debería sorprender es que Todd Haynes se haya cargado al mito Dylan. Una de sus películas anteriores, Velvet Goldmine (cita obligada del seminario el miércoles que viene) había fusionado la historia del Glam y las figuras de David Bowie e Iggy Pop con la estructura narrativa de El ciudadano de Orson Welles.
Pero, si cabe una comparación, I’M NOT THERE es más desmesurada y poco complaciente, acaso menos placentera que aquella fábula glamorosa, pero también gigantesca en sus variantes estéticas, riesgosa en su formulación, ambiciosa en su decisión por describir a un mito viviente como Bob Dylan a través de seis personajes diferentes.
Sí, leyó bien. Bob Dylan, artista camaleónico y también único en su especie, está encarnado por un sexteto de intérpretes que reflejan zonas de su vida. Pero no solo eso: , I’M NOT THERE refiere a Dylan a través de otros personajes o desde una de sus múltiples actividades, o tal vez, a partir de alguien que él admiró o continúa admirando en la actualidad. Por si fuera poco, la película está contada con un montaje paralelo que resucita en imágenes algún segmento anterior, convalidando aquello del rompecabezas, o en todo caso, de un caleidoscopio infinito que se propone retratar a un genio de siglo XX. Y todavía del presente siglo.
EL NACIMIENTO DE LA LOCURA
Por Gustavo J. Castagna
Días atrás se cumplieron cincuenta años del lanzamiento de Please, please me, el primer LP de los Beatles. Por lo tanto, no se está tan lejos del medio siglo de estreno de ANOCHECER DE UN DÍA AGITADO (bautizada en los cines de Argentina como “Yeah, Yeah, Yeah” desde octubre de 1964). Dos LP – el onomástico reciente y With the Beatles (en octubre de 1963) fueron suficientes para que Lennon, McCartney, Harrison y Starr desplazaran de los “charts” (venta de discos) a cualquier otra banda británica de entonces. Pero faltaba el gran desembarco, que se produciría a comienzos de 1964, cuando la “beatlemanía” pisa fuerte en los Estados Unidos, con un nuevo disco y con la primera película que los tendría como protagonistas.
Aquellos días ya pertenecen a la gran historia del rock, con los cuatro de Liverpool tocando en vivo o presentándose en el “Ed Sullivan Show” televisivo, haciendo play back frente al griterío de las fans. El mundo de la música ya no sería el mismo cuando los Beatles junto a sus “creadores” Brian Epstein y George Martin bajan del avión y miles de chicas corren tras ellos en la pista de aterrizaje. Nace el fanatismo, el deseo a flor de piel, el llanto incontenible, el inicial hedonismo sexual cuando aun no se había tenido sexo.
Freud se hubiera hecho una panzada mirando a las adolescentes (o no tanto) estrujándose las manos entre las polleras y las medias de uniformes de colegialas secundarias y primarias.
En fin, Los Beatles llegaron a Estados Unidos, estuvieron varios días en el país conquistado y dejaron detrás un tendal de chicas que descubrieron la música y el sexo en dosis similares mirando a esos cuatro jóvenes y sus flequillos que hicieron historia.
El Director de “No sos vos, soy yo”, “Quién dice que es fácil” y “Un novio para mi mujer” nos visitará el 4 de Abril, con motivo de la presentación de su última película “La reconstrucción”. El filme cuenta la vida de Eduardo, un obsesivo y eficiente trabajador en la industria del petróleo, desconectado de cualquier tipo de emoción. Parece haber archivado su historia en uno de los cuartos de la casa que habita en Río Grande. Su solitaria rutina se ve alterada cuando es convocado a trasladarse hasta Ushuaia por unos pocos días. El viaje y el reencuentro con un viejo amigo y su familia lo ponen a prueba y hacen que algo en él se ponga en movimiento permitiéndole reconstruir su pasado, su presente y quizá su futuro.
FIN DE FIESTA
Por Gustavo J. Castagna
La fiesta estaba preparada de antemano y debía ser tal, más aun cuando los Stones cerrarían su gira por Estados Unidos, meses después de la muerte de Brian Jones, una de las piezas fundamentales de la banda desde sus inicios. Mick Taylor reemplaza al ángel caído en la pileta de natación de un hotel cinco estrellas y el grupo, los eternos Rolling Stones, vuelven a conformarse: Jagger, Richards, el pétreo Bill Wyman en el bajo y el aún pelilargo Charlie Watts en la batería bautizan en vivo al rubio Taylor con la interminable gira de segunda mitad del año 69.
Pocos meses antes había terminado la fiesta de tres días en Woodstock y el mundo ya sabía que el rock, los músicos y los excesos tenían su merecido lugar en la historia.
La celebración en el autódromo de Altamont, al norte de California y al este de Okland, aquel 5 de diciembre, terminaría mal, muy mal. Los ya conocidos cineastas de documentales Albert y David Maysles, junto a la productora Charlotte Zwerin, fueron con un montón de cámaras para registrar el acontecimiento. Al fin y al cabo, era la vuelta de los Stones, luego de la muerte de Brian Jones y de dos años sin salir de gira. A la eterna banda la acompañarían otras para el registro en vivo: la ultra hippie y brillante Jefferson Airplane con la estupenda voz de Grace Slick; la psicodélica propuesta de Grateful Dead con su líder Jerry García; la novedad de ver en vivo a Flying Burrito Brothers con el autodestructivo Graham Parsons; las voces folk de Crosby, Stills y Nash y esa pareja tensa en la privacidad pero excelente en el escenario que conformaban Ika y Tina Turner.
Pero Mike Jagger, o los Stones, o quién sabe, metieron la pata al contratar a los furibundos Hell Angels con sus motos, camperas de cuero y cervezas en mano como personal de seguridad.
Desde el presente de nuestra práctica planteamos un diálogo con los grandes autores
y legados del cine documental. No es la perspectiva del historiador sino
la del propio cineasta enfrentado a los diversos dilemas morales,
estratégicos, técnicos y compositivos que dieron y dan forma a las películas.
José Luis Guerín
El semianrio se dictará los días miércoles a las 14:15 Hs. Será gratuito con inscripción previa a través de reservas@cic.edu.ar
CINE Y ROCK, UNA RELACIÓN PARTICULAR
Por Gustavo J. Castagna
Cinco películas conforman el seminario Cine y Rock, o Rock y Cine. Cinco títulos que abarcan diferentes visiones, criterios de puesta en escena, temas y anclajes narrativos sobre las tensas relaciones entre el Cine y el Rock. Desde la descripción de casi dos décadas de música en la ciudad de Manchester como se manifiesta en las imágenes de 24 HOUR PARTY PEOPLE hasta la gran fiesta que tuvo que haber sido y no fue en GIMME SHELTER con los Stones viviendo su etapa post mortem Brian Jones. Desde el blanco y negro de los primeros años de The Beatles en ANOCHECER DE UN DÍA AGITADO donde los cuatro de Liverpool se sumergen en el terreno del humor absurdo, hasta la visión camaleónica que sobre el poeta Bob Dylan decide Todd Haynes en la compleja trama de I´M NOT THERE. Y, como cierre virtual, el éxtasis definitivo de los años del Glam Rock en VELVET GOLDMINE, una rompecabezas de música, hedonismo, brillantina y rimmel con una estructura narrativa y dramática que tiene parentesco con Citizen Kane de Orson Welles.
Cinco grandes películas que intentan explicar las relaciones entre el cine y el rock, siempre ciclotímicas y placenteras, tumultuosas y felices en dosis similares.
Y pensar que la historia empezó cuando un discreto cantante country llamado Bill Halley, con su rulito como marca de fábrica, empuñó la guitarra y apareció en una de las fiestas juveniles de ROCK AROUND THE CLOCK, allá a comienzos de los 50. Mucho cine y rock transcurrió luego de aquella película en blanco y negro germinado en Hollywood que veía al rock como una moda pasajera. Ficciones, documentales, films con música rock, títulos con espíritu rockero. Números más o menos aproximativos, se calcula que entre mil y mil doscientas películas escarbaron hasta hoy en esta particular relación.
El seminario que se inicia, justamente, pretende dilucidar las afinidades entre aquella música que ya superó las seis décadas y un arte nacido a fines del siglo XIX al que le falta poco para cumplir ciento veinte años.
Buen cine y buena música. Pasen, vean y escuchen.
LA HORA DEL PRODUCTOR
Por Gustavo J. Castagna
Tony Wilson fue un genio, un personaje diferente entre sus colegas productores y empresarios, un visionario de aquellos años 70 y 80 sobre el mundo por venir, un sujeto que perdió mucho más de lo que ganó, una persona inteligente y culta que, por si fuera suficiente, amaba el rock. Wilson murió en el 2007 pero por suerte llegó a ver la excelente película de Michael Winterbottom que refleja la movida de Manchester desde los Sex Pistols hasta el surgimiento de los D-J en tierras británicas, abarcando casi veinte años de música, bandas, sonidos, alegrías, muertes, excesos y una apabullante adrenalina que marcó una época. 24 HOUR PARTY PEOPLE desde su mismo comienzo marca las pautas en relación al punto de vista: el film girará alrededor de Wilson y sus muchas pérdidas y pocas ganancias en dinero, sus descubrimientos, su relación de pareja, la ruptura, la nueva novia, sus amigos productores, su lugar de anclaje creativo y de supervivencia (la pequeña empresa Factory Records) y su pista de aterrizaje de características lúdicas (el mítico espacio The Factory, lugar donde se presentaban sus creaciones musicales). Por allí pasaron Joy Division y su autodestructivo líder Ian Curtis, más tarde New Order, Happy Mondays, Durutti Column y tantos más.
Pero la película de Winterbottom, como se dijo, no es una película convencional sobre el rock y una época determinada. Además de su celebratoria inminencia, que corrobora aquello de los buenos tiempos que no volverán, la estructura narrativa de 24 HOUR PARTY PEOPLE presenta un sujeto narrador desde la voz en off (Wilson) pero que en más de una oportunidad se dirige a cámara con sutil ironía, una cámara que a través de su tenso movimiento recrea el frenesí de esos años y un complejo subtexto que mete el bisturí crítico en las grandes corporaciones que terminarían por sustituir a los emprendimientos solitarios como el del carismático productor británico.
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